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出版者:中国电影出版社

作者:张巍

出品人:

页数:250

译者:

出版时间:2004-2

价格:24.00元

装帧:平装(无盘)

isbn号码:9787106020996

丛书系列:

图书标签:

• 电影
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好的，这是一份关于一本假定名为《外国电影史》的图书的详细内容简介，该简介旨在描述一部不包含该主题的书籍的内容： --- 《万象之镜：全球当代艺术思潮与图像建构》 图书简介 篇章一：后现代的余烬与图像的权力 本书深入剖析了自上世纪八十年代以来，全球视觉文化领域所经历的根本性转变。我们不再将艺术视为精英阶层的专属领域，而是将其置于大众传媒、消费主义以及数字技术共同编织的复杂网络之中进行审视。 第一部分：符号的饱和与解构 本章聚焦于后现代主义思潮如何渗透并重塑了当代艺术的形态。重点探讨了“挪用”（Appropriation）作为一种核心创作策略的兴起，分析了辛迪·舍曼（Cindy Sherman）对身份政治的解构，以及杰夫·昆斯（Jeff Koons）对媚俗（Kitsch）美学的商业化提炼。我们探讨了这些实践如何挑战了现代主义中关于“原创性”和“作者权威”的传统观念。此部分详细梳理了文化研究理论，特别是鲍德里亚的“拟像”（Simulacra）理论，如何为理解当代图像的泛滥提供了哲学框架。 第二部分：媒介的跨界与边界的消融 当代艺术的特征之一是其对传统媒介边界的系统性破坏。本书用大量篇幅分析了装置艺术（Installation Art）和行为艺术（Performance Art）的复兴及其社会功能。我们详细考察了伊利亚与埃米利亚·卡巴科夫（Ilya and Emilia Kabakov）如何利用“总体环境”来重建历史的破碎记忆；以及冰岛艺术家奥拉维尔·埃利亚松（Olafur Eliasson）如何利用光、水和自然元素，将观众直接卷入作品的物理和感官体验中。此外，还对录像艺术（Video Art）从实验性过渡到主流话语的过程进行了细致的历史梳理，强调了比尔·维奥拉（Bill Viola）在探索时间与精神维度上的贡献。 篇章二：身份的重塑与全球化叙事 进入新世纪，全球化进程加剧了文化身份的流动性与复杂性。本书将叙事重心转向那些在历史、种族、性别议题中寻求发声的艺术家群体。 第三部分：批判性地理学与后殖民的语境 本节着重探讨了非西方艺术中心如何挑战自西方主导的艺术史叙事。我们分析了亚洲、拉丁美洲和非洲艺术家如何通过作品来处理殖民遗留问题、迁徙经验和文化杂糅（Hybridity）。例如，爱德华多·基布斯（Doris Salcedo）对暴力的沉默纪念，以及艾未未对国家权力与个体命运的深刻拷问，展示了艺术如何成为抵抗和记忆的场所。此部分引入了“世界艺术史”的视角，质疑了“中心-边缘”的传统二元对立结构。 第四部分：身体政治与生态伦理 当代艺术越来越关注人的身体在社会结构中的位置，以及人类与自然环境之间日益紧张的关系。我们考察了女性主义艺术如何从早期的性别批判深化到对身体自主权、酷儿理论的探索，如玛丽娜·阿布拉莫维奇（Marina Abramović）在身体极限挑战中的精神维度。同时，针对气候变化和环境危机的艺术响应也占据了重要篇幅，分析了诸如“生态艺术”（Eco-Art）如何将科学数据、景观改造与哲学反思相结合，试图唤起公众的伦理觉知。 篇章三：数字时代的视觉协议 随着互联网和数字技术的全面渗透，艺术的生产、传播和消费模式发生了革命性变化。 第五部分：代码、算法与生成艺术 本书详细探讨了代码（Code）如何成为新的雕塑材料。我们追踪了从早期计算机图形学到当前生成艺术（Generative Art）的发展轨迹，分析了艺术家如何利用算法、大数据和人工智能作为创作工具。重点研究了程序如何被用来创造不可预测的美学效果，以及这挑战了我们对“创造力”定义的传统认知。讨论也延伸至加密艺术（Crypto Art）的兴起及其对艺术品所有权和稀缺性概念的影响。 第六部分：参与性、社交媒体与观众的新角色 当代艺术越来越强调“关系”和“参与”。本章考察了社会实践艺术（Social Practice Art）的兴盛，即艺术不再是悬挂在墙上的静态对象，而是发生在社区、网络平台和公共生活中的动态过程。我们分析了社交媒体平台如何成为艺术交流的新“画廊”，以及艺术家如何利用即时传播性来发起社会对话。观众不再是被动的接受者，而是成为了意义生成链条中不可或缺的一环。 结语：未来图像的未完成性 《万象之镜》总结了当代艺术拒绝终结性、拥抱不确定性的核心特质。它不是一部历史定论，而是一份持续的观察报告，旨在引导读者以批判性的眼光去解读我们身边无处不在的图像建构，并思考艺术在日益碎片化和技术化的世界中所扮演的永恒角色。 --- 本书特色： 深度理论结合实践案例： 整合了后结构主义、批判理论、媒介哲学等前沿思想。 全球化视野： 规避了单一文化中心的叙事，强调多点爆发的视觉创新。 媒介跨度广阔： 覆盖了装置、行为、新媒体、数字生成等多个前沿领域。 批判性探讨： 不仅描述了现象，更着力分析了艺术背后的权力结构、身份政治和伦理挑战。

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整本书的阅读体验，就像是经历了一场漫长而又充实的环球旅行，但这个旅行的目的地不是地理上的国家，而是人类情感与想象力的边界。我尤其欣赏作者在收尾部分对当代全球化电影现象的审视。他并没有陷入对“好莱坞霸权”的简单批判，而是更深入地探讨了区域性电影文化如何在数字技术和全球资本的双重作用下，寻找新的生存空间和表达方式。书中对亚洲，特别是特定几部突破性亚洲电影的简短却精辟的分析，让我意识到电影语言的普适性和本土性的奇妙平衡。这本书的伟大之处在于，它不仅让你了解了“过去是什么”，更重要的是，它激发你去思考“未来会成为什么”，它提供了一个理解电影作为一种不断自我批判和进化的艺术形式的框架。

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这部电影史著作简直是打开了一扇通往光影世界的奇妙之门，我原本以为会是一本枯燥的学术论文集，没想到作者以一种近乎诗意的笔触，将那些黑白时代的先驱者、默片时代的伟大表演，以及声音初临银幕的震撼娓娓道来。它没有过多地纠缠于晦涩的理论术语，而是将焦点放在了那些具有开创性的导演和他们作品背后的时代精神上。阅读的过程中，我仿佛能闻到早期摄影棚里胶片燃烧的微弱气味，感受到观众们在昏暗厅堂里屏息凝神的激动。特别是书中对法国印象派电影那段的描述，简直是神来之笔，将那些光影实验的先锋精神捕捉得淋漓尽致，让我对那些看似简单的镜头调度背后蕴含的革命性意义有了全新的认识。这本书不仅仅是记录历史，它更像是一部充满激情的电影艺术宣言，让我迫不及待地想重温那些被文字唤醒的经典片段。

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这本书最让人拍案叫绝的是它对战后电影语言革新的梳理。那种从意大利新现实主义到法国新浪潮，再到更具颠覆性的实验电影的演变路径，被描绘得如同一次接力赛，清晰而又充满爆发力。作者在处理“新浪潮”时，那种对打破传统叙事节奏、采用手持摄影、即兴对白等手法的前瞻性解读，让我对这些看似随意的镜头背后隐藏的哲学思辨有了更深的体会。它没有把这些运动仅仅看作是技术层面的改变，而是将其视为一代年轻电影人对父辈审美疲劳和僵化思想的集体反叛。阅读时，我感觉自己仿佛穿越到了那些简陋的巴黎咖啡馆，与那些怀揣着革命理想的年轻人一同，用镜头重塑世界观，这种沉浸感是其他任何同类书籍都难以比拟的。

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老实说，我原本对那些上世纪三、四十年代的经典“黄金时代”叙事兴趣不大，总觉得那时的电影叙事模式过于程式化和说教。然而，这本书的第三部分彻底颠覆了我的偏见。作者没有回避好莱坞制片厂制度的工业化和对艺术的潜在压制，却用极其精彩的笔墨描绘了那些在工厂体制内挣扎求存的个体创作者是如何巧妙地利用审查制度的空隙，塞入他们对人性的深刻理解和微妙的反思。书中对于几位被低估的编剧和导演的“幕后故事”的挖掘尤为出色，那些关于创作妥协与艺术坚持的较量，读起来简直比任何剧情片都扣人心弦。它教会我，伟大的艺术往往诞生于最严苛的限制之下，这种矛盾的张力才是电影魅力经久不衰的真正原因所在。

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当我翻开这本关于世界电影发展脉络的厚重文本时，最让我印象深刻的是其宏大的叙事结构和对文化背景的深刻挖掘。它没有采取简单的年代罗列方式，而是将不同国家电影流派的兴衰与全球政治、社会思潮紧密地结合起来。比如，书中对德国表现主义的分析，不仅细致地剖析了其独特的视觉风格——那些扭曲的布景和强烈的明暗对比，更将其置于魏玛共和国时期特有的焦虑与不安的社会情绪之中。这种跨学科的视角，使得原本静态的历史事件变得鲜活而富有张力。我特别欣赏作者在论述不同国家电影产业如何应对经济危机和审查制度时所展现出的那种冷静而犀利的洞察力。读完这部分，你会明白，电影从来都不是孤立的艺术品，它是特定历史土壤中开出的最绚烂或最阴郁的花朵。

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不好 前半部分几乎全抄萨杜尔的 缺乏细节

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编年国别纪传搅在一起…作者很神奇啊，广院北电中戏三大艺术院校学了一圈儿，是文艺系的大师姐呢。讲到90年代末。

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埋头啃书复习中

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要和北电的那本一起看。

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写作思路比较一般诶。。。