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出版者:生活·读书·新知三联书店

作者:[俄] 格奥尔基·普列汉诺夫

出品人:

页数:190

译者:曹葆华

出版时间:1964-12

价格:0.49元

装帧:平装

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《光影的低语：电影叙事结构解析》 一部深入探索光影艺术背后逻辑的著作 本书并非一本关于艺术哲学的宏大论述，也无意评判绘画或雕塑的审美价值。它是一部聚焦于“运动的影像”——电影——其内在构建与叙事机制的深度剖析之作。我们将剥离华丽的视觉外壳，直抵剧本的骨骼、剪辑的脉络以及声音的设计，探究它们如何共同编织出一个能牵动人心的故事世界。 第一部分：剧本的基石——故事的几何学 本部分将电影剧本视为一种严密的几何结构，而非随意的文字堆砌。我们首先考察经典的三幕式结构在现代电影中的演变与变异。 第一章：三幕的重构与解构 我们将详细分析“铺陈（Setup）”、“对抗（Confrontation）”与“解决（Resolution）”这三根支柱。不同于教科书式的简化描述，本章侧重于探讨如何有效地利用“激励事件”（Inciting Incident）的冲击力，以及如何在高潮部分（Climax）设计出多层次的冲突交汇点。我们将引入“负面高潮”（Anti-Climax）的概念，分析其在特定类型片（如黑色电影或后现代主义作品）中如何反转观众的期待，从而达到更深层次的情感共鸣或疏离感。 第二章：场景的张力与节奏的控制 场景不是孤立的片段，而是具有内在张力的单元。我们探讨“场景目的”（Scene Objective）和“场景障碍”（Scene Obstacle）的辩证关系。通过对大量经典对白片段的细致拆解，揭示优秀剧本中“潜台词”（Subtext）的运作方式——即人物真正想说的与实际说出的话之间的鸿沟。节奏的控制不仅关乎剪辑速度，更植根于场景内部的对话频率和信息释放的密度。 第三章：人物弧光的非线性发展 人物弧光（Character Arc）不再是简单的“变好”或“变坏”。本章聚焦于复杂人物的塑造，特别是那些在道德光谱上游移的角色。我们分析“内在需求”（Want）与“真实需求”（Need）的冲突如何驱动人物在故事中做出看似矛盾的决策。此外，探讨“镜像人物”（Foil Character）的功能，他们如何通过对比来凸显主角的特质与困境。 第二部分：银幕上的语法——剪辑与视听语言 电影的真正语言是在剪辑室中完成的。这一部分将深入探讨影像的组织方式，这是将文字转化为可感知的经验的关键步骤。 第四章：连续性剪辑的“隐形法则” 连续性剪辑（Continuity Editing）的目标是让观众忘记剪辑的存在，完全沉浸于叙事中。我们将系统性地梳理“180度线原则”、“视线方向匹配”以及“跳切”（Jump Cut）的严格限制与策略性打破。探讨如何通过精确的“轴线”（Axis）移动，在保持空间感连贯性的同时，巧妙地引导观众的注意力焦点。 第五章：蒙太奇的理论与实践 从爱森斯坦的“吸引力对立蒙太奇”到法国新浪潮对“情感蒙太奇”的探索，蒙太奇是电影的诗意表达核心。本章详细分析不同类型的蒙太奇： 空间蒙太奇： 通过快速切换地点来压缩时间。 辩证蒙太奇： 通过对立画面的并置，产生超越单一画面的新概念。 节奏蒙太奇： 利用画面时长的缩短或延长来制造情绪上的紧迫感或悠远感。 我们还会区分“叙事性剪辑”与“表现性剪辑”，前者服务于情节推进，后者则旨在唤起观众的主观感受。 第六章：景别、运镜与心理投射 不同的景别（如极端特写、中景、全景）对应着不同的心理距离。本章系统分析了景别选择对观众代入感的影响。运镜方面，我们将聚焦于“跟拍”（Tracking Shot）、“摇摄”（Pan）和“推拉”（Dolly In/Out）如何潜移默化地表达人物的情绪状态——例如，缓慢的推镜头如何暗示压抑或专注，而快速的手持镜头则如何制造不安与混乱。 第三部分：超越图像——声音设计与叙事张力 声音常常被视为辅助元素，但实际上，声音设计是叙事张力的重要源泉，它构建了我们对电影世界的感知深度。 第七章：三维声场中的空间定位 本章探讨如何利用声音的“近”与“远”、“清晰”与“模糊”来构建虚拟的空间。我们分析“离轴声音”（Off-Screen Sound）的心理作用——那些未被看见的声音往往比可见的画面更能激发恐惧或期待。如何通过环境声（Ambience）的细微变化，烘托场景的基调，例如在寂静中突然插入的某个特定环境音效，其冲击力远超背景音乐。 第八章：音乐的潜意识引导 电影配乐的精妙之处在于它能在观众意识到之前，就已经完成了情绪铺垫。我们将分析“主旋律”（Leitmotif）如何在不同场景中被重新编排，以反映人物心境的转变。本章尤其关注“非和谐音”（Dissonance）和“调性模糊”在制造悬念和焦虑时的有效性，以及何时应该完全去除音乐，让画面的真实感占据主导。 第九章：对白、噪音与沉默的交响 对白是信息的载体，但沉默却是情感的容器。我们将研究“有意义的停顿”（Meaningful Pause）在强化对白力量中的作用。此外，本章还考察了“噪音”作为叙事工具的潜力，例如工业噪音如何烘托都市的疏离感，或者心跳声如何成为纯粹的主观体验的符号。 结论：系统之外的可能 全书的最终目标是让读者掌握电影叙事的“规则”，以便更好地“打破规则”。最后一部分将回顾那些挑战传统范式的作品，分析它们如何在结构、节奏和声音上进行激进的实验，并最终为电影叙事艺术指明了通往未来的方向。 本书适合所有对电影制作、剧本创作、电影理论感兴趣的读者，它提供了一套系统的工具箱，用以拆解和理解运动影像背后的复杂工程学。

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我尤其欣赏《论艺术》中对“感知”与“理解”之间关系的深入剖析。作者并没有将艺术的体验简单地归结为感官的刺激，而是强调了理解在艺术欣赏过程中的关键作用。他认为，真正的艺术体验，是感官的接收与智性的解读相互作用的结果。我被书中对“象征”与“意义”的阐释所深深吸引，作者解释了艺术家如何通过各种符号来传达信息，而观众则需要通过自身的经验和知识来解读这些符号，从而获得意义。这种互动过程，使得艺术作品本身充满了无限的可能性。书中关于“风格”的探讨也让我受益匪浅，作者并没有将风格视为艺术家个体的独特标记，而是将其置于更广阔的文化和历史语境中进行分析，揭示了风格是如何在传承与创新中不断演变的。这让我意识到，欣赏艺术，不仅仅是欣赏作品本身，更是理解作品背后的时代精神和文化脉络。我喜欢作者的叙事方式，它充满了哲学思辨的深度，又时不时地穿插一些非常贴切的例子，让抽象的理论变得生动易懂。读这本书，我感觉自己不仅仅是在学习艺术的知识，更是在学习如何以一种更深刻、更富于洞察力的方式来感知世界。

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读完《论艺术》，我感觉自己像是经历了一场精神的洗礼。作者的叙述方式非常独特，时而旁征博引，将古希腊的哲学思想融入其中，时而又回归到最朴素的艺术体验，用一种非常接地气的方式来阐述。我特别被书中关于“情感”在艺术中的作用的论述所吸引。作者并没有将情感简单地等同于情绪的宣泄，而是将其视为一种更加复杂、更加深邃的体验，是与个体生命经验、与社会文化背景紧密相连的。这让我重新思考那些触动我的艺术作品，它们之所以能打动我，不仅仅是因为它们的技巧高超，更是因为它们触及了我内心深处的情感，与我的生命体验产生了共鸣。书中对于“观众”的分析也相当到位，作者并没有将观众视为被动的接受者，而是强调了观众在解读和赋予艺术作品意义过程中的主动性。每一次的观看，每一次的聆听，每一次的阅读，都可能是一个新的创造。这极大地拓展了我对艺术的理解，我不再只是一个旁观者，而是一个参与者，一个共同创造者。我尤其欣赏作者在讨论“真实”与“虚构”时所展现出的 nuanced approach，他没有简单地否定虚构的价值，而是揭示了虚构如何能够反映甚至超越现实。这本书的语言非常有感染力，读起来不像一本枯燥的学术著作，反而像是一位饱学之士在向你娓娓道来，充满智慧和启发。

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这本书的名字叫《论艺术》，但我拿到手后，感觉它更像是一次跨越时空的哲学对话。作者的笔触非常有力量，仿佛在用一种古老而深沉的声音与我们交流。我特别喜欢书中对“美”的探讨，它不像我们平常理解的那样，仅仅是视觉上的愉悦，而是将美置于一种更广阔的存在论语境中。我时常会停下来，回味作者提出的那些关于“形式”和“内容”相互依存的观点。他没有简单地将它们割裂开来，而是强调了二者之间那种密不可分、相互塑造的关系。在我看来，这是一种非常深刻的洞察，它让我们重新审视那些看似理所当然的艺术作品。当我读到关于“模仿”与“创造”的章节时，更是被作者的逻辑所折服。他并没有一味地赞美原创，而是指出了模仿背后所蕴含的学习、传承乃至创新的可能性。这让我联想到历史上那些伟大的艺术家，他们是如何从前人的作品中汲取养分，最终形成自己独特的风格。这种辩证的思考方式，让这本书不仅仅是关于艺术的理论，更像是关于如何理解世界、如何进行创造的一本指南。尽管有时会觉得书中某些部分的论证有些艰深，需要反复琢磨，但每一次的深入理解，都像是在内心深处点亮了一盏灯，照亮了之前模糊不清的角落。我确信，这本书的价值绝不仅仅在于它提供的知识，更在于它引导我们思考的方式。

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这本书给我最深刻的印象是它对艺术的“社会性”维度的深刻挖掘。作者并没有将艺术孤立地看待，而是将其置于一个更宏大的社会历史背景下进行考察。他探讨了艺术是如何在不同时代、不同文化中扮演不同的角色，如何反映社会变迁、如何影响公众认知。我特别喜欢书中关于“艺术与权力”的章节，作者以一种非常敏锐的视角，揭示了艺术在权力结构中的复杂互动，以及艺术如何被用作工具，或反抗，或强化现有秩序。这让我对很多历史上的艺术品有了全新的认识，原来它们背后隐藏着如此多的故事和较量。书中对“审美趣味”的演变也进行了详尽的分析，作者并没有简单地将其归结为个人喜好，而是将其视为一种社会建构，与经济、教育、阶级等多种因素息息相关。这让我意识到，我们当下所认为的“好”与“不好”，很大程度上也是时代和社会赋予的烙印。这本书的分析逻辑非常严谨，但又不失人情味，作者在引用大量史实和理论的同时，也穿插了许多生动的案例，使得整个阅读过程既充实又引人入胜。我感觉它不仅仅是一本关于艺术的理论书，更是一本关于人类文明进程的读物。

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《论艺术》这本书，在我看来，是一本非常有“野心”的著作。它试图从一个非常宏观的视角来审视艺术的本质，以及艺术在人类文明中的地位。我特别被书中关于“艺术的普遍性”的论述所打动。作者并不认为艺术是某种特定文化或文明的专属产物，而是将其视为一种贯穿人类历史、跨越文化界限的普遍需求和表达方式。这种观点让我感到非常振奋，它消除了许多关于艺术的边界感，让我觉得艺术是我们共同的遗产。书中对“技术”在艺术发展中的作用的探讨也颇有见地，作者并没有将技术视为艺术的附属品，而是强调了技术如何深刻地影响艺术的形态、传播和接受。他论证了每一次技术革命，都伴随着艺术形式的巨大变革，这让我对当下数字化浪潮下的艺术发展有了更深的理解。我欣赏作者在书中展现出的那种宏大的历史视野，他能够将不同的艺术流派、不同的历史时期串联起来，形成一个 coherent 的整体。尽管书中涉及的领域非常广泛，有时会让我感觉信息量巨大，但作者的行文流畅，逻辑清晰，能够引导读者一步步深入。它不是一本能够让你“速成”的书，而是一本需要你静下心来，细细品味，反复思考的书。

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19世纪文化人类学评述嘛

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极度唯物

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一言以蔽之，劳动先于艺术。

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劳动先于游戏 先于艺术

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在原始民族的藝術中阐述物質生活條件對於思想的影響。