具体描述
《调性和声及20世纪音乐概述(第6版)》自1989年起稳居美国音乐理论教学教材的领跑和主导地位；二十年来，应用于全美八百多所高校的音乐理论一线教学实践中；历时六次修订，2009年，第六版来到中国；以系统化的知识结构、科学化的叙述方式、人性化的教学理念、媒体化的教辅手段，与中国音乐专业师生分享优秀教育资源。
作者简介
斯蒂凡·库斯特卡在科罗拉多大学和得克萨斯大学获音乐学士和硕士学位,在威斯康辛大学获音乐理论哲学博士学位。1969年到1973年，他曾任伊斯特曼音乐学院教师，此后一直任教于奥斯汀得克萨斯大学。库斯特卡博士起初在伊斯特曼音乐学院和得克萨斯大学教授计算机音乐应用课程，近年来，更专注于无调性音乐理论和当代音乐风格与技术的研究，并写出了他的第二部专著《20世纪音乐的素材与技法》，同时继续从事计算机应用于音乐理论的研究。库斯特卡博士在多个专业音乐组织中任职，曾任得克萨斯音乐理论学会主席。
多萝茜·佩恩在伊斯特曼音乐学院获钢琴演奏学士和硕士学位，继而在该校获音乐理论哲学博士学位。从1994年开始，她任教于南卡罗来纳大学。佩恩曾担任过的管理职务包括南卡罗来纳大学教务长、亚利桑那大学音乐学院院长，以及康涅狄格大学音乐系主任。她还曾在奥斯汀得克萨斯大学、伊斯特曼音乐学院和太平洋路德大学担任过教职。除了作为一名活跃的演奏家，佩恩还经常在专业学会的会议上开设关于音乐理论教学的讲座和工作坊,并且是美国音乐院校协会访问评估员、任命委员会成员和执行委员会秘书。
目录信息
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读后感
虽然我只是个业余音乐爱好者，但也不得不赞叹这本书，这本书从最基础的和弦理论教起，每章后面还附有练习，还有答案和备解，循序渐进的进步，提供了最全面的音乐理论知识，厚厚的跟辞典一样，几乎可以称得上是本必备工具书了。以前是在学校图书馆看到的英文原版，爱不释手，还...
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用户评价
我一直认为，音乐的魅力在于其能够触及灵魂深处的情感，而传统的调性音乐，恰恰是我情感共鸣的源泉。然而，每当听到一些20世纪的音乐，我总感觉它像是一层隔膜，无法真正打动我。《调性和声及20世纪音乐概述》这本书，就像一位经验丰富的“翻译官”，帮助我跨越了这道隔膜。作者在讲解调性和声时，并非是简单地罗列规则，而是从历史的脉络出发，揭示了调性音乐是如何从稳定走向复杂，再到最终的多元化。我被书中对德彪西的印象主义和声的分析深深吸引，那种充满诗意的音响，以及模糊的色彩感，让我重新认识了和声的功能。而对于20世纪最具代表性的几种音乐风格，作者更是做了详尽的介绍。例如，勋伯格的十二音技法，在作者的解读下，不再是令人费解的数学游戏，而是对音高组织的一种高度自觉的创新。他对乐谱的分析和对听感的描述，都让我能够更好地去理解这些音乐背后的逻辑和意图。更重要的是，作者还穿插了对作曲家创作理念的探讨，这让我明白，这些音乐的出现，并非偶然，而是作曲家们在特定历史时期对艺术和人类情感的独特表达。这本书让我开始用一种更加包容和开放的心态去聆听20世纪的音乐，并逐渐发现了其中蕴含的独特魅力。
评分这本书对于我来说，简直是一份珍贵的音乐地图，它指引着我如何在20世纪纷繁复杂的音乐世界里找到自己的方向。在我看来，20世纪的音乐，就像是一片浩瀚的海洋，充满了未知和挑战。我曾试图自己去聆听，但常常迷失在那些陌生的音响和结构中，感到无从下手。然而，这本书的出现，彻底改变了这一切。作者在讲解调性和声时，并不是简单地罗列理论，而是从历史的视角出发，梳理了调性音乐是如何一步步走向多元化和复杂化的。我特别喜欢书中对瓦格纳的《特里斯坦与伊索尔德》中那个著名的“特里斯坦和弦”的分析，它打破了传统的调性逻辑，预示着未来和声的巨大变革。而对于20世纪出现的各种新音乐风格，作者更是做了细致入微的介绍。无论是勋伯格的十二音技法，还是斯特拉文斯基的节奏创新，亦或是梅西安的宗教色彩，作者都用深入浅出的语言，结合大量的音乐实例，让我得以窥见这些音乐的奥秘。我尤其对书中对序列音乐的讲解印象深刻，它让我理解了在高度精确的音乐结构背后，所蕴含的作曲家对声音秩序的极致追求。这本书让我不再害怕20世纪音乐，而是开始对其产生由衷的敬畏和喜爱，并渴望更深入地去探索。
评分这本书简直打开了我对音乐理解的新维度！在此之前，我一直沉浸在古典音乐的海洋里，对巴洛克、古典主义、浪漫主义时期的作曲家们了如指掌，对他们的旋律、和声、曲式结构也颇有研究。但每当听到一些现代音乐，总觉得它们像是来自另一个星球，虽然有时也能感受到其中蕴含的情感张力，却始终无法抓住其内在的逻辑。这本书就像一座桥梁，将我与那个“陌生”的20世纪音乐世界连接了起来。作者在讲解调性和声时，并没有止步于传统的七和弦、九和弦，而是深入剖析了后浪漫时期和声的演变，比如李斯特、瓦格纳那些令人眼花缭乱的半音化和声，以及德彪西那些模糊色彩的“印象派”和声。我尤其对书中对“非功能性”和声的解释印象深刻，它不再是简单地为了解决到属或主和弦，而是更注重色彩、情绪和音响本身的张力。当我读到关于新维也纳乐派（勋伯格、韦伯恩、贝尔格）的十二音技法和无调性音乐时，我才真正理解了那些看似“混乱”的音响背后有着多么严谨的结构和逻辑。作者用大量生动的例子，从乐谱到实际听感，一步步引导我 decipher 这些“密码”，让我不再感到无所适从，反而对这些音乐产生了敬畏之情。它让我明白，音乐的发展并非是一成不变的，而是充满着探索和革新，每一种新的和声语言的诞生，都伴随着作曲家们对声音本质的深刻思考。这本书不仅是知识的传授，更是思维方式的启发。
评分这本书真的是给我带来了一次颠覆性的阅读体验。在此之前，我一直认为，音乐的“和谐”是固定不变的，是基于某种放之四海而皆准的规律。我沉迷于古典时期严谨的和声进行，享受着那些“解决”到主和弦时的安定感。然而，当我接触到20世纪的音乐时，我常常感到困惑，为什么这些音响会让我感到不安，甚至有些刺耳？《调性和声及20世纪音乐概述》这本书，彻底改变了我对音乐“和谐”的认知。作者从19世纪末的调性危机开始讲起，详细阐述了作曲家们是如何一步步突破传统的束缚，探索新的和声语言的。我被书中对德彪西的印象主义和声的分析深深吸引，那种模糊、朦胧的色彩感，以及非功能的和弦运用，让我领略到了音乐作为一种色彩和氛围的艺术。而当读到关于勋伯格的十二音技法时，我更是感到震撼。作者用清晰的语言和大量的乐谱示例，解释了如何构建音列，以及如何运用音列进行作曲。这让我明白，即便是在“无调性”的音乐中，也存在着一种高度的组织和结构。这本书让我明白，音乐的发展并非直线，而是充满了各种分支和探索，每一种新的和声方式，都是对人类听觉感知的一次挑战和拓展。它让我开始用一种更开放的心态去聆听20世纪的音乐，并逐渐从中发现其中的美妙之处。
评分作为一名曾经对20世纪音乐感到“无感”的听众，这本书简直是打开了我音乐世界的新篇章。《调性和声及20世纪音乐概述》这本书，并没有止步于枯燥的理论讲解，而是通过生动有趣的笔触，将那些曾经令我望而却步的音乐变得鲜活起来。作者在梳理调性和声的演变时，从19世纪末的浪漫主义晚期讲起，到印象主义、表现主义，再到新维也纳乐派，我都觉得豁然开朗。他对于李斯特、瓦格纳等作曲家和声上的创新，都做了非常清晰的阐释，让我明白了那些看似“不和谐”的音响是如何一步步走向瓦解传统的。而当进入20世纪的音乐时，作者更是下了大功夫。他详细讲解了十二音技法、序列音乐的构建原理，以及如何在这些看似“复杂”的结构中找到逻辑。我尤其对书中对勋伯格的讲解印象深刻，它让我理解了为什么他的音乐会如此具有戏剧性和表现力。此外，作者还介绍了许多我从未接触过的音乐风格，比如具象音乐、电子音乐等，这让我对音乐的边界有了更深的认识。这本书让我意识到，20世纪的音乐并非是“实验”的代名词，而是充满了作曲家们对声音的深刻思考和大胆探索。它让我开始重新审视自己对音乐的理解，并渴望去发现更多隐藏在其中的精彩。
评分我一直对音乐史有着浓厚的兴趣，但往往在接触到20世纪的音乐时，会感到一股无形的隔阂。那些复杂的和声、陌生的音色、以及非传统的曲式结构，常常让我望而却步。然而，《调性和声及20世纪音乐概述》这本书，如同一位经验丰富的向导，耐心地引领我穿越了这片迷雾。作者在开篇就详尽地梳理了从19世纪末到20世纪初，调性音乐是如何逐渐走向瓦解，以及各种新的和声语言是如何萌芽的。他没有回避那些令人困惑的理论，而是通过清晰的逻辑和大量的音乐实例，将复杂的概念抽丝剥茧。我特别喜欢书中对印象主义音乐的和声分析，德彪西那些充满暗示性的五音和弦，以及他对音色和氛围的极致追求，通过作者的解读，我才真正领略到了其中的微妙之处。而当涉及到序列音乐时，作者更是下足了功夫，他细致地讲解了十二音技法、全序列音乐的构建方式，以及如何分析其内在的逻辑性。这让我意识到，即便是在看似“无序”的音乐中，也存在着高度的组织性和理性。更让我惊喜的是，这本书不仅仅局限于技术层面的讲解，还穿插了许多对作曲家创作理念的探讨，以及这些音乐如何在社会文化背景下产生的。这使得我对20世纪音乐的理解，不再停留在表面的音响，而是上升到了对其历史意义和艺术价值的认识。
评分这本书彻底颠覆了我对音乐“和谐”的理解。一直以来，我都认为和谐的音乐就是悦耳的，是符合某种固有规律的。然而，当我接触到20世纪的音乐时，却常常感到困惑，那些看似“不和谐”的音响，为何能引起如此强烈的情感共鸣？《调性和声及20世纪音乐概述》这本书，恰恰解答了我心中的疑惑。作者从19世纪末调性音乐的“危机”出发，详细梳理了各种新兴和声语言的诞生。我被书中对瓦格纳《特里斯坦与伊索尔德》中那个著名的“特里斯坦和弦”的分析所震撼，它打破了传统的调性逻辑，预示着未来和声的巨大变革。而对于20世纪的各种音乐风格，作者更是做了深入浅出的讲解。无论是勋伯格的十二音技法，还是斯特拉文斯基的节奏创新，亦或是梅西安的色彩音乐，作者都用清晰的语言和大量的音乐实例，为我揭示了其内在的逻辑和美学。我尤其对书中对序列音乐的讲解印象深刻，它让我明白了在看似自由的音响背后，隐藏着高度的组织性和秩序。这本书让我意识到，音乐的美不仅仅在于其“和谐”，更在于其探索、创新和对人类情感的深刻表达。它让我用一种更开放的心态去聆听20世纪的音乐，并逐渐从中发现其独特的魅力。
评分这本书对于我这样一直以来只接触传统古典音乐的学习者来说，无疑是一次启蒙。我一直认为音乐的“美”在于其明确的旋律线条和有规律的和声进行，然而，20世纪的音乐，却常常挑战着我固有的认知。《调性和声及20世纪音乐概述》这本书，恰如其分地为我搭建了一座桥梁。作者在回顾调性和声的演变时，从19世纪末的“危机”开始，一步步解析了作曲家们如何探索新的和声色彩和结构。我尤其对书中关于印象派音乐的和声分析印象深刻，德彪西那些如水彩画般晕染开的音响，以及模糊的调性中心，让我看到了音乐在色彩和氛围上的无限可能。而当进入20世纪的核心内容时，作者更是深入浅出地讲解了十二音技法、序列音乐、偶然音乐等多种风格。我一直对十二音技法感到困惑，但通过作者的讲解，我才明白它并非是“反音乐”，而是对音高组织的一种全新的、高度理性的探索。书中对乐谱的解读和实际听感的结合，让我能够更好地理解这些看似复杂的音乐。这本书让我明白，音乐的创新是永无止境的，每一种新的和声语言的出现，都代表着人类对声音的认识在不断深化。它让我不再拘泥于传统的束缚，而是以更开放的心态去接纳和理解20世纪的音乐。
评分这本书是我在探索音乐世界中，一次非常重要的“里程碑”。在此之前，我一直深陷于18、19世纪的音乐中，对那些美妙的旋律和和谐的和声情有独钟。但当我尝试去了解20世纪的音乐时，总会感到一种强烈的隔阂，那些复杂的音响和结构，让我觉得像是来自另一个星球。《调性和声及20世纪音乐概述》这本书，就像是一盏指路明灯，照亮了我前行的道路。作者在讲解调性和声时，从19世纪末的调性危机开始，一步步梳理了各种新的和声语言的出现。我尤其对书中对印象主义音乐和声的分析印象深刻，德彪西那些模糊、色彩丰富的和声，让我看到了音乐在听觉感受上的无限可能性。而当谈到20世纪的核心音乐风格时，作者更是做了深入浅出的阐述。无论是勋伯格的十二音技法，还是斯特拉文斯基的节奏创新，亦或是梅西安的色彩音乐，作者都用清晰的语言和大量的音乐实例，为我揭开了面纱。我之前一直认为十二音技法是纯粹的抽象，但通过这本书的讲解，我才理解了它背后所蕴含的作曲家对音高组织的严谨性和创造性。这本书让我明白，音乐的发展并非是一成不变的，而是充满了各种探索和突破，每一种新的和声方式，都是对人类听觉感知的一次挑战和拓展。它让我不再害怕20世纪的音乐，而是开始对其产生浓厚的兴趣，并渴望进一步探索。
评分作为一名业余的音乐爱好者，我一直致力于拓展自己的音乐视野，尤其是在古典音乐之外的领域。然而，20世纪的音乐，总给我一种高不可攀的感觉，那些奇特的声音、复杂的节奏，常常让我无从下手。《调性和声及20世纪音乐概述》这本书，可以说是为我打开了一扇通往新世界的大门。书中对调性音乐的梳理，从浪漫主义晚期的复杂和声，到印象主义的色彩和声，再到表现主义的极度张力，我都觉得豁然开朗。作者的讲解非常生动，他不仅仅是列举理论，而是通过对具体乐曲片段的分析，让我们能够直观地感受到这些和声的变化带来的情绪和意境。令我印象深刻的是，书中对20世纪几种重要的音乐风格的阐述，比如十二音技法、序列音乐、偶然音乐等等，都做到了深入浅出。我一直以为十二音技法是纯粹的数学游戏，但通过这本书的解读，我才明白其中蕴含的作曲家对音高组织的高度自觉和创新。尤其是对序列音乐的结构性分析，让我看到了在看似自由的音响背后，隐藏着严谨的逻辑和秩序。此外，作者还探讨了电子音乐、具象音乐等新兴的音乐形式，这让我对音乐的可能性有了更宽泛的认识。这本书让我不再害怕20世纪音乐，而是开始对其产生浓厚的兴趣，并渴望进一步探索。
评分读英文原版的话应该会省去很多查实翻译名的步骤...
评分难度和进度适中。
评分建议读原版，翻译的烂也就算了，图都不一样什么鬼
评分翻开过也算在读吧？无论对谁来说这本书都是要花很多时间的吧。
评分翻译得太好了。 但这本书缺了特别重要的“术语表”。 英文版的Glossary在附录D后面。中文版去掉了。 非常可惜。不然是一本完美的权威资料工具
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