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出版者:北京大学出版社

作者:叶朗 编

出品人:

页数:462

译者:

出版时间:1999-01

价格:26.00元

装帧:平装

isbn号码:9787301005712

丛书系列:北京大学文艺美学精选丛书

图书标签:

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《建筑的呼吸：空间、光影与人的感知》 ——探索物质形态下精神流动的建筑哲学 图书简介 在人类文明的长河中，建筑不仅仅是遮风避雨的物理结构，更是特定时代精神、文化观念和生存哲学的物质载体。本书《建筑的呼吸：空间、光影与人的感知》旨在超越传统建筑史的编年叙事，深入剖析建筑艺术作为一种“活的哲学”的内在肌理。我们试图探寻的是，那些构成建筑的砖石、混凝土、玻璃与木材，是如何被赋予了生命——被赋予了呼吸的能力，从而与居住者的情感、记忆乃至潜意识产生深刻的共鸣。 本书的叙事结构并非遵循地理或时间轴线性展开，而是围绕几个核心的哲学与感知维度进行深度挖掘：空间之维、光影之维、材料之维、以及时间之维。 一、 空间之维：从“容器”到“经验场域”的嬗变 传统认知将建筑空间视为一个被界定的、静态的“容器”。然而，本书坚信，真正的建筑空间是一种流动的、可被感知和体验的“场域”。我们首先回顾了对空间理解产生革命性影响的理论基石，从古希腊的“场所精神”（Genius Loci）到近现代现象学对“在世感”（Being-in-the-world）的强调。 我们将详细分析大师们如何通过对体量、层次、序列和视线引导，来“编织”空间体验。例如，路易·康如何利用厚重的实体墙体和穿透性的光束，制造出从“黑暗的沉思”到“光明的启示”的递进式序列；再如，安藤忠雄如何通过极简的几何形体和精确的尺度控制，迫使人在进入其作品时，完成一次对自我与外界关系的重新校准。 本书着重探讨了“负空间”的重要性。空间不是被建造出来的，而是被“界定”出来的。墙壁的厚度、天花的高度、开口的角度，所有这些“非物质”的边界，共同决定了人在其中行动、停留、交谈和沉思的可能。我们特别考察了居住空间如何从纯粹的功能性需求，逐步演化为承载家庭仪式、身份认同和私密性构建的复杂场域。 二、 光影之维：建筑的“第四维度”与情绪的塑造者 如果说结构是建筑的骨骼，那么光线便是其灵魂与呼吸。光影的运用绝非简单的照明技术，而是一种深刻的情感语言。本书将光影视为比结构本身更具主导性的设计元素，探讨它如何直接干预人的生理与心理状态。 我们深入分析了不同“光质”的特性：自然光的动态性、不可复制性及其随时间推移带来的生命感；人工光的精确可控性及其在夜间重塑建筑身份的魔力。书中不仅有对重要案例中光线处理的细致解构（如修道院中的“天窗”如何象征性地连接天人），更有对光线心理学层面的探讨：暖光如何带来亲密感，冷光如何激发理性思考，以及如何利用“阴影”来增强物体的存在感与戏剧性。 在对光影的探讨中，我们聚焦于“过渡性”的空间，如门廊、走廊、庭院——这些地方是室内与室外、光明与黑暗交汇的界面。正是这些过渡区域，让居住者在步移中体验到光线带来的情绪起伏，如同音乐中的休止符，为下一次的“高潮”积蓄力量。 三、 材料之维：触觉的记忆与历史的肌理 材料是建筑的“皮肤”，是其与环境进行物质对话的媒介。本书摒弃了对材料的纯粹技术性描述，转而关注材料的“感官属性”和“叙事能力”。 我们探讨了材料如何携带历史的重量和时间的痕迹。粗粝的清水混凝土，其凝固的瞬间便记录了模板的纹理与浇筑时的力量；风化的木材，其年轮中藏着气候的记忆；以及石材的冷硬感，如何传递出永恒与坚固的哲学意象。 本书尤其重视“触觉经验”。现代建筑中，我们与建筑的互动往往是视觉的，但真正的沉浸感需要身体的参与。地板的温差、墙面的粗糙度、栏杆的冰凉感，这些被皮肤直接接收的信息，比视觉更直接地构筑了我们对场所的记忆。我们将分析一些建筑师如何通过精心挑选和处理材料的表面肌理，来引导和控制观者的身体感受，使建筑的“触感”成为叙事的一部分。 四、 时间之维：物质中的历史与未来的叠加 建筑是抵抗时间侵蚀的努力，但最终，时间总会在物质上留下印记。本书的最后一部分，探讨了建筑如何“承载”时间。 这不仅指建筑的历史价值，更指其在日常使用中所累积的“使用痕迹”——磨损的地板、被无数次触摸而光滑的扶手、窗台上沉积的灰尘。这些痕迹是居住者与建筑“共生”的证据，它们为静止的物质注入了流逝的叙事性。 此外，我们还研究了建筑如何与自然的周期性时间（四季更迭、日月运行）产生互动。一栋建筑在清晨、正午、黄昏和深夜所呈现的面貌是完全不同的，它随着天光的变化而“重生”。这种动态的变化，赋予了建筑超越其物理形态的生命力。 结语：构建与存在的对话 《建筑的呼吸》最终试图证明：卓越的建筑作品，是物质技术与非物质精神（哲学、美学、情感）深度融合的产物。它不是对既有美学体系的重复，而是对人类感知能力边界的不断拓展。阅读本书，将引导读者从一个更具现象学和哲思的角度，重新审视我们身处的每一个被建造出来的环境，理解建筑如何通过对空间、光影和材料的精妙调控，成为我们感知世界、理解生命本质的重要媒介。 本书适合建筑、设计、艺术史、哲学及对人居环境有深刻思考的爱好者阅读。它将提供一套全新的分析工具，帮助读者聆听建筑沉默中的“呼吸声”。

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我一直对视觉艺术的构成和发展有着浓厚的兴趣，而这本书恰好满足了我对这方面的好奇心。作者以一种宏观的视角，梳理了不同历史时期美学思想的演变脉络，从古代哲学家的思考，到文艺复兴时期的思潮，再到近现代艺术流派的崛起，都进行了深入浅出的阐述。我惊喜地发现，书中并没有简单地罗列事实，而是着重分析了不同美学理论之间的内在联系和相互影响，揭示了它们是如何在历史的长河中逐渐演化和丰富起来的。作者在论述时，非常注重理论与实践的结合，他提出的很多观点，都能在具体的艺术作品中找到印证。例如，在讨论某种风格的形成时，他会引用该风格代表作的详细分析，从色彩、构图、意境等多个角度进行解读，让人豁然开朗。我特别欣赏作者的分析方法，他既能抓住问题的本质，又能注意到细节的魅力，使得整个论述既有深度又不失趣味性。我曾尝试阅读过一些关于美学史的书籍，但很多都显得过于学术化，读起来非常吃力。而这本书则完全不同，它用一种更加亲民的方式，将复杂的知识点娓娓道来，让我在轻松愉快的阅读体验中，收获了丰富的知识。

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这本书的装帧和排版都相当考究，封面设计既有现代感又不失艺术气息，触感也很好。拿到书的第一感觉就是厚重，仿佛里面蕴含着丰富的内容。迫不及待地翻开，我被书中清晰的章节划分和精美的插图所吸引。文字部分的处理也很细致，字体大小和行间距都恰到好处，阅读起来非常舒适，不会有压迫感。我特别喜欢作者在论述过程中引用的各种案例，无论是古典艺术还是当代设计，都能感受到作者深厚的学养和广阔的视野。每一个章节的过渡都显得十分自然，仿佛在引导读者一步步深入探索一个全新的领域。作者的语言风格时而严谨，时而又富有诗意，这种张弛有度的表达方式让枯燥的理论变得生动有趣。我尤其关注书中对于一些抽象概念的解析，通常这类内容很容易让人感到晦涩难懂，但这本书通过大量的例证和比喻，将复杂的理论解释得浅显易懂，让即使是初学者也能迅速抓住核心要点。在阅读过程中，我常常会被某个观点所触动，停下来反复咀嚼，甚至在脑海中勾勒出相应的画面。这本书不仅仅是知识的传递，更像是一种思维的启发，它引导我去重新审视身边的世界，发现那些平时被忽略的美。

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作为一名长期从事设计工作的人，我一直在寻找能够提升我审美能力和理论认知深度的书籍。这本书无疑给了我极大的帮助。作者对于“美”的定义和理解，非常具有启发性，他并没有局限于单一的学科领域，而是从哲学、心理学、社会学等多个角度进行了探讨，构建了一个更加全面和立体的美学框架。我尤其对书中关于“感知”和“体验”的部分印象深刻，作者深入剖析了人类如何通过感官来接收和处理信息，以及这些信息如何转化为审美感受。这对于我在进行设计创作时，如何更好地把握用户的情感需求，如何创造更具感染力的作品，提供了宝贵的理论指导。我反复阅读了书中关于“形式”与“内容”关系的论述，作者提出的观点非常新颖，他认为形式本身就蕴含着意义，并且能够独立于内容而产生审美价值。这让我重新思考了我在设计中对视觉元素的应用，不仅仅是为了传达信息，更应该注重其自身的表现力。这本书的价值在于，它能够激发读者的独立思考，而不是简单地接受现成的结论。

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这本书的内容组织结构相当精巧，每一部分都像是一个精心搭建的积木，层层递进，最终构成了一个宏伟的理论体系。我关注到作者在探讨某一美学范畴时，会首先从其最基础的元素入手，然后逐步引入更复杂的概念，并最终将其融入到整个理论框架中。这种循序渐进的学习方式，对于我这样希望系统性学习美学知识的读者来说，无疑是极其友好的。我特别喜欢书中对于“和谐”与“冲突”在美学中的作用的论述，作者通过大量的艺术作品案例，生动地展示了这两种看似矛盾的概念，是如何在不同的艺术形式中被巧妙地运用，并最终营造出独特的审美效果。他对于“节奏”和“韵律”的分析也十分到位，不仅仅局限于音乐，更将其延伸到视觉艺术和文学作品中，让我对这些抽象的概念有了更直观的理解。我一直在寻找一本能够帮助我建立起一套自己完整的美学观的书籍，而这本书的内容，正是朝着这个方向而努力的。它提供了一种新的视角，让我能够更加深入地理解艺术的本质，也让我对自己的审美判断有了更坚定的信心。

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我一直认为，真正好的书籍，不在于它讲了多少知识，而在于它能引发多少思考。这本书正是这样一本能够触动人心的作品。作者在论述过程中，并没有回避争议性话题，而是积极地引导读者去思考那些难以界定的边界。例如，在探讨“自然美”与“人工美”时，作者并没有给出一个简单的答案，而是通过对比不同流派的观点，提出了自己独到的见解。这种开放式的讨论，让我受益匪浅。我常常会在阅读时，主动地去质疑和反驳作者的观点，然后又会被他更有力的论证所说服。这种思想的碰撞，让我感觉自己不再是被动地接受信息，而是积极地参与到一场关于美的讨论中。书中对于“风格”和“个性”的区分与联系，也让我有了更深刻的认识。作者认为，真正的艺术风格，并非是简单的模仿，而是艺术家内在精神的体现。这让我重新审视了许多我曾经欣赏的作品，也让我对如何形成自己的艺术风格有了新的启发。这本书让我明白，美学并非是陈旧的理论，而是与我们生活息息相关的、动态的、充满活力的领域。

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集体编写的，作者各有所长。

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不错的美学教科书，其间可见编者和著作者的学术功底和卓越的学术见地。从中可以得到很多、很好的启发。

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