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出版者:人民美术出版社

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价格:280.00元

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isbn号码:9787102050256

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茗器寻踪：东方美学与器物文明的对话 图书名称： 茗器寻踪：东方美学与器物文明的对话 内容简介： 本书并非聚焦于某一特定地域或特定历史时期的茶具设计演变，而是致力于探讨“器物”——特别是与“茶饮”这一东方生活方式紧密相关的器物——如何在历史的长河中，作为文化载体和审美符号，塑造了人类的日常经验与精神世界。我们试图通过对“茗器”这一核心概念的广泛考察，揭示其背后隐藏的哲学思想、社会结构变迁以及材质工艺的极限探索。 全书结构分为四大核心板块，层层递进，构建起一个宏大而精微的器物文明图景： --- 第一部分：器物原初——从实用到象征的蜕变 本部分将追溯人类使用“容器”的远古记忆，探讨最早的饮器、烹器如何从纯粹的生存工具，一步步跨越到具有仪式感和身份象征的物件。我们将避开对特定朝代茶具风格的细致描摹，转而关注“器形”背后的功能逻辑与原始美学。 1.1 材质的“本真”与人类的初始选择： 我们将分析陶土、木料、石材等早期材料在被加工成器物时的天然属性如何反作用于人类的认知。这不是对某一种茶具（如紫砂壶或瓷碗）的材料学研究，而是探讨“器皿”的材料哲学——即，如何通过烧制、打磨、编织等手段，赋予自然物以“为人所用”的秩序感。 1.2 仪式空间中的“无形之器”： 在茶文化尚未完全定型之前，古代的饮酒礼仪和祭祀用具中蕴含了大量与后世茗器相通的“空间语言”。本节着重分析，权力结构、群体归属以及天地沟通等宏大叙事是如何被抽象化，并投射到早期饮器之上，探讨器物如何在“实用”的外衣下，承担起构建社会等级的任务。 1.3 结构与平衡的数学美学： 探讨古代工匠在把握器物的容量、重心、流线型设计时所遵循的朴素几何学与人体工学原理。这种对“平衡感”的追求，是超越具体时代审美的普适性设计原则，是器物之所以“好用”和“耐看”的内在结构支撑。 --- 第二部分：触感、光影与“物我相忘”的体验设计 本部分将视角从器物的历史性转向体验性，深入剖析一件茗器如何通过其物理属性，干预和塑造使用者的感官体验。我们关注的重点是“使用过程中的互动”，而非最终的成品陈列。 2.1 釉面与肌理的触觉叙事： 深入分析不同表面处理工艺（如粗糙的颗粒感、温润的玉质感、冷峻的金属光泽）对触摸神经的刺激。这种对“手感”的精微把握，是超越视觉的隐形设计语言。我们将讨论，在没有图像传播的时代，器物是如何通过“触觉记忆”来建立文化认同的。 2.2 光线在器物表面的“流动”： 探讨不同材质和釉色如何反射、吸收和折射环境光。例如，光线穿透薄胎器壁时的晶莹感，或在厚重陶面上产生的柔和漫反射，是如何构建出一种动态的视觉体验。这关乎对“时间感”和“空间感”的捕捉。 2.3 声音的共鸣与“听觉的审美”： 探讨器物在被叩击、被注水或在与其他器物接触时所发出的声音。这种“器声”如何在寂静的品饮环境中，成为一种辅助精神沉思的声景元素，是关于“器物发声”的美学考量。 --- 第三部分：跨文化语境下的器物“流变”与“移植” 本部分旨在超越地域界限，考察具有相似功能属性的饮器在不同文明体系中如何被吸收、改造和再创造，关注“设计元素”的全球性迁移与本土化适应。 3.1 东方容器的西传与“异域化”： 分析当东方特有的饮器形态进入到西方社会时，其原有的文化语境如何被剥离，而新的功能定位（如装饰品、异域情调的象征）是如何被赋予的。重点在于“功能重塑”而非单纯的贸易路线研究。 3.2 形式的“共振”与全球设计的原型： 探讨不同文明中，对于“把手”、“壶嘴”、“器口”等基础结构元素在形态上的不谋而合。这种跨越地理障碍的“设计共振”，揭示了人类在解决特定物理问题时所倾向的最优结构模式。 3.3 工业化浪潮对器物形态的冲击与重构： 考察大规模生产技术出现后，手工艺的精细度与机械的效率性之间产生的张力。探讨在面对新材料（如玻璃、金属合金）的挑战时，传统器物形态是如何被“简化”或“解构”，以适应新的生产线和消费群体。 --- 第四部分：未来器物学：可持续性与精神的“再塑形” 最后一部分将目光投向当下与未来，探讨在技术高度发达和环保意识觉醒的时代，器物设计所应承担的伦理责任和精神使命。 4.1 从“稀有性”到“普及性”的价值转移： 分析在消费主义背景下，设计的价值重心是如何从强调材质的稀缺性（如贵金属、特定名窑）转向强调设计的普适性、耐用性与情感附加值。 4.2 器物与数字时代的“留白”： 探讨在充斥着屏幕和信息的现代生活中，一件精心设计的、具有物理实体感的器物，如何提供一种必要的“数字戒断”空间。器物不再仅仅是盛装饮品的工具，更成为了对抗信息过载的“锚点”。 4.3 循环经济下的“设计终结”： 探讨未来器物的设计应如何纳入其“生命周期”的考量，从选材的生物可降解性到修复的便捷性，重新定义一件“好设计”的标准。这关乎器物在完成其使命后，如何以最优雅的方式回归自然，完成一次完整的文明循环。 本书旨在为所有对“形”与“用”之间的深刻关联感兴趣的读者提供一个广阔的、超越具体风格流派的思维框架，以理解人类文明在无数日常器物中留下的不朽印记。

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作为一名长期关注手工艺传承的爱好者，我对书中关于“非遗”传承人在当代茶具设计中的角色定位感到特别振奋。书中专门辟出篇幅，记录了几位国家级工艺大师如何将传统手刻、泥塑等绝技，应用到小批量、高附加值的定制茶具制作中，这些案例展示了传统技艺在现代设计语境下焕发的生命力。更难能可贵的是，作者并未将这些大师简单地“神化”，而是坦诚地指出了传统工艺在标准化生产中面临的瓶颈，并探讨了如何通过现代教育体系来培养既懂审美又精通传统技艺的新一代工匠。书中关于材料的“可追溯性”的强调，也体现了对文化本源的尊重，这种平衡了传统与现代、艺术与商业的探讨视角，使得这本书的价值远远超出了单纯的设计指导范畴，它更像是一份关于中国审美产业未来的思考备忘录。

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初拿到手，我主要关注的是它对于现代茶具设计趋势的探讨，这部分内容着实给了我不少启发。作者并没有一味地“复古”，而是巧妙地将传统元素进行了解构与重组。比如，书中展示了几组将传统竹编工艺与现代玻璃、金属相结合的茶壶设计方案，其创新点在于既保留了东方韵味，又完全符合当代人体工程学的握持习惯和使用场景。书中对“极简主义”在茶具设计中的应用分析得相当到位，通过对器物“留白”的处理，强调了茶汤本身的色彩和动态，这种哲学层面的思考，远超出了单纯的工艺指导。另外，它还探讨了环保材料在茶具开发中的潜力，对可持续设计理念的融入，显示出作者对行业未来的前瞻性眼光，让我反思自己目前的设计方向是否过于保守。

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这本《中国茶具设计》的插图和排版简直是一场视觉盛宴！我尤其喜欢它对不同历史时期、不同地域茶具材质和造型演变的梳理。书中对宋代点茶用具的描绘细致入微，从盏的釉色变化到茶筅的竹材选择，无不体现出匠人的心血。特别是那些宋徽宗时期推崇的“兔毫”、“油滴”等珍贵茶盏的特写照片，光影处理得极佳，让人仿佛能触摸到那冰凉温润的瓷面。相比之下，对明清文人雅士偏爱的紫砂壶的介绍，则着重于泥料的陈化和壶体线条的韵律感，那几张老壶的局部细节图，纹理清晰可见，简直是教科书级别的展示。这本书不仅仅是图录，更像是一本关于中国陶瓷美学和生活哲学结合的深度解读，对于正在进行传统茶具复兴设计工作的设计师来说，无疑是一本不可或缺的案头参考书。它的严谨性体现在对每件器物年代和出处的考证上，绝非泛泛而谈的图集可比拟。

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我是一名专攻环境艺术的本科生，原本对纯粹的器物设计了解不多，但这本书的叙事方式非常平易近人。它没有用晦涩难懂的术语堆砌，而是通过讲述每一件典型茶具背后的“故事”来展开设计理念的阐述。比如，介绍建盏的章节，不仅讲了烧制的难度，还穿插了古代文人如何围炉煮茶、品茗论道的场景描述，这种“以景带物”的手法，极大地增强了阅读的代入感和趣味性。特别是关于茶滤和茶荷这些“配角”器皿的专门章节，详细分析了它们如何服务于“茶道”这一整体体验，这点在国内许多设计书籍中是很少被深入挖掘的细节。整体来看，它更像是一本将艺术史、社会学与工业设计融为一体的通识读本，即便是门外汉也能读得津津有味。

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这本书在理论深度上做得非常扎实，特别是在探讨不同地域制瓷工艺对茶具形态制约性的分析部分，令人印象深刻。作者没有停留在对“美”的表面赞扬，而是深入挖掘了地域气候、水质条件乃至当地矿藏资源如何潜移默化地塑造了特定茶具的审美取向和功能特性。例如，对云南普洱茶区厚重陶土茶壶的分析，就紧密结合了当地的粗犷生活方式和对保温性的极致需求。相比之下，南方沿海地区精致玲珑的白瓷茶具，则反映了其细腻的文风和对茶汤清澈度的追求。这种由“地质”到“审美”的层层递进的逻辑推导，让每一个设计决策都有了坚实的文化和物质基础作为支撑，对于试图进行原创性设计的从业者来说，这是至关重要的理论基础。

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