具体描述
《自学作曲辅导教程》共18个课程：作曲准备、旋律由来法、节奏设计、音调设计、乐句形态、乐段结构、曲式结构、发展手法、旋律统一、旋律对比、词曲同步、词曲异步、调式设计、调性设计、转调的内容、重要环节、前奏间奏、作曲修改。
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读后感
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用户评价
这本书就像一本“作曲工具箱”，它里面装满了各种各样实用的小工具，让我能够更轻松地进行音乐创作。我尤其喜欢书中关于“和弦连接”的讲解。作者并没有教你死记硬背各种和弦进行，而是会让你去感受不同和弦连接带来的“听觉效果”，然后根据你想要表达的情感来选择合适的和弦进行。我记得有一个章节，作者让你去尝试用不同的和弦进行来表现“快乐”、“悲伤”、“神秘”等情绪。我尝试着用一些向上行走的和弦进行来表现“快乐”，用一些向下行走的和弦进行来表现“悲伤”。这个练习让我明白，和弦进行不仅仅是理论上的东西，更是能够直接影响听众情绪的工具。书中还提供了很多关于如何运用“装饰音”和“节奏变化”来丰富旋律的技巧。我之前写的一些旋律，总是显得过于平直，读到这个部分之后，我尝试着在旋律中加入一些“装饰音”，比如倚音、回音，然后运用一些“节奏变化”，比如切分音、附点音符，让我的旋律听起来更加生动、活泼。而且，书中对“音乐的层次感”的讲解也让我受益匪浅。作者认为，一首好的音乐作品，不应该只有一条旋律线，而是应该有多条旋律线相互交织，形成丰富的层次。我之前创作的时候，总是在纠结于写好一条旋律，读到这个部分之后，我尝试着在我的旋律旁边，加入一些简单的对位声部，或者是一些简单的和声衬托，让我的音乐听起来更加饱满、厚实。
评分这本书就像一个“通往音乐创作之路的指南针”，它指引我前进的方向，让我不再迷茫。我尤其喜欢作者在讲解“乐句的构建”时所提供的思路。他并不是简单地告诉你一个乐句应该有多少个音符，而是会让你去思考，一个乐句的核心目的是什么，它想要传达什么样的情绪。我记得书中有一个练习，作者让我们去尝试创作一个“有呼吸感”的乐句。我尝试着在乐句的开头加入一些“起势”，在乐句的结尾加入一些“收尾”，让我的乐句听起来像是一种自然的语言表达。书中还提供了许多关于如何运用“对比”和“重复”来构建音乐的“戏剧性”和“稳定性”的技巧。我之前写的一些音乐，总是显得过于“平铺直叙”，读到这个部分之后，我尝试着在我的音乐中加入一些“对比”，比如强弱的对比，快慢的对比，然后运用“重复”，让音乐的主题得以巩固，让我的音乐听起来更加富有张力，也更加稳定。而且，书中对“音乐的呼应”的讲解也让我受益匪浅。作者认为，好的音乐作品，应该有一些“呼应”的元素，让音乐的各个部分能够产生联系。我之前创作的时候，总是喜欢将音乐写成一个独立的片段，读到这个部分之后，我尝试着在我的音乐中加入一些“呼应”，比如用某个旋律片段的变奏作为另一个旋律片段的呼应，或者用某个和弦的解决作为另一个和弦的呼应，让我的音乐听起来更加连贯、有整体感。
评分这本书给我的最大惊喜在于它对“音乐的色彩”的深度挖掘。作者并不是简单地教你如何选择音符，而是会让你去感受不同音符组合在一起会产生什么样的“颜色”。我特别喜欢书中关于“和声色彩”的分析，作者会通过分析一些印象派音乐作品，比如德彪西的作品，来展示不同的和弦组合如何营造出如梦似幻、如诗如画的音乐意境。我尝试着运用书中提供的一些“色彩和弦”，比如增六和弦、减七和弦，来为我的旋律增添一些“色彩”。我发现，即使是同一个旋律，用不同的和弦去衬托，也会产生完全不同的感觉。书中还提供了很多关于如何运用“音色”来丰富音乐的“表现力”的技巧。作者会分析不同乐器的音色特点，以及它们在音乐中的作用。我之前创作的时候，总是只关注旋律，读到这个部分之后，我开始思考，如果我用不同的乐器来演奏我的旋律，会产生什么样的效果。我尝试着将我写的一个旋律，用钢琴、小提琴、长笛等不同的乐器来演奏，发现每一种乐器都能赋予我的旋律不同的生命。而且，书中对“音乐的动态”的讲解也让我受益匪浅。作者认为，音乐的动态不仅仅是音量的大小，更是情感的起伏。我之前创作的时候，总是喜欢将音乐写得过于“激昂”，读到这个部分之后，我尝试着在我的音乐中加入一些“细腻的动态变化”，让我的音乐听起来更加丰富、有层次。
评分我一直以为作曲是一件非常神秘的事情，只有那些天赋异禀的人才能做到。但读了这本书之后，我才发现，原来作曲也是可以学习的，而且这本书真的把我带进了作曲的门槛。我尤其喜欢书中关于“动机”和“发展”的讲解。作者并没有简单地告诉你一个动机应该是什么样的，而是会让你去思考，什么样的音乐片段最能代表你想要表达的情感。我记得书中有一个练习，作者让你去尝试创作一个“代表忧伤”的音乐动机，然后在这个动机的基础上进行发展。我尝试着创作了一个短小的下行旋律，然后用不同的和弦去衬托它，用不同的节奏去变化它，发现同一个动机可以产生如此多样的表达方式。书中还提供了很多关于如何让音乐“听起来完整”的建议，比如如何运用呼应、对比、重复等手法来构建一个音乐的结构。我之前写的一些音乐片段，总感觉“没有头”，读到这个部分之后，我尝试着运用了呼应和对比的手法，让我的音乐片段听起来更有逻辑和层次感。而且，书中对“转调”的讲解也相当实用。我之前在创作的时候，总是害怕转调，害怕会破坏音乐的整体性，但这本书提供了一些非常巧妙的转调方法，比如用共同和弦进行转调，用属和弦转调，让我觉得转调并没有那么可怕，反而可以让音乐更加丰富。总的来说，这本书就像一个作曲入门的“导航仪”，它不会给你明确的答案，但会指引你前行的方向，让你自己去探索和发现。
评分这本书对我最大的启发在于它对“音乐的叙事性”的探讨。作者认为，好的音乐不仅仅是悦耳的音符组合，更应该能够讲述一个故事，传达一种情感。我特别喜欢书中关于“音乐的戏剧性”的分析，作者会通过分析一些歌剧片段、电影配乐，来展示音乐如何通过旋律、节奏、和声的变化来营造紧张、高潮、解决等戏剧冲突。我尝试着为我写的一段没有歌词的旋律，去想象一个故事情节，然后用音乐去表现这个情节中的人物情感和场景变化。我发现，当我赋予音乐一个“故事”之后，我的创作会变得更加有方向感，也会更加容易打动听众。书中还提供了很多关于如何运用“对比”和“重复”来构建音乐的“张力”和“记忆点”的技巧。我之前写的一些旋律，总是显得平淡无奇，读到这个部分之后，我尝试着在旋律中加入一些“对比”，比如高低音的对比，快慢节奏的对比，然后运用“重复”来加深听众的印象，发现音乐的吸引力明显增强。而且，书中对“音乐的留白”的讲解也让我受益匪浅。作者认为，音乐的留白不是“空”，而是“韵味”，它能给听众留下想象的空间，让他们去感受音乐的意境。我之前创作的时候，总是喜欢把音符填得满满当当，读到这个部分之后，我尝试着在旋律中加入一些“呼吸”的空间，让音乐听起来更加舒缓、悠扬。
评分这本书，我真的花了好多时间去翻阅，也尝试着跟着里面的方法练习。我特别喜欢它在讲解和声走向的时候，会时不时地穿插一些经典乐曲的分析，比如莫扎特的奏鸣曲，贝多芬的交响曲，甚至还有一些比较现代的流行歌曲。这种联系让我觉得作曲不再是枯燥的理论堆砌，而是有血有肉的艺术创作。作者并没有一开始就抛出晦涩难懂的和声学概念，而是循序渐进，从最基础的音程、音阶开始，然后慢慢过渡到三和弦、七和弦，并且每一步都配有大量的练习题。这些练习题不仅仅是让你去数音程，而是让你去尝试着创作短小的旋律，去感受不同和弦组合带来的色彩变化。我记得有一个章节讲到如何构建一个具有张力的乐句，作者提供了一个非常有趣的练习：先写一个没有解决的乐句，然后尝试用不同的和弦去“抓住”它，让它回到稳定。这个练习让我对乐句的“走向”有了更深的体会，也让我明白，作曲不仅仅是写下音符，更重要的是设计情绪的起伏和音乐的呼吸。书中对不同调式的讲解也相当细致，不仅仅是列出音阶，而是会解释每个调式在情绪表达上的侧重点，比如多利亚调式的那种淡淡的忧郁，或者是弗里几亚调式的那种异域风情。我尝试用这些调式去创作了一些短小的器乐片段，感觉色彩丰富了很多，不再局限于传统的य (major) 和 11 (minor) 调式。而且，这本书的排版我也很喜欢，谱例清晰，注释也很到位，不会让人在阅读过程中产生困惑。我之前也看过一些其他作曲教材，但很多都过于理论化，看得人云里雾里，这本书则显得非常实用，手把手地带着你一步步去实践。
评分这本书给我的最大感受就是它的“接地气”。很多作曲教程都会直接从复杂的乐理开始，让人望而却步，但这本书不一样，它从最基础的乐理知识讲起，并且用非常生动的例子来解释。比如，在讲解节奏的时候，作者并不是简单地告诉你四分音符、八分音符是什么，而是会让你去模仿心跳的节奏，去感受走路的韵律，然后告诉你如何将这些日常的节奏感转化为音乐。我记得有一个练习，作者让你去想象一个场景，比如一个人在雨中奔跑，然后让你用不同的节奏来表现这个场景。我尝试了一下，用急促的十六分音符来表现奔跑的速度，用断断续续的休止符来模拟雨点滴落。这个练习让我觉得，节奏并不仅仅是音乐的骨架，更是音乐的灵魂，它可以塑造音乐的动态和情感。书中对配器的讲解也让我眼前一亮，作者并不是直接教你如何写管弦乐，而是从简单的乐器组合开始，比如钢琴和小提琴的搭配，吉他弹唱的编配，然后逐渐过渡到更复杂的管弦乐。他会分析不同乐器在音色、音域上的特点，以及它们组合在一起会产生什么样的效果。我之前尝试着为我写的一段旋律配上简单的钢琴伴奏，总是感觉不够丰富，读到这本书后，我尝试着加入一些简单的和弦分解，运用一些对位的手法，发现效果比之前好多了。而且，书中还提供了很多关于如何处理音乐的“动态”和“色彩”的建议，让我明白，作曲不仅仅是写下音符，更是对声音的雕琢和对情感的描绘。
评分我之前对音乐理论一直敬而远之，觉得那些复杂的符号和规则离我太遥远。但是，这本书彻底改变了我的看法。作者用非常通俗易懂的语言，将复杂的音乐理论解释得清晰明了，并且用大量的实际例子来支撑。我最喜欢的部分是关于“动机的变形”的讲解。作者并没有简单地告诉你一个动机应该怎么变形，而是会让你去思考，什么样的变形能够更好地表达你想要的情感。我记得书中有一个练习，作者让你去用“倒影”、“逆行”、“延长”、“缩短”等方法来变形一个简单的动机。我尝试着用这些方法来变形我写的一个短小的旋律，发现同一个动机可以产生如此多样的变化，而且每一种变化都能够传递出不同的情绪。书中还提供了很多关于如何运用“对比”和“呼应”来构建音乐的“逻辑性”和“连贯性”的技巧。我之前写的一些音乐片段，总是显得有些“散”，读到这个部分之后，我尝试着在我的音乐片段中加入一些“对比”，比如旋律的起伏对比，节奏的快慢对比，然后运用“呼应”，让音乐的各个部分之间产生联系，让我的音乐听起来更加紧密、有条理。而且，书中对“音乐的张力”的讲解也让我受益匪浅。作者认为，好的音乐作品，应该能够制造出一种“悬念”，让听众想要知道接下来会发生什么。我之前创作的时候，总是喜欢将音乐写得过于“平稳”，读到这个部分之后，我尝试着在我的音乐中加入一些“张力”，比如运用一些不协和的和弦，或者是一些节奏上的“出乎意料”，让我的音乐听起来更加吸引人。
评分读完这本书，我感觉自己像是打开了一个全新的音乐世界的大门。最让我惊喜的是，作者在讲解旋律创作的时候，并没有拘泥于所谓的“黄金比例”或者“流行旋律公式”，而是鼓励我们去聆听生活中的声音，去感受自然界的韵律，然后将这些元素融入到自己的创作中。我记得有一个章节，作者让我们去观察一只小鸟在树枝上跳跃的节奏，去感受风吹过树叶沙沙的声音，然后尝试用音符去模仿。这个练习虽然听起来有点抽象，但实践起来却非常有意思。我尝试着将我最近听到的一段流水声，用音符表现出来，虽然听起来可能不像专业的音乐，但那种从无到有，从声音到音乐的转变过程，让我感到非常兴奋。书中还提到了很多关于“音乐的情感表达”的讨论，作者通过分析一些著名作曲家的作品，比如肖邦的夜曲，德彪西的印象派作品，来展示不同的音乐风格是如何传达细腻的情感。我特别喜欢作者对“留白”的讲解，他认为一个好的旋律不应该填满所有的音符，而是要给听众留下想象的空间。我尝试着去创作一些“留白”很多的旋律，发现听众反而更容易记住和感受到其中的情感。书中还提供了一些关于如何解决和声“卡点”的技巧，比如在进行性不强的段落，可以尝试用一些装饰性音符或者转调来打破沉闷。我之前在写一段旋律的时候，总是感觉到了某个地方“卡住”了，读到这个部分后，我尝试着运用了作者介绍的技巧，果然奏效，音乐变得流畅了很多。这本书真的像一个循循善诱的老师，它不会告诉你“你应该怎么写”，而是会引导你去思考“你可以怎么写”，然后给你提供各种可能的方向和方法。
评分这本书就像一本“音乐创作的秘籍”，它里面藏着许多让我豁然开朗的“小窍门”。我最欣赏的是作者在讲解“旋律与节奏的结合”时的独到见解。他并没有教你死板地将旋律填入某种固定的节奏模式，而是鼓励你根据旋律本身的“性格”去寻找最合适的节奏。我记得书中有一个章节，作者让我们去模仿一段对话的语调，然后将这种语调转化为音乐的节奏。这个练习让我深刻地体会到，节奏不仅仅是音乐的骨架，更是音乐的“呼吸”，它可以让旋律更加富有生命力。书中还提供了许多关于如何运用“变奏”来发展音乐的技巧。作者会通过分析一些古典音乐作品，比如巴赫的赋格，来展示同一个主题是如何通过各种变奏手法被丰富和拓展的。我尝试着将我写的一个短小的旋律，用“节奏变奏”、“旋律变奏”、“和声变奏”等方法进行拓展。我发现，同一个主题经过变奏之后，可以产生如此多的可能性，而且每一种变奏都能够为音乐带来新的活力。而且，书中对“音乐的记忆点”的讲解也让我受益匪浅。作者认为，好的音乐作品，应该有一些能够让听众“记住”的“钩子”。我之前创作的时候，总是只顾着写出“流畅”的音乐，读到这个部分之后，我开始思考，如何为我的音乐加入一些“记忆点”，比如一些独特的旋律片段，或者是一些特别的和弦进行，让我的音乐更容易被听众记住。
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