Film Music: A Neglected Art : A Critical Study of Music in Films pdf epub mobi txt 电子书下载 2026

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☆☆☆☆☆

出版者:W. W. Norton & Company

作者:Roy M. Pendergast

出品人:

页数:352

译者:

出版时间:June, 1992

价格:$18.95

装帧:Paperback

isbn号码:9780393308747

丛书系列:

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具体描述

"Film Music" brings together the concerns of the professional musicologist and the interests of the film critic and historian. The author analyzes film music as composition and as an integral element of cinematic expression. He examines all aspects of film music, from the early techniques of synchronization and the early sound films of the 1930s, to the unique demands made by cartoon and animated films. He also looks at the problems of film music composition in the context of the complex machinery of filmmaking, the pressures of schedules, and current inventions in sound reproduction and projection. This new edition has been brought up-to-date by the inclusion of a chapter about music for television, a section on the latest technological advances and an extended bibliography.

《银幕上的旋律：电影音乐的历史、理论与实践》导言：光影交织的听觉景观电影，作为一种集视听艺术于一体的综合媒介，其叙事力量的构建不仅依赖于精心设计的画面，更离不开潜藏于幕后的听觉结构——电影音乐。本书旨在深入探讨电影音乐的广阔领域，从其诞生之初的历史演进，到支撑其美学效用的理论框架，再到当代电影制作中实际应用的实践层面。我们相信，电影音乐远非简单的背景点缀，而是与画面同等重要的叙事语言，是塑造观众情感体验、深化主题内涵的关键要素。本书将抛弃对特定电影或作曲家的肤浅罗列，转而构建一个系统的、跨学科的分析视角，涵盖音乐学、电影研究、心理学以及文化研究的交叉领域。我们力图为读者呈现一个全面的“银幕上的旋律”的生态系统，揭示音乐如何在无声的胶片中注入生命，赋予意义。第一部分：历史的回响——电影音乐的起源与演变电影艺术的诞生，伴随着对声音的本能渴求。本部分将追溯电影音乐的早期形态，探究有声电影出现前的“现场伴奏”时代，这一时期音乐的功能性与即兴性如何定义了早期观影体验。我们将详细分析默片时代，钢琴家、管风琴师乃至交响乐团如何通过既定的“配乐表”或即兴演奏，来引导观众情绪、掩盖放映机噪音。通过考察弗里茨·朗的《大都会》等早期杰作中音乐的结构性作用，我们可以理解音乐在叙事空白中建立连贯性的重要性。进入有声电影时代（20世纪30年代初），音乐的地位发生了质的飞跃。我们不仅关注技术上的突破——从配乐同步到对白和音效的整合，更聚焦于音乐语言的成熟化。这一时期，好莱坞的“黄金时代”作曲家们，如马克斯·斯坦因格、阿尔弗雷德·纽曼等人，确立了交响乐配乐的主导范式，为后世奠定了基础。本部分将剖析早期音乐如何服务于好莱坞的类型片（歌舞片、黑色电影、史诗片），确立了音乐与特定视觉风格的绑定关系。随后的几十年，电影音乐经历了从高度管弦乐化到电子合成的过渡。我们会探讨二战后欧洲艺术电影对音乐使用的反思，以及60年代流行音乐和摇滚乐大规模进入电影配乐所带来的文化冲击。通过对这些历史节点的梳理，读者将清晰地看到电影音乐如何适应技术变革和社会思潮，不断重塑自身的艺术边界。第二部分：理论的基石——音乐在叙事中的功能与机制电影音乐的有效性，根植于其背后严谨的理论支撑。本部分将构建一套分析工具，用以解构音乐如何与画面互动，实现其叙事目标。核心议题之一是“配乐与画面的关系”。我们将深入探讨对位（Counterpoint）与附和（Mimesis）这两种核心策略。当音乐与画面内容完全一致，强化已有的视觉信息时，其叙事效果是直接的；而当音乐与画面形成张力——例如，欢乐的配乐配以悲剧性的场景，即“反讽”时——其对观众心理的操纵则更为复杂和深刻。此外，我们将详细分析“主导动机”（Leitmotif）在电影音乐中的应用。借鉴瓦格纳歌剧的传统，主导动机如何通过主题性旋律、和声或节奏片段，来标记特定角色、地点、情感或抽象概念。通过分析这些音乐标记如何在电影进程中被发展、变奏或并置，我们可以理解音乐如何建构起超越即时画面的潜意识叙事结构。情感调控是音乐的直接功能。本部分将引入心理声学和情绪唤醒理论，探究特定音高、调式、和弦进行（如三全音、小调和弦）如何精确地触发观众的恐惧、喜悦或悬念。我们关注“桥段”（Transitions）的处理，即音乐如何无缝地连接场景、压缩或拉伸时间感，从而影响观众对叙事节奏的感知。最后，我们将讨论音乐在空间与时间建构中的作用。音乐如何定义一个场景发生的时代背景（如爵士乐定义20年代，合成器定义未来世界），以及音乐如何“填充”画面中缺失的声音信息，从而提供一种完整的沉浸式体验。第三部分：实践的维度——作曲、制作与整合电影配乐不仅仅是作曲家的个人创作，更是一个复杂的工业流程，涉及导演意图、音乐家技能和技术实现的紧密协作。本部分着眼于从概念到最终成片的实践环节。我们将详细考察电影配乐的创作流程。首先是“音乐理念的建立”：作曲家如何与导演进行沟通，理解剧本的核心情感弧线和视觉风格。接着是“音乐的配制”（Spotting Session），即确定音乐需要出现在哪些具体时间点，以及其功能定位。技术层面的讨论将涵盖配乐的制作范式。我们将对比传统的大型管弦乐队录制、电子合成音乐的运用，以及现代的混合型配乐模式。分析录音棚技术如何影响音乐的最终音色和动态范围，特别是“混音”环节中，音乐与对白、音效之间的平衡艺术。音乐的动态范围是关键，它决定了音乐是沉稳地支撑叙事，还是爆发性地主导情绪。此外，本书将探讨“非原创音乐”（Diegetic vs. Non-Diegetic Sound）的运用策略。原创作曲（Non-Diegetic）通常服务于幕后叙事，但何时引入现有的流行歌曲或经典乐曲（Diegetic，即角色可以听到的音乐），会产生何种特殊的文化和情感含义？我们会分析流行乐在青春片或动作片中作为“文化锚点”的作用，以及它如何与原创配乐产生对话。结语：倾听未来的可能电影音乐艺术仍在不断演进。随着沉浸式音频技术（如杜比全景声）的普及，以及人工智能在音乐创作中的渗透，电影音乐的未来充满了新的挑战与机遇。本书旨在为读者提供一个坚实的分析框架，使他们不仅能够享受光影中的旋律，更能理解这些旋律是如何被精心构建、精确投放，并最终塑造了我们对电影艺术的全部感知。理解电影音乐，就是更深层次地理解电影本身。

作者简介

目录信息

读后感

评分☆☆☆☆☆

"That Mr. Prendergast is unusually well-equipped to discuss both the technology and the aesthetics of film music is revealed once more in this second edition, particularly in the new section on synthesizers. And in this discussion he is disarmingly frank an...

评分☆☆☆☆☆

用户评价

评分☆☆☆☆☆

这本书的行文风格，简直是一场思维的马拉松，它要求读者具备极高的专注度和一定的音乐理论基础，绝非那种可以佐着咖啡轻松翻阅的读物。作者的论证结构极其缜密，常常从一个看似无关紧要的音乐片段切入，最终引申到对整个电影工业体系的批判性反思。我尤其欣赏它摆脱了传统传记式的叙事，而是以主题和功能为导向，将不同年代、不同国家的作曲家置于一个宏大的比较框架之下。它不是简单地赞美某位大师的天赋，而是探究“是什么样的艺术生态和技术限制，催生了那位大师的风格？”这种追根溯源的学术气质，让整本书的份量陡然增加。阅读过程中，我频繁地需要暂停，去重听那些被提及的配乐片段，试图捕捉作者所描述的那种“转瞬即逝的和声变化”是如何精确地对应了银幕上角色的内心挣扎。这是一种需要投入心力的阅读体验，但回报是丰厚的认知升级。

评分☆☆☆☆☆

阅读体验方面，这本书像是一本被精心策展的音乐博物馆导览手册，但导览员的嗓音里充满了对艺术被轻视的愤懑与不甘。它的叙事节奏是跳跃的，从对早期默片时代音乐伴奏制度的考古式发掘，瞬间跳跃到对后现代主义电影配乐如何解构传统的深入探讨，中间穿插着对技术革新（如电子合成器的引入）如何颠覆听觉美学的鞭辟入里分析。这种跨越时空的对比，使得“被忽略”这个主题不再是单一的哀叹，而是一部跨越百年的艺术斗争史。它挑战了读者对于“什么是高级艺术”的固有偏见，有力地论证了电影配乐在塑造文化记忆和集体情感方面的核心地位。我感觉自己不仅仅是在读一部理论专著，更像是旁听了一场关于声音美学的重量级学术辩论，而且这场辩论的最终裁决，显然是对电影音乐的胜利。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我感到惊喜，也最让我感到震撼的地方，在于它对“潜文本”的挖掘能力。它不像很多评论那样，仅仅分析音乐“表现了什么”，而是深入探究音乐是如何在叙事层面“隐藏了什么”或者“欺骗了观众什么”。书中对某些特定配乐手法——比如刻意使用与画面情绪相悖的音乐来制造疏离感或反讽效果——的系统性梳理，揭示了音乐在电影语言中的能动性和狡黠性。这种对“声音的欺骗术”的剖析，极大地提高了我对电影叙事艺术的鉴赏阈值。读完之后，我发现自己无法再单纯地享受一部电影的配乐了，因为我的耳朵已经被训练得太过敏锐，总是在寻找那些作曲家精心埋设的听觉陷阱和深层结构。可以说，这本书成功地将我从一个被动的听众，转化成了一个时刻保持警惕、主动解码声音信息的批判性倾听者。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我最初拿到这本书时，对它的标题抱持着一种略微的怀疑态度——“被忽略的艺术”，听起来有点像是老生常叹。但我错了，这本书的论述完全没有停留在抱怨的层面，而是用一种近乎偏执的细致，勾勒出了电影音乐在美学价值上被低估的诸多维度。作者似乎对每一部被讨论的影片都有着近乎于耳语般的熟悉，他不仅仅关注那些脍炙人口的主题旋律，更着墨于那些“在场感”极弱，却又至关重要的音效设计与音乐动机的隐秘运用。例如，书中对某种特定乐器组合在特定类型片中重复出现模式的梳理，揭示了某种潜意识的类型化语言是如何在不知不觉中被观众接受和内化的。这种分析的层次感，让我意识到，我过去十几年观看电影时所接收到的听觉信息，大多是多么地粗糙和碎片化。这本书提供了一副高清的听觉滤镜，让那些原本模糊的声场细节变得清晰可辨，简直是一次对感官系统的彻底重塑教育。

评分☆☆☆☆☆

这部作品的出现，简直是为那些对电影配乐心怀敬意却又常常感到失落的影迷投下了一颗重磅炸弹。我一直认为，电影音乐远不止是背景烘托那么简单，它承载着叙事的重量、情绪的张力，甚至是文化密码的转译。然而，在主流的电影研究领域，它常常被视为一种边缘的、可有可无的附属品。这本书，就像一位不遗余力的鼓手，用强劲的节奏敲击着学界的麻木，强迫人们正视这项艺术的复杂性与深刻性。它不像那些空泛地赞美“约翰·威廉姆斯很棒”的肤浅评论，而是深入到作曲家的创作哲学、管弦乐编排的技术细节，以及特定历史时期（比如好莱坞黄金时代的制片制度如何影响音乐的创作规范）的制度性约束之中。书中对特定场景音乐与画面剪辑的互动分析，简直如同外科手术般精准，揭示了音乐如何在潜意识层面操纵观众的情绪反应。那种对“被忽略”的艺术形式的深沉关怀与专业剖析，让人读来既感到被理解的欣慰，又被其学术的严谨性所震撼。它不是在写影评，它是在为一门学科正名。

评分☆☆☆☆☆