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出版者:上海人民美术出版社

作者:佐亚·科库尔（主编）

出品人:

页数:492

译者:王春辰

出版时间:2018-8-1

价格:158.00元

装帧:平装

isbn号码:9787558609374

丛书系列:

图书标签:

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《现代艺术的嬗变：从印象派的曙光到数字时代的迷思》 图书简介 本书旨在为读者提供一幅跨越十九世纪中叶至二十世纪末叶的宏大艺术史图景，重点剖析现代主义（Modernism）在各个阶段的形成、核心思潮、关键运动及其对既有美学观念的颠覆。我们着力探讨的，是艺术如何从对外部世界的模仿与再现，逐步转向对内在经验、形式结构以及艺术本体的深度挖掘与批判性反思。 第一部分：现代性的肇始与光影的革命（1860s-1890s） 本部分聚焦于现代艺术思潮的萌芽阶段，即以法国为中心的印象派（Impressionism）和后印象派（Post-Impressionism）的崛起。我们详细考察了科学进步（如光学理论）与社会变迁（如都市化与摄影术的兴起）如何共同作用，促使艺术家放弃学院派的僵硬规范，转而关注瞬间的感知和主观的视觉体验。 印象派的突破： 印象派不仅仅是笔触的松散化，更是对“何为绘画”这一基本命题的重新定义。马奈（Manet）对传统叙事的解构，莫奈（Monet）对光线和色彩的“客观记录”，以及德加（Degas）对日常场景的捕捉，标志着艺术关注点的彻底转移——从历史、神话转向当代生活。我们深入分析了这种转向背后的哲学基础，以及其如何挑战了艺术等级制度。 后印象派的转向： 紧随其后，后印象派艺术家们开始对印象派的表层化倾向进行反思。塞尚（Cézanne）对几何形体本质的探求，奠定了立体主义的理论基石；梵高（Van Gogh）将情感的强度注入色彩与线条，预示了表现主义的到来；高更（Gauguin）对原始主义和象征的回归，则揭示了对西方理性主义的反叛。本部分将详尽阐述这三位巨匠如何以各自独特的方式，为二十世纪的激进实验铺平了道路。 第二部分：形式的解构与意义的重构（1900s-1930s） 二十世纪初，现代主义进入了其最为激进和多产的阶段。艺术不再是再现世界，而是主动地构建新的视觉秩序。本部分着重分析了两次世界大战前夕，欧洲艺术界爆炸性的创新浪潮。 野兽派与情感的爆发： 以马蒂斯（Matisse）为代表的野兽派（Fauvism），通过对色彩的纯粹化和非自然主义的使用，彻底释放了色彩的自主性。这不仅是视觉上的解放，更是对传统美学中“和谐”概念的冲击。 立体主义的革命性分析： 毕加索（Picasso）和布拉克（Braque）的立体主义（Cubism）是对文艺复兴以来单点透视法的彻底否定。我们详细剖析了分析立体主义如何通过多视角的并置，解构了三维物体的空间属性，并将“观看”的行为本身纳入了艺术作品的结构之中。随后的综合立体主义，则引入了拼贴（Collage）技法，模糊了“艺术品”与“日常材料”的界限。 未来主义的机械崇拜与时间性： 意大利的未来主义（Futurism）将艺术转向了对速度、技术和暴力的赞颂。他们试图在二维平面上捕捉运动的轨迹和流逝的时间，这与同时代对静止形态的探索形成了鲜明的对比。 抽象艺术的诞生： 对具象的放弃，是现代主义的必然趋势。康定斯基（Kandinsky）在俄罗斯的抒情抽象（Lyrical Abstraction）探索，基于“精神内在必然性”的哲学，力图使色彩和线条脱离物体的束缚，直接诉诸心灵。与此同时，蒙德里安（Mondrian）在荷兰的风格派（De Stijl）运动中，将几何抽象推向极致，追求宇宙的普遍和谐（Neo-Plasticism），强调水平线与垂直线、原色的纯粹性。 达达主义的荒谬与反艺术： 在第一次世界大战的创伤背景下，达达（Dada）运动在苏黎世、柏林等地爆发。其核心在于对逻辑、理性以及资产阶级文化的彻底嘲弄与颠覆。杜尚（Duchamp）的现成品（Readymades）构成了对“艺术品”定义的根本性挑战——艺术的价值在于观念（Concept）而非手工技艺。 第三部分：意识形态的冲突与表现的延伸（1920s-1940s） 本部分探讨了在社会政治动荡加剧的背景下，艺术如何被用作探索潜意识或作为意识形态工具的两种主要方向。 超现实主义的梦境机器： 承袭达达的颠覆精神，超现实主义（Surrealism）将弗洛伊德的精神分析理论引入创作。布列东（Breton）倡导的自动书写和梦境模仿，旨在发掘潜意识的真实力量。从达利（Dalí）的精确描绘到米罗（Miró）的有机符号，超现实主义揭示了人类内心世界的复杂与不安。 包豪斯与功能主义的融合： 在德国，包豪斯（Bauhaus）学院试图弥合艺术、工艺与工业生产之间的鸿沟。他们推崇“形式服从功能”的原则，推动了现代设计的诞生，强调艺术应服务于社会和大众的实用需求，而非仅仅是精英的观赏对象。 墨西哥壁画运动与社会叙事： 越过欧洲的中心主义，本书也考察了墨西哥壁画运动（Mexican Muralism）等区域性现代主义的实践。这些艺术家（如里维拉 Rivera）将现代艺术的宏大构图与具象叙事相结合，以服务于民族身份的重塑和政治教育的目的。 第四部分：战后艺术的地理转移与媒介的扩张（1940s-1960s） 二战后，艺术的重心转移至大西洋彼岸的美国，现代艺术进入了成熟期，并开始展现出更加多元和极端的面貌。 抽象表现主义的美国宣言： 以纽约画派为代表的抽象表现主义（Abstract Expressionism），特别是行动绘画（Action Painting）和色域绘画（Color Field Painting），标志着美国艺术的全面崛起。波洛克（Pollock）的滴画不再是对内在情感的“表达”，而是身体与画布之间即时发生的“事件”。格林伯格（Clement Greenberg）等理论家对绘画媒介特性的坚持，为这种纯粹的视觉探索提供了重要的理论支撑。 对抽象的反动：新写实主义的回归： 面对抽象表现主义的内在化倾向，新写实主义（Neo-Dada/Proto-Pop）开始将焦点重新投向日常物品和大众文化。贾斯珀·约翰斯（Jasper Johns）对旗帜和靶子的重复描绘，以及罗森伯格（Robert Rauschenberg）的“组合”（Combines），开始模糊绘画与雕塑、艺术与生活的界限，为波普艺术的兴起埋下了伏笔。 本书通过对这些关键阶段的梳理，力求展现现代艺术并非一条单一、线性的发展轨迹，而是一系列充满对话、冲突与突破的复杂思潮的交织。它是一部关于视觉语言如何被不断地自我审视、解构和重建的历史记录。

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这本书名《1985年以来的当代艺术理论》读起来就有一种厚重感，似乎预示着一场深入的知识探索。我本以为，它会像一本详实的学术著作，娓娓道来那些晦涩但至关重要的理论流派，从后现代主义的解构到新生的观念艺术思潮，梳理其发展脉络，剖析代表性艺术家的作品。我期待的，是那种能够帮助我理解那些看似抽象的艺术概念，比如“元叙事”、“后殖民批评”、“媒介考古学”等等，并能清晰地看到它们是如何在1985年之后，随着全球化、技术变革和社会议题的演进，不断被挑战、重塑和衍生的。 我设想着，书中一定会有对关键理论家及其 seminal 著作的细致解读，比如鲍德里亚关于拟像的论述，福柯的权力话语分析如何在艺术领域得到应用，或者哈贝马斯关于公共领域的理论对当代艺术实践的启发。我甚至幻想，作者会用案例研究的方式，选取若干重要的展览、艺术事件或艺术家群体，来具体阐释理论的实践，比如从装置艺术的兴起到影像艺术的繁荣，再到数字艺术的崛起，背后有哪些理论思潮在涌动。我希望的，是一场严谨而富于启发性的理论学习，能让我在面对当代艺术作品时，不再感到茫然，而是能够洞察其深层含义和历史语境。

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《1985年以来的当代艺术理论》这个名字，听起来就有一种引导我进入现代艺术殿堂的魔力。我设想，这本书会以一种非常人文的方式，讲述那些关于艺术的思考是如何随着时代而变化的。我期待的，是那种能够触及灵魂的解读，不只是冷冰冰的理论名词堆砌，而是能够感受到艺术家和理论家们在创作和思考过程中的挣扎、探索与创新。 或许，书中会穿插一些有趣的轶事，或者对某些重要艺术家的访谈片段，来佐证理论的形成过程。我希望能够看到，那些改变了艺术史进程的理论，是如何在具体的艺术实践中孕育出来的。例如，达达主义和超现实主义的激进思想，是如何在1985年之后被继承、发展，或是被彻底颠覆的？我期待的是，这本书能够帮助我建立起一种对当代艺术的直观感受，以及一种可以用来解读艺术作品的“软实力”，而不仅仅是积累一些生硬的理论知识。

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拿到《1985年以来的当代艺术理论》这本书，我的第一感觉是，这绝对是为那些想要系统性梳理近四十年艺术思想演变的人准备的。我猜想，它不会仅仅停留在罗列理论名称，而是会深入剖析不同理论之间的联系与张力，比如后结构主义如何影响了对作者性身份的质疑，或者女性主义艺术批评如何催生了对权力关系的颠覆性审视。我期待的是，它能够展现出理论的“生命力”，即理论是如何在时代变迁中被不断修正、融合甚至被新的理论所取代的过程。 我特别想知道，那些在1985年之后诞生的，比如关于“全球化艺术”、“后殖民语境下的艺术”、“技术与艺术的边界”等议题，在书中是如何被理论化的。是出现了全新的理论体系，还是对既有理论进行了创新性的解读？我希望通过这本书，能够理解当代艺术的复杂性，以及其背后所蕴含的深刻的社会、文化和哲学思考。我期望这本书能成为我通往理解当代艺术世界的一把钥匙，解锁那些我曾经感到困惑的艺术表达。

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一拿到《1985年以来的当代艺术理论》，我就被它的封面设计吸引了。那种极简而又充满视觉冲击力的排版，仿佛是在宣告它所承载的内容同样是现代且前沿的。我脑海里立刻浮现出，这本书会像一位博学的老友，带着我穿梭于过去几十年间艺术史的各个角落。我期待它能够揭示那些隐藏在五光十色的艺术作品背后的思想火花，解释为何某些艺术形式会突然兴起，又为何某些观念会被反复提及。 尤其是我对那些在80年代末期以后涌现出来的，挑战传统艺术定义的作品感到好奇。比如行为艺术的演变，观念艺术的深化，以及新媒介艺术的出现，它们是如何在理论上找到支撑，又如何反过来影响了理论的发展？我希望这本书能提供一些清晰的线索，帮助我理解这些艺术实践背后的逻辑和哲学思考。我渴望通过阅读，能够建立起一套自己的艺术理论框架，从而更深入地欣赏和理解那些充满实验性和挑战性的当代艺术。

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翻开《1985年以来的当代艺术理论》，我脑海中浮现出的，是一本厚实的、如同智囊库一般的存在。我期望它能够为我揭示，自1985年至今，当代艺术理论的发展轨迹是何其的丰富多彩。我希望它能够提供一个清晰的地图，让我能够在这片理论的海洋中航行，理解那些重要的转折点，比如新媒体艺术的崛起对传统理论的冲击，或者“关系美学”等新兴理论的出现，是如何重新定义了艺术的社会功能。 我非常好奇，书中是否会探讨那些跨越学科的理论融合，比如艺术理论如何与哲学、社会学、心理学等领域发生化学反应，从而产生出新的洞见。我期待的是，它能够帮助我理解，为什么当代艺术会如此频繁地触及政治、性别、身份认同、环境等议题，并且这些议题是如何被理论化的。我希望这本书能给我一种“豁然开朗”的感觉，让我能够更自信地去面对那些充满挑战和创新的当代艺术作品，并能从中找到属于自己的理解路径。

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为了保持原句的结构不被翻译影响，译文可以说是有点难读，很像是中文文字被套到了英文语言逻辑上。应该中英对照的看。

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除了有一些翻译真的很难读通以外，其他都很好。内容颇有启发特别是最后两章后殖民和新媒体时代的部分，纸质印刷令人舒适，选的一些作品例子也挺棒的

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为了保持原句的结构不被翻译影响，译文可以说是有点难读，很像是中文文字被套到了英文语言逻辑上。应该中英对照的看。

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有些翻译的真的头疼啊，晦涩难懂。

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除了有一些翻译真的很难读通以外，其他都很好。内容颇有启发特别是最后两章后殖民和新媒体时代的部分，纸质印刷令人舒适，选的一些作品例子也挺棒的