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出版者:

作者:（美）爱德华·茂莱

出品人:

页数:308

译者:邵牧君

出版时间:1989-7

价格:14.60元

装帧:

isbn号码:9787106000882

丛书系列:

图书标签:

• 电影
• 电影理论
• 茂莱
• 英国
• 电影改编
• 影视
• 电影系列（中国电影出版社）
• 文学理论批评/哲学
• 电影 共享 想象 叙事 视觉 文学 创意 作者 画面 情感

纸上春秋：一部关于声音、色彩与光影的非虚构探索 书名：纸上春秋 作者：[请在此处填写真实作者名] 类型：电影史、视觉艺术、声音设计、文化研究 --- 内容提要： 《纸上春秋》并非一部关于如何制作电影的指南，更不是一部聚焦于银幕上虚构故事的评论集。它是一部深入剖析电影艺术的“骨骼”与“呼吸”的非虚构作品，通过对电影语言、技术演进及其文化影响的系统梳理，揭示影像背后的深刻逻辑。本书致力于探寻那些在光影转换之间被大众常常忽略的、构成电影美学与叙事基石的元素——从胶片时代严苛的物理限制到数字浪潮下无限的创造可能性，从默片时期音乐的不可或缺性到当代杜比全景声的沉浸式体验。 本书分为四个主要部分，层层递进，旨在构建一个完整的电影感知体系。 --- 第一部：时间的刻度与空间的折叠——胶片与物理学的浪漫 本部分追溯了电影作为一种记录和再现媒介的物理本质。我们不谈论谁先发明了电影，而是深入探讨早期电影制作中，光线如何被“捕捉”以及运动如何被“欺骗”的过程。 1. 菲林（Film Stock）的生命周期： 详尽描述了赛璐珞、醋酸纤维等不同基材的演变，以及不同感光度（ISO）的乳剂层如何决定了画面的颗粒感、动态范围和色彩饱和度。讨论了早期摄影师如何与材料的化学反应进行搏斗，例如如何处理过曝的阴影和“漂白”的暗部细节。这不是对化学公式的堆砌，而是对技术局限如何催生独特美学的论述。 2. 帧率的哲学： 探讨24帧/秒这一行业标准是如何在经济成本、人类视觉感知临界点（临界闪烁频率）以及早期机械限制之间找到的“最优解”。分析了慢动作和快进的原理，以及它们如何从单纯的技术手段演变为叙事工具，例如对戏剧性瞬间的拉伸与对时间流逝的压缩。 3. 场记板之外的记录： 聚焦于电影现场的非技术性纪实，如对布景材料的纹理选择——为何粗糙的麻布比光滑的丝绸更能有效地吸收和散射摄影棚内的钨丝灯光？讨论了摄影机运动的物理限制如何定义了早期镜头的景深和焦点选择，并如何间接影响了观众的观看距离和心理代入感。 --- 第二部：听觉的构建——从无声到立体声的声场革命 声音常常被认为是为画面服务的元素，但本书认为，声音才是定义电影空间和驱动情感的隐形雕塑家。 1. 默片的交响乐团： 考察了“无声电影”时代，现场音乐伴奏的复杂生态。分析了不同影院为适应不同影片（如历史史诗、喜剧闹剧）而雇佣的不同编制的乐队。重点分析了当时音乐指导如何使用特定的动机（Motif）来标记人物出场、冲突爆发乃至情感转折，即使没有对白，观众也能“听见”叙事的发展。 2. 拟音（Foley）艺术的精妙计算： 深入访谈或重现顶尖拟音师的工作室。这不是简单地模仿“脚步声”，而是探讨他们如何通过精确选择材料（如皮革、碎玻璃、雪地模拟物）和控制力度，来塑造角色的重量感、环境的质地以及动作的冲击力。探讨了“非自然声音”——例如，为何一个夸张的撞击声比真实的物理撞击声更能传递“被打中”的痛感。 3. 空间声学与混音的战争： 分析了从单声道到立体声，再到环绕声技术（如杜比、DTS）的演变过程，核心在于“声场定位”。阐释了混音师如何通过推拉（Panning）和EQ（均衡）来构建一个三维的听觉空间，引导观众的注意力，并利用低频效果（LFE）来制造生理层面的恐惧或震撼。 --- 第三部：色彩的编码——色调、光谱与心理暗示 色彩不仅仅是美学选择，它是一种深刻的文化符号和生理刺激。本部分专注于色彩的物理学、化学及其在叙事中的功能性运用。 1. 色温与情绪的对应： 详细考察了早期电影摄影中使用的钴蓝、琥珀色滤镜的实际效果，以及它们如何人为地模拟日出、黄昏或室内油灯的光照条件。讨论了色温（开尔文值）与观众的生理反应（放松或紧张）之间的未被充分讨论的联系。 2. 染色工艺（Tinting & Toning）的复兴与消亡： 回顾了早期通过化学药剂对整部胶片进行整体染色的技术。分析了“蓝色代表夜晚或悲伤”，“黄色代表幸福或火焰”等约定俗成的视觉代码，以及这些代码如何跨越语言障碍实现普遍理解。 3. 数字调色（Color Grading）的“第三只眼”： 转向现代技术，分析了LUT（查找表）和色彩分离（Separation）技术在数字后期制作中的应用。重点不在于如何使用软件，而在于调色师如何通过操纵饱和度、对比度和色相，来“重写”导演原本的拍摄意图，从而为影片注入新的情感基调或历史背景。例如，如何通过降低蓝色通道的亮度来营造一种特定的“怀旧”或“腐朽”感。 --- 第四部：光影的雕塑——构图、运动与景深的思想实验 本部分将技术回归到艺术的本质：如何用光来划分画面，用运动来构建节奏。 1. 伦勃朗光与关键光： 区分了“照明”（Illumination）与“布光”（Lighting）。通过分析经典电影的剧照，展示了如何通过主光、辅光、轮廓光（Kicker）的精确角度和强度，来塑造角色的三维体积感、暗示其道德立场，乃至预示情节的转折。重点分析了侧光如何制造戏剧性的阴影，以及柔光如何掩盖现实的粗粝。 2. 景深与观众的凝视权： 深入探讨了“深焦镜头”（Deep Focus）与“浅景深”（Shallow Focus）的叙事权力差异。深焦镜头将所有信息平铺在银幕上，赋予观众选择关注点的自由，挑战其主动性；而浅景深则通过模糊背景（焦外成像，Bokeh），强制引导观众的情感焦点，扮演着叙事者的“眼睛”。 3. 运动的语法： 梳理了跟拍（Tracking Shot）、推拉摇移（Dolly Zoom/Vertigo Effect）等运动镜头的历史发展。这不是技术手册，而是关于运动如何反映角色的内心状态——是跟随的焦虑、窥探的欲望，还是掌控的自信。探讨了固定机位在不同文化背景下所代表的权威性或疏离感。 --- 总结： 《纸上春秋》旨在邀请读者进行一次深度的“解剖式”观影。它相信，理解了电影的底层逻辑——光如何被记录、声音如何被塑形、色彩如何被编码——才能真正欣赏到创作者在技术限制之上所构建的、那些超越故事本身的永恒艺术价值。这是一部献给所有对“影像如何发生作用”抱有好奇心的成年读者的必备读物。

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我花了些时间翻阅了这本书的引言部分，那种扑面而来的学术气息和对媒介本体论的追问，让我意识到这不是一本轻松的爆米花读物。它更像是为那些对电影美学有着执着追求的学者或深度爱好者准备的“智力盛宴”。我留意到其中对“时间性”在电影中如何被扭曲和重构的讨论，这通常是叙事理论中最难把握的部分。作者似乎没有满足于传统的线性时间叙事框架，而是试图挖掘更深层次的、接近人类记忆和潜意识运作的非线性结构。这种雄心勃勃的理论构建，如果能在后续的章节中得到扎实的案例支撑，那么这本书无疑将成为该领域的一部里程碑式的著作。它不只是在“谈论”电影，更像是在“解构”电影作为一种感知机器的工作原理，让人不得不停下来思考，我们究竟是如何被屏幕所“欺骗”和“感动”的。

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这本书简直是一次对视听语言的深度探索，虽然我还没来得及细看具体章节，但光是目录和前言部分散发出的那种气质，就让我对接下来的阅读充满了期待。它似乎不仅仅是停留在对电影叙事技巧的浅层描述，而是试图剖开“想象”这个内核，去探究它是如何被视觉和听觉这两个媒介塑造成形的。我猜想，作者一定对蒙太奇的哲学意义有着独到的见解，可能还会涉及对色彩心理学和声场设计的精微分析。那种将抽象的思维活动转化为具体可感的光影结构的文字功底，着实令人敬佩。我尤其好奇它如何处理“主观视角”与“客观全知”之间的张力，那往往是区分平庸之作与深刻之作的关键点。这本书的标题本身就带着一种强烈的暗示性，仿佛在邀请读者一起进入一个由创作者精心构建的思维迷宫，去体验从无到有的创造过程，而非仅仅是消费既成的影像成品。

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这本书的基调相当冷峻且富有哲学思辨性，从我略微浏览的几页来看，它似乎对“影像的在场性”有着强烈的关注。这与当下流行的快餐式内容消费文化形成了鲜明对比，它要求读者必须慢下来，与文本进行一场高强度的智力搏击。我捕捉到一些关于“凝视”（gaze）理论的影子，但似乎又超越了传统的光谱分析，可能转向了更注重观众自身认知结构如何被影像重塑的层面。这种对主体性与客体性之间复杂互动的探讨，无疑是极具深度的。它不是在教你如何成为一个成功的导演，而是在教你如何成为一个更清醒、更有洞察力的影像观察者，这才是真正有价值的“教育”。我特别期待看到作者如何处理那些需要大量“心智填补”的场景，因为那正是想象力的主战场。

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读完这本书的目录和摘要，我产生了一种强烈的冲动，想要立刻去重温一些经典电影，带着这本书提供的全新视角去审视它们。这本书的结构似乎非常清晰，从基础概念的建立，到复杂理论的推演，再到具体的案例分析，层层递进，逻辑严密。我尤其欣赏它似乎并没有回避电影史中那些充满争议和争议性的转折点，而是直面这些挑战，试图从中提炼出关于“想象”如何演变的规律。它不会给你简单的答案，而是抛出更深刻的问题，迫使你不断地自我修正和深入挖掘。如果这本书能成功地将晦涩的理论语言转化为富有启发性的分析工具，那么它对任何一个致力于理解媒介本质的人来说，都将是一笔宝贵的财富。

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拿到这本书的时候，首先吸引我的是它的装帧设计——那种沉稳的墨绿色配上极简的字体排版，透着一股老派知识分子的严谨劲儿。尽管内容尚未完全展开，但从作者对“想象力”这个概念的界定方式来看，这本书似乎在挑战我们对“虚构”与“真实”的二元对立。我感觉作者会花费大量篇幅去探讨那些无法被明确归类的“灰度地带”，比如梦境序列、意识流处理，或者那些刻意模糊了边界的场景。它可能不仅仅是在讨论如何“拍”出好的画面，更深层的议题可能是“如何构建一个令人信服的幻象世界”。我期待它能提供一些非好莱坞式的、更具实验精神的案例分析，去佐证其理论体系的普适性和开创性。如果能触及到一些当代数字影像技术对传统想象模式的冲击与重塑，那更是太棒了。

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有点超出了我的涉猎范围

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偶然发现的老书，写的非常好。

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有点超出了我的涉猎范围

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小说与电影的形式不同注定了它们在表现力上各有长短，作者认为在小说与电影逐渐融合的过程中文学最终会消失，我是存疑的。

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还行吧，至少翻译还不错。