具体描述
在《读书》杂志所开设的“美术纵横”专栏，作者发表了一系列文章，就美术史何以成为问题、如何拓展其思考路径、这一问题所置身的波澜壮阔的当代人文场景等等，提纲挈领地阐述了个人的见解。
作者简介
巫鸿，1980——1987年就读于哈佛大学，获美术史与人类学双重博士学位，此后在哈佛大学美术史系任教，于1994年获终身教授职位。同年受聘主持芝加哥大学亚洲艺术的教学、研究项目，执“斯德本特殊贡献教授”讲席。2002年建立东亚艺术研究中心并任主任。同年兼任该校斯马特美术馆顾问策展人。
巫鸿的著作包括对中国古代、现代艺术及美术史理论和方法论的多项研究。其著作《武梁祠：中国古代画像艺术的思想性》获该年全美亚洲学年会最佳著作奖。《中国古代美术和建筑中的纪念碑性》被《选择》杂志评为1996年杰出学术出版物，进而被《艺术论坛》列为20世纪90年代最有意义的艺术学著作之一。《重屏：中国绘画的媒介和表现》获全美最佳美术史著作提名。其参与编写的重要著作包括《中国绘画三千年》(1997)、《剑桥中国先秦史》(1999)等。巫鸿多次回国，在中国社会科学院考古研究所、北京大学考古文博学院客座讲学，发起“汉唐之间”中国古代美术史、考古学研究系列国际讨论会，并主编三册论文集。
目录信息
二 图像的转译与美术的释读
三 美术史与美术馆
四 实物的回归：美术的“历史物质性”
五 重构中的美术史
六 “开”与“合”的驰骋
七 “墓葬”：美术史学科更新的一个案例
八 “经典作品”与美术史写作
九 美术史的形状
十 “纪念碑性”的回顾
· · · · · · (收起)
读后感
在发表评论之前，先说两个经历。 一、两年前上设计理论课的时候，小L老师翻到一张ppt，停在那儿，眼睛忽闪忽闪地问我们：“大家知道这个是什么？”屏幕上是一张照片：光洁明亮的洗手台上放着一个瓷瓶，青白釉，细长颈，颈部堆塑条大龙。说实话，我只有在小L老师问大家这一季La...
评分 评分从巫鸿《实物的回归-美术的“历史物质性”》想到古建筑保护 <原文开始>“对美术的历史物质性的研究因此不仅仅是对一件作品原始创作状况的重构，而且也应该是对它的形态、意义和上下文在历史长河中不断转换的追寻。 需要强调的是：这种“历史物质性”的转换并非是少数作...
评分这本小册子所收的是作者在2006-2007两年中为《读书》杂志“美术纵横”专栏所撰写的十篇文章。本书的第一篇，也就是专栏的第一篇，是作者对读者说明它的内容的，因此就顺理成章地成为本书的序。纵横，作者把它引申为时空两个轴线：纵指历史的发展，横指地域的延伸。这十篇文...
评分p4 “美术”的局限 不是美术的局限，是美术这个词的局限，这个词本是舶来品，鲁迅说：“美术为词，中国古所不道，次之所用，译自英之爱忒（Art）。”这里我废话一句：看到爱忒这个带着浓厚北方感觉的音译时我笑了。总之巫老师在考虑专栏的名字时候烦恼于用什么词汇来盖含...
用户评价
这本书的魅力在于它并非一个循规蹈矩的艺术史教科书，而更像是一位博学而友善的引路人，带着我穿越层层迷雾，领略艺术史的壮丽景观。过往阅读一些艺术史的著作，常常会觉得作者高高在上，用一种“我是权威，你须接受”的姿态来陈述，让我感到疏离和压抑。但《美术史十议》则完全不同，它以一种平等而尊重的姿态，邀请我一同参与到对艺术史的探索与对话中来。 我尤其欣赏书中对“风格的形成与演变”的深入剖析。作者没有将风格视为艺术家可以随意选择的服装，而是将其视为艺术家在特定历史条件下，对时代精神、社会思潮、技术手段以及个人情感的综合回应。他通过对几个关键历史节点的详细梳理，展示了风格是如何在不断的碰撞、融合、甚至是对抗中孕育、成熟、并最终被新的风格所取代。这种对“风格的生成机制”的理解，让我看到艺术史的生命力所在。 书中关于“艺术家与时代的关系”的论述，更是让我耳目一新。作者并不只是简单地将艺术家置于时代背景之下，而是深入探讨了艺术家如何在时代的大潮中，选择自己的位置——是顺应、是挑战、是反思，还是沉思。他通过几个典型的艺术家案例，生动地展现了这种复杂而微妙的关系，让我明白了艺术家并非是被动的时代产物，而是积极的时代参与者和塑造者。 我特别喜欢书中对“审美范式的转移”的分析。作者没有将西方艺术史中几个主流的审美范式（如古典主义、浪漫主义、现实主义等）视为独立的现象，而是将其置于一个更广阔的文化和哲学背景下进行考察。他解释了这些范式是如何在特定历史时期成为主导，又为何最终会被新的范式所挑战和取代。这种对“审美变迁的逻辑”的理解，让我看到了艺术发展的内在动力。 书中关于“艺术的社会功能”的探讨也十分精彩。作者回顾了艺术在不同历史时期所扮演的角色，从宗教的宣传工具，到贵族的装饰品，再到现代社会的意识形态载体，甚至是一种自我表达和批判的途径。他让我意识到，艺术从来都不是孤立存在的，它深深地嵌入在社会结构之中，并扮演着至关重要的角色。 我非常欣赏作者在分析艺术作品时，那种“举重若轻”的叙事能力。他能够从一件看似寻常的作品中，挖掘出它背后蕴含的深层文化信息、历史意义和艺术家的思想情感。这种对“艺术品的内涵解读”的专业性，让我深受启发。 这本书的可贵之处在于，它并非只是对艺术史知识的简单罗列，而是通过一系列“议题”，引导读者进行独立的思考和判断。它鼓励我去质疑，去探索，去形成自己的艺术观点。这种“激发思考”的能力，是我在许多其他艺术史读物中难以找到的。 我还注意到，作者在叙述过程中，常常会引用大量的史料和学术研究，但这并没有让文章显得枯燥乏味。相反，这些丰富的佐证材料，反而为他的论点增添了说服力，也让我看到了艺术史研究的严谨与深度。 这本书对我最大的影响，是让我重新认识了“艺术史”这门学科。它不再是僵化的历史记录，而是一部充满活力、不断演变的关于人类创造力、想象力和情感的史诗。我学会了以更开阔的视野，更包容的心态去欣赏艺术，去感受艺术带给我的震撼与启迪。 总而言之，《美术史十议》是一本集深刻性、启发性、可读性于一身的艺术史著作。它以一种独特而迷人的方式，引领我深入艺术的殿堂，感受艺术的魅力。我毫不犹豫地将其推荐给所有对艺术感兴趣，希望能够更深入地理解艺术的人。
评分我一直对艺术史怀有浓厚的兴趣，但往往被市面上那些枯燥乏味、充斥着专业术语的著作所劝退。《美术史十议》的出现，彻底改变了我的看法。这本书如同一股清流，以一种引人入胜的方式，将我带入了波澜壮阔的艺术史长河之中，让我沉醉其中，意犹未尽。 书中对于“何为‘重要’的艺术家”的探讨，让我思考良多。作者并没有简单地依据名气或作品数量来衡量艺术家的重要性，而是深入分析了他们在艺术史发展中所扮演的角色、他们所带来的创新、以及他们对后世产生的深远影响。这种对“艺术家贡献的多元评价体系”的梳理，让我看到了艺术史评估标准的复杂性。 我特别欣赏书中关于“艺术的‘主题’与‘形式’的关系”的论述。艺术家在创作时，是如何将他们想要表达的主题，通过巧妙的艺术形式来呈现的？作者通过对几个关键历史时期艺术作品的分析，展示了主题与形式之间的辩证关系，以及形式如何服务于主题，又如何反过来影响主题的表达。 书中对“艺术与‘个人情感’的表达”的深入解读，也让我非常动容。艺术家并非只是机械地复制现实，他们的作品往往倾注了自己独特的情感和体验。作者通过对几个具有代表性的艺术家的案例分析，展现了艺术是如何成为艺术家抒发内心、与世界对话的途径。 我非常喜欢作者在分析艺术作品时，那种“抽丝剥茧”的细致。他能够从作品的色彩、线条、构图，乃至艺术家所选用的材料和技法，解读出艺术家所要传达的细微情感和深刻思想。这种对“艺术品的‘微观’分析”，让我觉得每一次阅读，都像是在进行一场细致入微的“艺术解剖”。 这本书的可贵之处在于，它并没有将艺术史的学习变得过于学院派，而是用一种极其亲切、富有启发性的方式，让艺术史变得生动有趣。它鼓励我去质疑，去探索，去形成自己的独立判断，而不是被动地接受权威的观点。 我还注意到，作者在论述过程中，常常会引用大量的历史文献和艺术理论，但他的叙述却显得游刃有余，并不显得生硬或晦涩。他能够将复杂的理论概念，转化为易于理解的语言，并与具体的艺术实例相结合，让这些理论变得鲜活而有意义。 本书对我最大的影响，是让我改变了对艺术史的学习方式。它让我不再满足于简单地记忆年代和风格，而是渴望去理解艺术作品背后所蕴含的文化、思想和情感。我学会了以一种更加开放和批判性的眼光去审视艺术，去感受艺术带给我的启迪和感动。 总而言之，《美术史十议》是一本充满智慧和人文关怀的艺术史著作。它以一种独特而迷人的方式，为我揭示了艺术史的丰富内涵和内在逻辑。我毫不犹豫地将其推荐给所有希望能够真正走进艺术世界、理解艺术价值的人。
评分我一直认为，艺术史就像是一幅巨大的、不断展开的画卷，而这本书，就像是为我点亮了这幅画卷中无数个隐秘而精彩的角落。之前接触的艺术史书籍，大多倾向于按照时间线索，线性地介绍风格和代表人物，虽然信息量大，但总感觉缺乏一种内在的逻辑联系，像是零散的珍珠，需要我自己去串联。但《美术史十议》完全不同，它以一种“议”的形式，通过对艺术史中一系列核心问题的深入探讨，构建起了一个更为立体和动态的认知框架。 书中对“模仿与创新”这个议题的讨论，让我大开眼界。它没有简单地将艺术发展视为一次次革命性的突破，而是细致地分析了艺术史中普遍存在的模仿、借鉴、化用甚至是对已有传统的“叛逆”。作者通过大量的艺术实例，展示了艺术家如何在前辈的作品中汲取养分，又如何在自己的创作中注入独特的时代精神和个人情感，最终形成新的艺术风貌。这种对艺术史“延续性”的强调，让我不再觉得艺术史是断裂的，而是充满了传承与发展。 我特别喜欢书中对“意义的生成”这一议题的剖析。它不只是告诉你某幅画“是什么”，而是引导你去思考这幅画“为什么会是这样”。作者深入探讨了艺术作品的意义是如何在创作过程中、在社会文化语境中、甚至是在观者与作品的互动中不断生成和演变的。这种对“意义的动态性”的认知，让我不再是 passively 接受艺术品的传递，而是 active 地去参与到意义的建构中。 书中关于“材料的语言”的论述也给我留下了深刻的印象。作者没有把材料仅仅看作是艺术创作的工具，而是将其视为一种能够独立表达意义的“语言”。不同材料的物理特性、历史内涵、甚至是加工的痕迹，都在无形中影响着艺术作品的整体气质和传达的情感。比如，石材的厚重与凝固，木材的温润与易变，金属的光泽与锐利，都在艺术家手中被赋予了独特的生命力。 对“空间与时间”在艺术中的处理方式的探讨，也是本书的一大亮点。作者分析了艺术家如何通过不同的空间构图和叙事手法，来营造不同的时间体验。无论是古典绘画中严谨的透视，还是现代艺术中对二维平面的解放，亦或是对非线性叙事的尝试，都体现了艺术家对空间和时间观念的深刻理解与创造性运用。 我非常欣赏作者在书中提出的“理解的代沟”这个概念。他没有回避艺术史中可能存在的、由于时代背景、文化观念差异而产生的理解隔阂，而是提供了多种思考角度和方法，帮助读者跨越这些障碍。这种对“理解的可能性”的探索，让我觉得艺术史的学习并非是单向灌输，而是充满挑战和乐趣的。 书中对“美学判断的演变”的梳理也极具启发性。作者通过对比不同时期、不同文化背景下的审美标准，揭示了“美”并非一个永恒不变的概念，而是与历史和社会紧密相连。这种对“美学多元性”的认知，让我更加包容和开放地去欣赏各种不同风格的艺术作品。 对我而言，这本书最大的价值在于它激活了我内在的对艺术的好奇心和探索欲。它不是提供一个现成的答案，而是鼓励你去提问，去思考，去形成自己的见解。每次阅读，都像是在进行一场智力上的探险，总能发现新的视角和灵感。 我特别赞赏作者在分析具体艺术作品时，所展现出的那种“庖丁解牛”般的精细。他能够从作品的细枝末节中，解读出背后蕴含的深层含义，并将其与宏观的艺术史发展紧密联系起来。这种“以小见大”的叙事方式，让我觉得艺术分析变得生动而富有说服力。 总而言之，《美术史十议》是一本让我醍醐灌顶的艺术史著作。它以一种极其深刻而又通俗易懂的方式，解答了我心中关于艺术史的诸多疑问，并激发了我更深入的思考。它让我明白，艺术史的学习，不仅仅是记住历史事实，更是去理解人类的创造力、情感表达和文化演变。这本书绝对是我近期阅读过的最令人难忘的作品之一，强烈推荐给所有希望真正走进艺术世界的人。
评分终于找到了一本能够真正触动我灵魂深处的艺术史著作。我一直认为，艺术史的学习，最难得之处在于能够穿越时空的阻隔，与那些伟大的灵魂进行对话，感受他们的喜怒哀乐，理解他们的创作冲动。《美术史十议》恰恰做到了这一点，而且做得非常出色。它不仅仅是知识的传授，更是一种情感的连接，一种思想的启迪。 书中对于“什么是风格”的探讨，颠覆了我以往对风格的刻板印象。我曾以为风格就是某种固定的造型语言或表现手法，但作者却将其描绘成一个流动的、充满生命力的概念。他分析了风格是如何在艺术家个人经验、时代文化、社会需求以及材料技法等多重因素的交织下，逐渐形成的，并且又如何在历史的长河中不断被修正、被转化。这种对“风格的生成与流变”的洞察，让我觉得艺术史的学习过程，就像是在追踪一种无形的生命轨迹。 我特别欣赏书中关于“艺术家的创作冲动”的剖析。作者并没有把艺术家简单地视为才华横溢的匠人，而是深入挖掘了他们内心深处的驱动力——是对真理的探求，是对美的追求，是对社会现实的不满，或是对情感的宣泄。他通过对不同时代、不同文化背景下艺术家的案例分析，展现了艺术创作的复杂性和多样性，让我看到了艺术家们身上那种炽热的生命力。 书中对“艺术与宗教/哲学/政治的关系”的梳理，也让我受益匪浅。作者并没有将这些领域割裂开来，而是强调了艺术与这些宏观力量之间的相互影响和塑造。他论证了艺术是如何在宗教的虔诚中获得灵感，在哲学的思辨中得以深化，在政治的变革中发挥作用。这种对“艺术的社会性与文化根基”的理解，让我看到艺术的真正价值所在。 我非常喜欢作者在书中提到的“解读的可能性”。他并没有给出唯一的、标准化的解读答案，而是鼓励读者根据自己的经验、知识和情感，去与艺术作品进行互动，去生成属于自己的理解。这种对“读者主体性”的强调，让我觉得艺术史的学习过程，是一场充满乐趣和创造性的个人旅程。 本书在论述过程中，常常会引用一些我之前从未听说过的艺术理论或哲学思想，但作者总能将其解释得十分清晰易懂，并与具体的艺术作品紧密结合，让这些深奥的理论变得鲜活起来。这种“化繁为简”的功力，让我觉得受益匪浅。 我注意到，书中对于“材料与工艺”的讨论，并非只是对技术细节的描述，而是深入探讨了材料的物理属性、加工难度以及历史积淀，如何影响艺术家的创作决策和作品的最终呈现。比如，不同种类金属的塑形难度，不同时期颜料的化学成分，都可能成为艺术家灵感的源泉或挑战。 此外，本书在梳理艺术史发展脉络时，并没有一味地强调线性进步，而是关注到了艺术史中的“断裂”、“复兴”和“边缘”现象，这让我看到了艺术史的复杂性和多样性，也让我对那些被主流叙事所忽略的艺术家和艺术形式产生了更浓厚的兴趣。 这本书给我最大的启示在于，艺术史的学习，不仅仅是为了“知道”，更是为了“理解”和“感受”。它让我学会了如何用更敏锐的目光去观察，用更深邃的思考去理解，用更开放的心灵去感受艺术所带来的震撼和启迪。 总而言之，《美术史十议》是一本充满智慧和人文关怀的艺术史著作。它以一种前所未有的方式，将艺术史的知识、思想和情感融为一体，为我打开了一扇通往艺术世界的新大门。我强力推荐这本书给每一个渴望在艺术的世界里有所收获和成长的人。
评分我一直对艺术史情有独钟，但很少有哪本书能像《美术史十议》这样，让我产生如此深刻的共鸣和持续的思考。它不仅仅是一部艺术史的入门读物，更像是一场思想的盛宴，一场灵魂的洗礼，让我对艺术、对历史、对人类的创造力有了全新的认识。 书中关于“艺术的‘价值’是如何被确定的”这一议题的讨论，让我大开眼界。作者没有简单地接受现有的艺术史评价体系，而是深入探讨了“经典”是如何在历史的演进中被建构、被选择、被解读的。他揭示了艺术的价值并非一成不变，而是与社会文化、权力结构以及观者的接受度息息相关。这种对“艺术价值的相对性”的认识，让我对艺术有了更理性的判断。 我特别欣赏书中关于“艺术风格的‘民族性’与‘国际性’”的论述。作者并没有将艺术史的各个流派简单地归类为“东方”或“西方”，而是深入分析了不同文化背景下的艺术如何在交流与碰撞中，既保留了自身的特色，又吸收了外来的元素。他通过对几个关键历史时期艺术风格的细致梳理，展示了艺术的全球化进程是如何复杂而动态的。 书中对“艺术与‘宗教和神话’的关联”的深入探讨，也让我非常着迷。艺术在历史上常常是宗教和神话的载体，艺术家如何通过画面来表现神祇、讲述创世的故事、以及传达信仰的奥秘。作者通过对几个具有代表性的宗教艺术案例的分析，展现了艺术在人类精神世界中的重要作用。 我非常喜欢作者在分析艺术作品时，那种“借古喻今”的睿智。他能够从历史悠久的艺术作品中，找到与当下社会、当下情感的联系，让古老的艺术焕发出新的生命力。这种对“艺术的跨时空对话”的解读，让我觉得艺术史的学习，不仅仅是对过去的追溯，更是对当下的反思。 这本书的可贵之处在于，它并没有将艺术史的学习变得过于学院派，而是用一种极其亲切、富有启发性的方式，让艺术史变得生动有趣。它鼓励我去质疑，去探索，去形成自己的独立判断，而不是被动地接受权威的观点。 我还注意到，作者在论述过程中，常常会引用大量的历史文献和艺术理论，但他的叙述却显得游刃有余，并不显得生硬或晦涩。他能够将复杂的理论概念，转化为易于理解的语言，并与具体的艺术实例相结合，让这些理论变得鲜活而有意义。 本书对我最大的影响，是让我改变了对艺术史的学习方式。它让我不再满足于简单地记忆年代和风格，而是渴望去理解艺术作品背后所蕴含的文化、思想和情感。我学会了以一种更加开放和批判性的眼光去审视艺术，去感受艺术带给我的启迪和感动。 总而言之，《美术史十议》是一本充满智慧和人文关怀的艺术史著作。它以一种独特而迷人的方式，为我揭示了艺术史的丰富内涵和内在逻辑。我毫不犹豫地将其推荐给所有希望能够真正走进艺术世界、理解艺术价值的人。
评分我一直觉得，艺术史就像是一部宏大而精美的史诗，记录着人类文明的轨迹，承载着无数先贤的思想与情感。然而，要真正读懂这部史诗，却需要一位能点亮迷途的向导。《美术史十议》便是这样一位向导，它不仅为我提供了清晰的路径，更在我心中播下了探索的种子。 书中对“风格的演变”这一议题的讨论，让我深受启发。我原以为风格的更迭是一种必然的、线性的过程，但作者却揭示了其中蕴含的复杂性——风格的形成不仅受到艺术家个人创造力的驱动，更与当时的社会文化、技术进步、乃至政治格局紧密相连。他通过对几个关键时期艺术风格变化的详细分析，让我看到了艺术史背后那张交织着多元因素的无形之网。 我特别欣赏书中关于“艺术家与公众的互动”的论述。艺术家并非活在象牙塔里，他们的创作总是与所处的时代和社会环境发生着微妙的联系。作者深入分析了艺术家如何回应公众的期待，如何挑战公众的认知，甚至是如何在与公众的博弈中塑造新的艺术话语。这种对“艺术的社会属性”的强调，让我看到了艺术不仅仅是关于“美”本身，更是关于“人”与“社会”的连接。 书中对“艺术的‘叙事’功能”的探索，也让我大开眼界。艺术家如何通过画面来讲述故事，如何通过色彩和构图来表达情感，如何通过象征和隐喻来传达思想。作者通过分析不同时期、不同文化背景下的艺术作品，展现了艺术在信息传播、观念引导、情感共鸣等方面的强大力量。 我非常喜欢作者在分析具体作品时，那种“抽丝剥茧”的细致。他能够从一幅画作或一件雕塑的每一个角落，挖掘出艺术家倾注的心血和思想。这种对“艺术品的‘微观’解读”，让我觉得每一次阅读，都像是在进行一场细致入微的考古挖掘，总能发现新的惊喜。 这本书的可贵之处在于，它并没有将艺术史的学习变得过于学院派，而是用一种极其亲切、富有启发性的方式，让艺术史变得生动有趣。它鼓励我去质疑，去探索，去形成自己的独立判断，而不是被动地接受权威的观点。 我还注意到，作者在论述过程中，常常会引用大量的历史文献和艺术理论，但他的叙述却显得游刃有余，并不显得生硬或晦涩。他能够将复杂的理论概念，转化为易于理解的语言，并与具体的艺术实例相结合，让这些理论变得鲜活而有意义。 本书对我最大的影响，是让我改变了对艺术史的学习方式。它让我不再满足于简单地记忆年代和风格，而是渴望去理解艺术作品背后所蕴含的文化、思想和情感。我学会了以一种更加开放和批判性的眼光去审视艺术，去感受艺术带给我的启迪和感动。 总而言之，《美术史十议》是一本充满智慧和人文关怀的艺术史著作。它以一种独特而迷人的方式，为我揭示了艺术史的丰富内涵和内在逻辑。我毫不犹豫地将其推荐给所有希望能够真正走进艺术世界、理解艺术价值的人。
评分在我看来，真正好的艺术史著作，不应该只是历史事件的流水账，而应该是一场与过去的灵魂进行的深刻对话。《美术史十议》恰恰做到了这一点。它没有用冰冷的学术语言来武装自己，而是用一种充满人情味的笔触，带领我走进那些曾经鲜活而激荡的艺术岁月。 书中关于“艺术的‘创新’与‘模仿’”的辩证分析，让我重新认识了艺术史的驱动力。我曾以为艺术史就是不断推陈出新的过程，但作者却深刻地揭示了模仿、借鉴、传承在艺术发展中的重要作用。他通过对几个关键历史时期艺术风格的细致梳理，展示了艺术家如何在对前辈作品的致敬与“叛逆”之间，找到自己的创作之路。 我特别欣赏书中关于“艺术与‘社会政治环境’的互动”的论述。艺术家并非生活在真空中，他们的创作总是与所处的时代和社会紧密相连。作者深入分析了艺术如何成为政治宣传的工具，如何成为社会批判的利器，又如何反映和塑造了人们的集体意识。这种对“艺术的社会功能”的深刻洞察，让我看到了艺术更广阔的价值。 书中对“艺术的‘美学原则’的演变”的探讨，也让我受益匪浅。不同时代、不同文化背景下的艺术家，对“美”有着截然不同的理解。作者通过梳理艺术史上的几次重要的美学范式转移，展示了“美”是如何随着历史的发展而不断被重新定义和理解的。 我非常喜欢作者在分析艺术作品时，那种“旁征博引”的丰富性。他不仅会深入分析作品本身，还会将其置于更广阔的文化、哲学、甚至科技背景下进行解读。这种“多维度的审视”，让我觉得每一次阅读，都像是在进行一场跨学科的知识探索。 这本书的可贵之处在于，它并没有将艺术史的学习变得过于学院派，而是用一种极其亲切、富有启发性的方式，让艺术史变得生动有趣。它鼓励我去质疑，去探索，去形成自己的独立判断，而不是被动地接受权威的观点。 我还注意到，作者在论述过程中，常常会引用大量的历史文献和艺术理论，但他的叙述却显得游刃有余，并不显得生硬或晦涩。他能够将复杂的理论概念，转化为易于理解的语言，并与具体的艺术实例相结合，让这些理论变得鲜活而有意义。 本书对我最大的影响，是让我改变了对艺术史的学习方式。它让我不再满足于简单地记忆年代和风格，而是渴望去理解艺术作品背后所蕴含的文化、思想和情感。我学会了以一种更加开放和批判性的眼光去审视艺术，去感受艺术带给我的启迪和感动。 总而言之，《美术史十议》是一本充满智慧和人文关怀的艺术史著作。它以一种独特而迷人的方式，为我揭示了艺术史的丰富内涵和内在逻辑。我毫不犹豫地将其推荐给所有希望能够真正走进艺术世界、理解艺术价值的人。
评分我一直以为，艺术史的学习，是一件相对枯燥和遥远的事情，因为它似乎离我的日常生活太远了，那些古老的雕塑、遥远的油画，总给我一种“可远观而不可近玩”的感觉。直到我翻开《美术史十议》，我才意识到，我之前的认知是多么的片面和狭隘。这本书以一种极其生动、充满活力的方式，将艺术史的魅力展现在我面前，让我第一次感受到艺术史原来如此贴近我们，如此富有生命力。 书中对“何为‘经典’艺术”的探讨，让我非常着迷。作者并没有简单地给出一份“伟大艺术家”的名录，而是深入分析了“经典”是如何在历史的长河中被构建、被选择、被重新解读的。他揭示了“经典”并非一成不变，而是与当时的社会文化、审美趣味以及权力结构息息相关。这种对“经典形成机制”的理性分析，让我不再盲从，而是学会了独立思考。 我特别欣赏书中关于“艺术风格的‘变异’与‘融合’”的论述。作者并没有将艺术史的发展视为一系列独立的、互不相关的风格，而是强调了风格之间是如何相互影响、相互借鉴、甚至是如何在碰撞中产生新的变异的。他通过对几个关键历史时期艺术风格的细致梳理，展示了艺术史的动态性和复杂性，让我看到了艺术发展并非是简单的线性前进。 书中关于“艺术与技术的关系”的讨论，也给我留下了深刻的印象。作者并没有将技术视为艺术的附属品，而是深入分析了技术的发展如何深刻地影响了艺术的创作方式、表现力以及艺术作品的呈现。比如，印刷术的普及如何改变了图像的传播，摄影技术的出现如何挑战了绘画的传统功能，数字技术的兴起又如何重塑了艺术的边界。 我非常喜欢作者在分析艺术作品时，那种“解剖麻雀”般的精细。他能够从作品的色彩运用、笔触肌理、构图布局、乃至签名位置等看似微不足道的细节中，解读出艺术家所要传达的深层含义和情感。这种对“艺术作品的细微之处”的洞察，让我觉得每一次阅读，都是一次新的发现。 这本书的可贵之处在于，它不仅仅停留在对艺术史知识的梳理，更是关注到了艺术史学习者可能遇到的认知障碍和困惑，并提供了有效的解决之道。它鼓励我去质疑，去探索，去形成自己的判断，而不是被动地接受权威的观点。 我还注意到，作者在叙述过程中，常常会引入一些跨学科的视角，比如结合社会学、心理学、哲学等领域的理论来解读艺术现象。这种“多角度的审视”，让艺术史的解读变得更加丰富和深入，也让我看到了艺术史研究的广阔前景。 本书对我最大的影响，是让我改变了对艺术史的看法。它不再是尘封在博物馆里的历史遗迹，而是一部关于人类创造力、情感表达和思想演变的活生生史诗。我学会了以一种更加开放和批判性的眼光去审视艺术，去感受艺术带给我的启迪和感动。 总而言之，《美术史十议》是一本充满智慧和洞察力的艺术史著作。它以一种独特而迷人的方式，为我揭示了艺术史的丰富内涵和内在逻辑。我毫不犹豫地将其推荐给所有希望能够真正走进艺术世界、理解艺术价值的人。
评分我一直认为，艺术史的学习，最难能可贵之处在于它能够让我们超越时空的限制，去感受那些遥远的灵魂所留下的印记。《美术史十议》便是这样一本能够实现这一目标的杰作。它不仅仅是在讲述历史，更是在进行一场跨越千年的对话，将那些沉睡在过去的美术作品唤醒，赋予它们新的生命和意义。 书中关于“艺术风格的‘源头’与‘流变’”的讨论，让我大开眼界。我原以为风格的形成是偶然的，但作者却深入剖析了艺术家在创作过程中所面临的种种选择——是遵循传统、是模仿前人、还是勇于突破？他通过对几个关键历史时期艺术风格的细致梳理，展示了风格是如何在艺术家个体、时代背景以及技术条件的多重作用下，逐渐形成并不断演变的。 我特别欣赏书中关于“艺术与社会思潮的互动”的论述。艺术并非独立于社会而存在，它总是深刻地反映着当时的社会文化、政治思想甚至哲学观念。作者深入分析了艺术如何成为时代精神的载体，如何成为社会批判的工具，又如何引导公众的审美观念。这种对“艺术的社会属性”的深刻洞察，让我看到艺术更广阔的价值。 书中对“艺术的‘表现’与‘象征’”的区分与联系的探讨，也让我受益匪浅。艺术家如何通过具象的画面来表达抽象的情感和思想，如何通过象征性的符号来传达深层的意义。作者通过对不同时期艺术作品的分析，展示了艺术在传达复杂信息和情感方面的独特魅力。 我非常喜欢作者在分析艺术作品时，那种“庖丁解牛”般的精准。他能够从作品的色彩、线条、构图，乃至艺术家所选用的材料和技法，解读出艺术家所要传达的细微情感和深刻思想。这种对“艺术品的‘微观’分析”，让我觉得每一次阅读，都像是在进行一场细致入微的“艺术解剖”。 这本书的可贵之处在于，它并没有将艺术史的学习变得过于学院派，而是用一种极其亲切、富有启发性的方式，让艺术史变得生动有趣。它鼓励我去质疑，去探索，去形成自己的独立判断，而不是被动地接受权威的观点。 我还注意到，作者在论述过程中，常常会引用大量的历史文献和艺术理论，但他的叙述却显得游刃有余，并不显得生硬或晦涩。他能够将复杂的理论概念，转化为易于理解的语言，并与具体的艺术实例相结合，让这些理论变得鲜活而有意义。 本书对我最大的影响，是让我改变了对艺术史的学习方式。它让我不再满足于简单地记忆年代和风格，而是渴望去理解艺术作品背后所蕴含的文化、思想和情感。我学会了以一种更加开放和批判性的眼光去审视艺术，去感受艺术带给我的启迪和感动。 总而言之，《美术史十议》是一本充满智慧和人文关怀的艺术史著作。它以一种独特而迷人的方式，为我揭示了艺术史的丰富内涵和内在逻辑。我毫不犹豫地将其推荐给所有希望能够真正走进艺术世界、理解艺术价值的人。
评分这本《美术史十议》真是彻底颠覆了我过往对艺术史的认知。以往读到的艺术史著作，要么晦涩难懂，充斥着我无法理解的专业术语，要么过于学院派，缺乏一种亲切感和故事性，让我觉得艺术史仿佛是属于少数精英的领域。然而，当我翻开这本书，仿佛走进了一个充满活力、充满对话的艺术殿堂。作者并非只是简单地罗列年代、风格和代表人物，而是以一种极为巧妙的方式，将这些碎片化的信息编织成一张生动而富有洞察力的网。 书中对“风格”的解读尤其令我印象深刻。它没有将风格视为僵化的标签，而是探讨了风格是如何在历史的长河中流动、演变、碰撞，甚至是互相借鉴的。例如，作者在谈到某个时期某个画派的形成时，不仅分析了其内在的艺术革新，更深入地挖掘了当时社会、政治、经济、甚至科技发展对艺术思潮的影响。这种宏观与微观的结合，让我第一次真正理解了艺术并非凭空产生，而是深深植根于其所处的时代土壤之中。 我特别欣赏作者在处理艺术史中的“人物”时，所展现出的细腻笔触。他没有将艺术家塑造成遥不可及的天才，而是还原了他们作为普通人的挣扎、困惑、激情与灵感迸发。那些关于某位艺术家是如何在创作瓶颈期寻求突破，如何在导师的指导下形成个人风格，甚至是在创作中经历情感波折的故事，都让我感到无比亲切和鼓舞。这让我意识到，伟大的艺术作品背后，往往是鲜活的生命在诉说。 书中的“议”字，也让我体会到了作者的良苦用心。他并非是要给出一个唯一的、绝对的答案，而是抛出问题，引导读者去思考，去探索。每一章的结尾，都仿佛是一个开放性的讨论，激起我内心无数的疑问和联想。我常常会在读完一章后，久久不能平静，开始回顾自己曾经看过的画作，试图用书中提供的视角去重新审视它们。这种主动的、互动的阅读体验，是我在其他艺术史书籍中从未有过的。 这本书的可贵之处还在于它对于“理解”的探讨。作者反复强调，欣赏艺术不仅仅是识别风格和年代，更是要去理解艺术作品背后的意义，理解艺术家想要传达的情感和思想。他提供了一些非常实用的方法，帮助我们跨越时代的隔阂，去感受古人的心跳，去理解他们的世界。这种“同理心”式的解读，让我觉得艺术史不再是冰冷的历史陈迹，而是一扇通往过去、通往他人内心的窗户。 我尤其喜欢书中对于“批评”的讨论。作者并没有回避艺术史中存在的争议和批评，而是将它们视为艺术发展不可或缺的一部分。他分析了不同时代、不同背景下的批评观点，以及这些批评如何塑造了艺术的走向。这让我明白，艺术的生命力不仅在于其创造，也在于其不断被解读、被讨论、被挑战。这本书让我学会了带着批判性思维去欣赏艺术，而不是盲目接受。 此外，这本书在论述过程中，常常会穿插一些与当代艺术的联系。作者善于从历史中找到能够映照当下的线索，让我们看到那些看似古老的艺术形式，其实依然有着强大的生命力和现实意义。这种跨越时空的对话，让我对艺术的整体性有了更深刻的理解，也让我更加关注当下艺术的发展。 对我这样一个艺术爱好者来说，《美术史十议》就像是一本“说明书”，它教会我如何更有效地、更深入地去解读和欣赏艺术。它不再是枯燥的文字堆砌，而是变成了一场场精彩的对话，一次次深刻的启发。我常常会把书中的一些观点和朋友们讨论，大家都能从中获得新的认识，这种分享的快乐也让我觉得这本书的价值倍增。 书中对于“材料”和“技法”的探讨也颇有见地。作者并没有将这些视为纯粹的技术层面，而是深入分析了材料和技法如何影响艺术家的创作选择，如何塑造作品的最终面貌。比如，某种颜料的出现如何改变了绘画的表现力，某种雕刻技术的进步如何拓展了造型的可能性。这些细节的挖掘，让我对艺术品的制作过程有了更直观的认识。 总而言之，《美术史十议》是一本真正意义上的“通识读物”，它以一种极其人性化、富有启迪性的方式，带领我走进了丰富多彩的美术史世界。它不仅增长了我的艺术知识，更重要的是，它改变了我看待艺术的方式，让我对艺术的理解和热爱，达到了一个新的高度。我迫不及待地想将这本书推荐给所有对艺术充满好奇的朋友。
评分是好文集，言语平实准确，学术态度清晰稳健，巨细都有照顾到，是所谓中国学者该有的磊落。较之废话连篇，或者用连篇术语坑蒙拐骗的某些中国学术家不知道强了多少辈。100多页的书又很好读，糟糕的仍旧是开本和装帧，可作为一本讨论美术的书籍，选图差到无以复加，真让人沮丧。
评分我喜欢巫鸿的美术史，很人类学。
评分11年7月初读，对英美大馆布展、教育方式及坊间美术史作品传布情况加深了解后重读更增体会。有助某学科思考其典范形成、核心概念社会史，与图像史、视觉文化史、物质文化史勾连。屡屡凸显时间与空间维度张力。画作“历史物质性”与实在的背景架构讨论交融。多处谈如何“看”敦煌
评分入门小书
评分论据和论证高度贴合，文笔全无卖弄的典范之作。美术史也在不断重构，并且带给我们返观自己审美方式的机会。摩西、条幅、墓葬三段最给我启发。
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