具体描述
《管弦乐配器法教程》包含了西方传统管弦乐配器法的两个主要基本内容：“乐器法”和“配器法”，两项内容随课程进展穿插进行。“乐器法”涉及了管弦乐写作时常用乐器的主要性能，“配器法”则涵盖了弦乐组、木管组、铜管组的分组写作以及为小型乐队、大型乐队写作时可能使用的各种技法。
不论“乐器法”还是“配器法”，均选最基本、最重要的内容，用精炼的语言表述，因而要点突出，便于归纳和记忆。
作者简介
戴宏威，满族，1935—2001，北京人。中国音乐家协会会员，我国著名作曲家、音乐教育家。1960年毕业于中央音乐学院作曲系，毕业后留校任教，先后担任过作曲技术理论、曲式、和声、配器及作曲主科的教学工作，并编写过各种教材多部。主教管弦乐配器法，是我国在这一学术领域的著名专家，是继江定仙、杜鸣心之后的第三任作曲系主任。
戴宏威老师是著名芭蕾舞剧《红色娘子军》作曲者之一，也是著名现代京剧《红灯记》主要作曲者之一：他还写作了《平原作战》、《夜渡》、《红松店》等许多京剧剧目的音乐。他的主要作品有二胡协奏曲《惜别》，1989年在日本首演，之后新加坡交响乐团、日本的新星、群马、广岛等许多交响乐团陆续进行演出；唢呐协奏曲《大得胜》，1988年在新加坡首演：长笛独奏曲《在内蒙古草原上》，1962年出版，1988年在美国首演。
目录信息
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读后感
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用户评价
初读此书，便被其开篇所展现的宏大格局所震撼。作者以一种近乎考古学家的严谨，溯源了管弦乐团从巴洛克时期到浪漫主义时期的演变历程，细致入微地勾勒出不同时期作曲家们对于乐器配置的探索与革新。他并没有简单地将历史碎片堆砌，而是通过对具体作品的分析，例如海顿的交响曲如何奠定了早期古典乐团的基础，莫扎特如何巧妙地运用弦乐和木管的对话，以及贝多芬如何通过拓展铜管和打击乐来增强交响乐的表现力，将音乐史的进程与配器技术的进步紧密地联系起来。我尤其对作者关于“乐器家族”的划分和分析印象深刻。他不仅仅将小提琴、中提琴、大提琴、低音提琴视为一个整体，更深入地剖析了它们在音域、音色、表现力上的细微差异，以及在不同作品中如何承担不同的音乐功能，时而作为旋律的载体，时而作为和声的基石，时而又作为节奏的驱动者。对于木管乐器，作者更是花费了大量笔墨，详细阐述了长笛、双簧管、单簧管、巴松管等乐器在不同音区所呈现出的独特魅力，以及它们与弦乐、铜管之间的融合与对比。书中对巴洛克时期弦乐与早期木管的“对答”式写作，以及浪漫主义时期木管乐器更为复杂的独奏乐段的分析，都让我对作曲家们如何挖掘乐器潜能有了更深的认识。这种对乐器历史发展脉络的梳理，让我对管弦乐的发展有了整体性的把握，也为理解后来的配器技法打下了坚实的基础。这本书不仅提供了技术知识，更重要的是，它打开了一扇通往音乐历史深处的大门，让我看到了作曲家们如何在时代的局限中不断突破，如何用乐器创造出永恒的艺术。
评分这本书的扉页闪烁着一种古老而又神圣的光芒，仿佛一本尘封已久的乐谱，里面蕴藏着交响乐的灵魂。当我翻开第一页，就被作者严谨的逻辑和深邃的洞察力所折服。他不仅仅是罗列乐器，更是深入探讨了每一件乐器在整个管弦乐团中的“语言”与“情感”。比如，他对于铜管乐器的描绘，不仅仅是其音量上的压倒性，更是其如何通过细微的力度变化，从庄严的号令转化为温柔的低语，或是金属质感的咆哮。我尤其被他对于木管乐器色彩变化的分析所吸引，长笛的清澈空灵，双簧管的略带忧郁，单簧管的圆润饱满，巴松管的低沉幽默，这些乐器在作者笔下仿佛活了过来，拥有了独立的生命和性格，它们如何交织、碰撞、融合，最终织就出丝绸般细腻或岩石般粗犷的音响织体，让人身临其境。作者并没有止步于表面，他深入浅出地讲解了和声在配器中的作用，以及不同声部之间如何相互呼应，如何通过对位和模仿来丰富音乐的层次感。这种精妙的分析，让我对贝多芬的交响曲，或者德彪西的印象派作品有了全新的理解。原来那些看似天马行空的音响，背后都有着如此严谨的结构和精心的安排。甚至对于打击乐器的运用，作者也给予了足够的重视，不仅仅是鼓点的加入，更是分析了不同打击乐器如定音鼓、小军鼓、钹、三角铁等，在营造气氛、强调节奏、烘托情绪方面的独特作用。那些金戈铁马的战场景象，或是风雨交加的自然景象，常常是通过这些看似不起眼的乐器来完成的，而这本书则将这些奥秘一一揭示。总而言之，这本书不仅仅是一本技术手册，更是一部关于管弦乐艺术的哲学读物，让我对音乐的理解提升到了一个全新的维度。
评分这本书就像一位经验丰富的向导，带领我穿越管弦乐团那庞大而复杂的迷宫。作者以其深厚的功底和独到的见解，揭示了隐藏在每个音符背后的配器智慧。我特别欣赏作者对于“乐器音域的‘功能性运用’”的剖析。他详细讲解了不同乐器在高、中、低音区所呈现出的不同音色特点，以及如何利用这些特点来塑造旋律、填充和声、营造氛围。例如，他分析了弦乐器的高音区如何奏出激昂的旋律，低音区又如何营造深沉的情感，而木管乐器在中音区的柔美，以及铜管乐器在低音区的厚重，都各有其独到的作用。他对“乐器组合的‘平衡与对比’”的论述也让我受益匪浅。作者强调，成功的配器在于乐器间的平衡与对比，既要避免声音的冲突，又要善于利用音色、力度等方面的差异来增强音乐的表现力。他详细分析了如何通过不同乐器组的合理搭配，来达到声音的和谐统一，同时又不失个性和张力。书中对“打击乐器的‘节奏与色彩’的双重作用”的讲解也十分精辟。作者认为，打击乐器不仅是节奏的驱动者，更是音乐色彩的丰富者，通过对定音鼓、小军鼓、钹等不同打击乐器的巧妙运用，能够为音乐增添无穷的活力和戏剧性。我对作者关于“音乐织体的‘构建’”的论述也十分赞赏。他将管弦乐的配器比作建筑艺术，不同的乐器如同砖石，需要精心安排，才能构建出坚固而又美观的音乐殿堂。通过对主旋律、和声、节奏等元素的安排，来使音乐的整体结构更加饱满和富有表现力。
评分我拿到这本书时，并没有期待它能给我带来多么惊艳的体验，毕竟配器法听起来总是有些枯燥。然而，一旦翻开，我便被作者独特的视角和深入浅出的讲解深深吸引。他并没有将配器法视为一项孤立的技术，而是将其置于音乐创作的宏大背景下，探讨了乐器选择、组合以及音色运用如何与音乐的情感、结构和风格紧密相连。我特别欣赏作者对于“管弦乐队的‘角色分配’”的论述。他将乐队比作一个庞大而复杂的剧团，不同的乐器扮演着不同的角色：弦乐是整个乐队的基石，负责旋律和和声的铺陈；木管乐器则如同精美的点缀，负责色彩和表情的渲染；铜管乐器是力量的象征，用于烘托高潮和制造戏剧性；而打击乐器，则是节奏的脉搏，为音乐注入生命力。他详细分析了不同乐器在不同音区的音色特点，以及它们如何在主旋律、副旋律、和声衬托等不同功能中发挥作用。书中对“乐器组合的逻辑”的阐释也让我受益匪浅。作者并没有简单地给出配器方案，而是探讨了为何要这样配器，背后的创作思路是什么。例如，他分析了为何在表现宁静的场景时，会倾向于使用木管和弦乐的低音区，而在表现宏大的场景时，则会大量运用铜管和打击乐。他对“音色融合与分离”的讲解也十分透彻，如何让不同乐器发出和谐的音响，如何通过乐器间的巧妙对比来增强音乐的表现力，书中都有详尽的解答。这本书让我对管弦乐的理解，不再停留在“听到”的层面，而是能够“理解”它为何会如此“听到”。
评分初次翻阅此书，就被其严谨的学术风格和广博的知识储备所折服。作者并非仅仅罗列乐器及其音域，而是以一种考古学家的严谨和艺术家的敏感，深入挖掘了管弦乐配器背后深层的逻辑与美学。我尤其欣赏作者对于“乐器家族内部的差异化处理”的论述。他并没有将小提琴、中提琴、大提琴、低音提琴视为简单的弦乐组，而是细致地分析了它们在音色、音域、表现力上的细微差别，以及在不同乐曲中如何承担不同的角色。例如，他讲解了小提琴如何担任激昂的旋律，中提琴如何在和声中起到承接和连接的作用，大提琴如何营造深沉的情感，而低音提琴又如何奠定乐队的根基。他对“木管乐器的色彩运用”的分析也十分到位。作者深入探讨了长笛的空灵、双簧管的忧郁、单簧管的圆润、巴松管的幽默等不同音色特点，以及它们如何巧妙地组合，形成丰富而又细腻的音乐色彩。书中对“铜管乐器的功能性拓展”的讲解也让我耳目一新。作者分析了铜管乐器不仅仅是力量的象征，更是如何通过不同的演奏技法，如弱音器、泛音等，来拓展其表现范围，从庄严的号令到微妙的色彩变化。他对“打击乐器的‘画龙点睛’作用”的阐释也十分精辟。作者认为，打击乐器并非简单的节奏填充，而是能够通过其独特的音色和冲击力，为音乐增添无穷的活力和戏剧性。这本书让我意识到，管弦乐的每一个音符，都蕴含着作曲家深思熟虑的安排。
评分这本书的价值，绝不仅仅在于它所涵盖的技术信息，更在于它所传递的对音乐艺术的深刻理解。作者以一种诗人的情怀，来解读乐器与乐器之间的对话，与情感的碰撞。我被作者对于“音响的层次感”的描绘所打动。他用生动的语言，描述了如何通过不同乐器的组合，如何在主旋律、和声、节奏等层面进行精心的安排，从而营造出立体而丰富的音响空间。他详细讲解了如何通过对位、模仿等手法，来增强音乐的密度和深度，使得每一个声部都能独立而又和谐地存在。书中对“乐器音色的‘个性’”的挖掘也让我印象深刻。作者并没有将乐器视为冰冷的工具，而是赋予了它们独特的“性格”和“情感”。例如，他描述了长笛的“纯洁与轻灵”，双簧管的“略带忧伤的抒情”，单簧管的“圆润与多变”，巴松管的“幽默与低沉”。这些细腻的描绘，让我对每一种乐器都有了更深的体悟。他对“音乐织体的‘编织’”的讲解也十分精彩。作者将管弦乐的配器比作一幅精美的挂毯，不同的乐器如同不同的丝线，交织在一起，共同构成一幅幅色彩斑斓的音乐画面。他详细分析了如何通过主旋律、和声、节奏等元素的安排，来使音乐的整体结构更加饱满和富有表现力。我对作者关于“乐器性能的‘挖掘’”的论述也十分赞赏。他不仅仅列举了乐器的基本性能，更是深入探讨了如何通过不同的演奏技巧，如何通过不同的乐器组合，来充分发挥乐器的潜力，从而创造出令人惊叹的音响效果。
评分读罢此书，我仿佛经历了一场关于声音的奇妙旅行。作者以其非凡的洞察力，将管弦乐团的宏大世界展现在我面前，让我窥见了音乐创作的精妙之处。我特别着迷于作者对于“音响对比的艺术”的阐释。他详细讲解了如何通过不同乐器音色的并置，如何通过音量和力度的差异，来制造出强烈的戏剧性效果。例如，他分析了铜管的辉煌与弦乐的细腻如何形成鲜明对比，或是木管乐器的色彩变化如何在弦乐的背景上跳跃，营造出令人耳目一新的听觉体验。他对“乐器间的‘对话与呼应’”的解读也让我深受启发。作者将乐队比作一个充满活力的交流场，不同的乐器如同对话者，通过旋律的呼应、节奏的模仿、和声的交织，共同构建起一幅幅生动的音乐图景。他分析了卡农、赋格等复调音乐在管弦乐配器中的运用，以及如何通过这些手法，来增强音乐的密度和层次感。书中对“乐器组合的‘逻辑性’”的讲解也十分透彻。作者并没有简单地给出配器方案，而是探讨了为何要这样配器，背后的创作思路是什么。例如，他分析了为何在表现宁静的场景时，会倾向于使用木管和弦乐的低音区，而在表现宏大的场景时，则会大量运用铜管和打击乐。他对“音乐情绪的‘营造’”的论述也十分到位。作者认为，配器是表达音乐情绪的重要手段，通过对不同乐器音色、力度、节奏的巧妙运用，能够营造出喜怒哀乐等丰富的情感。
评分这本书不仅仅是关于乐器的堆砌，更是关于声音的哲学。作者以其深邃的思考，将枯燥的配器技法升华为一门艺术。我非常欣赏作者对于“和声与配器”之间关系的精辟论述。他并没有将两者割裂开来，而是详细阐述了和声如何影响乐器的选择，以及乐器的组合如何进一步丰富和声的效果。书中对卡农、赋格等复调音乐在管弦乐配器中的运用，也让我大开眼界。作者通过对巴赫、亨德尔等作曲家的作品的分析，展示了如何通过不同乐器之间的模仿和呼应，来创造出严谨而又富有表现力的复调织体。我对作者关于“音乐形式与配器”的解读尤其印象深刻。他分析了奏鸣曲、交响曲、协奏曲等不同音乐形式对配器提出的不同要求，以及作曲家们如何根据形式的特点来选择和安排乐器。例如，他讲解了在奏鸣曲的呈示部，如何通过弦乐和木管的交替来展现主题，而在展开部，则如何通过铜管的加入来增强音乐的戏剧性。书中对于“节奏与表情”的分析也让我深思。作者认为，节奏不仅仅是音乐的骨架，更是表达情感的重要手段。他详细讲解了如何通过不同的节奏型，如何通过乐器间的配合，来塑造出欢快、忧伤、紧张、舒缓等丰富的情感。我对作者关于“色彩与对比”的独到见解也十分赞赏。他认为，管弦乐的色彩来自于不同乐器音色的叠加和对比，而这种对比是营造音乐表现力的重要来源。书中通过对德彪西、拉威尔等印象派大师作品的分析，展示了如何通过巧妙的配器，来创造出如梦似幻的音响效果。
评分这本书是一部关于声音魔法的百科全书，作者以其非凡的洞察力，揭示了管弦乐团是如何从简单的组合演变成一个能够表达人类最复杂情感的庞大机器。我特别着迷于作者对于“音量与动态”的精妙论述。他不仅仅提到了渐强和渐弱，更是深入分析了如何通过乐器组合的变化、不同乐器力度的控制，以及打击乐器的巧妙运用，来塑造出令人惊叹的动态范围。从极度的轻柔，如月光下的低语，到排山倒海的磅礴气势，仿佛雷霆万钧，这些对比都被作者以极富画面感的方式呈现出来。书中对于“节奏与律动”的分析也让我受益匪浅。作者并没有仅仅关注强拍和弱拍，而是探讨了如何通过不同乐器组合的节奏型，如何通过打击乐器来赋予音乐以生命力和前进的动力。他以莫扎特的交响曲为例，讲解了弦乐器如何通过活泼的节奏来营造欢快的氛围，而铜管乐器则如何用强有力的节奏来烘托庄严的场景。我对作者关于“织体与层次”的讲解尤为推崇。他用生动形象的比喻，将管弦乐的织体比作一幅精美的挂毯，不同的乐器如同不同的丝线，交织在一起，构成了丰富而复杂的图案。他详细分析了如何通过主旋律、和声填充、节奏性伴奏等不同层次的安排，来使音乐的结构更加饱满和富有深度。书中对不同乐器在高音区和低音区的音色表现的对比分析，也让我对如何利用乐器的音域来塑造音乐的色彩有了更深的理解。这本书让我意识到，管弦乐的每一个细节都充满了匠心独运的设计。
评分这本书就像一位技艺精湛的织锦匠人，用最细腻的笔触，描绘出管弦乐团那五彩斑斓的音响世界。作者并非只是枯燥地列举各种乐器的性能指标，而是着眼于乐器之间千丝万缕的联系，以及它们如何协同工作，共同构建起宏伟的音乐画卷。我非常欣赏作者对于“音色对比”和“音色融合”的深刻阐释。他通过分析许多经典作品的片段，生动地展示了作曲家们如何通过不同乐器音色的并置来制造戏剧性的冲突，例如铜管的辉煌与弦乐的细腻形成鲜明对比，或是木管乐器的色彩变化如何在弦乐的背景上跳跃。反之，他也详细讲解了如何通过巧妙的配器，让不同音色的乐器相互渗透，形成一种浑然一体的丰富和声效果。书中对于“对位”与“模仿”在配器中的运用，更是让我耳目一新。作者以极其清晰的语言，解释了如何在多个声部同时进行独立的旋律线，以及如何通过乐器间的模仿来增强音乐的连贯性和趣味性。例如，他分析了巴赫的作品中，如何通过弦乐和木管的巧妙模仿，创造出严谨而又充满生机的音乐织体。这种对声部运作机制的深入剖析，让我意识到，管弦乐的魅力不仅仅在于单个乐器的声音，更在于它们之间精妙的互动。书中还探讨了不同乐器在高低音区的不同表现，以及如何利用这些差异来营造空间的纵深感和层次感，仿佛在听觉上构建了一个立体的声场。这种对配器精髓的挖掘，让我对那些伟大的管弦乐作品有了更深层的敬意。
评分业余爱好…
评分归纳简洁明了，利于学习。
评分业余爱好…
评分同样的书放到现在这么资源丰富的时代可能就出音频了，对于有声音可听这件事情还是要执着一点
评分同样的书放到现在这么资源丰富的时代可能就出音频了，对于有声音可听这件事情还是要执着一点
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