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☆☆☆☆☆

出版者:商务印书馆

作者:[英] 鲍桑葵

出品人:

页数:685

译者:李步楼

出版时间:2016-11

价格:115.00

装帧:平装

isbn号码:9787100124010

丛书系列:商务·权威全译本

图书标签:

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艺术的幽光：从古希腊到后现代的审美变迁 图书简介 本书旨在深入探究人类审美观念的漫长演变历程，追溯“美”这一核心概念在不同历史时期、不同文化语境下的具体形态、理论基础及其社会功能。我们不再将审美视为一种孤立的、纯粹的感官愉悦，而是将其置于宏大的历史、哲学、社会和技术变迁的背景之下进行考察。全书结构清晰，脉络分明，旨在为读者构建一个既有深度又具广度的审美思想地图。 第一部分：古典的回响——秩序与和谐的奠基（约公元前 5 世纪至中世纪早期） 本部分聚焦于西方文明审美观念的源头——古希腊哲学。我们将从毕达哥拉斯对数的迷恋谈起，探讨其如何将和谐（Harmonia）提升至宇宙论和形而上学的层面。柏拉图的“理念论”是理解古典审美的关键支点。美，在此不再是感官的俘虏，而是可被理性把握的“善”的可见形式。我们详细分析了《会饮篇》中关于爱（Eros）的上升路径，即从肉体之美导向灵魂之美，最终抵达纯粹理念之美的精神攀升。 紧接着，亚里士多德的转向被深入剖析。他将美从柏拉图的彼岸拉回尘世，通过对模仿（Mimesis）的理论化，确立了艺术作品的本体论地位。我们探讨了《诗学》中对悲剧的净化（Catharsis）的界定，揭示了古典审美中蕴含的伦理教化功能。 罗马时期，审美转向实用与宏大。维特鲁威的建筑三要素——坚固、实用、美观——构成了古典主义对技术与艺术融合的最初尝试。这一时期的“美”，是清晰的比例、清晰的结构与帝国的意志的统一。 中世纪的审美则彻底被神学光芒所笼罩。我们审视了“光”的象征意义。从圣奥古斯丁对内心真理的探寻，到伪狄奥尼修斯对“神圣的不可名状之美”的描述，美成为了可被启示而非可被完全理解的存在。哥特式大教堂的向上拔升感、复杂的花窗玻璃对“神圣之光”的捕捉，是这种审美哲学的物质化体现。美与真理、善的统一性，在此达到了宗教的顶峰。 第二部分：觉醒与重塑——主体性与技艺的回归（文艺复兴至启蒙运动） 文艺复兴标志着人类主体意识的复苏。美学思想的重心从对神性的依附转向对人及其潜能的赞颂。我们细致考察了透视法、黄金分割在绘画和建筑中的应用，这不仅是技术的进步，更是人能够以理性之尺规度世界的自信心的体现。人文主义者重新发掘古典文本，试图在人与自然之间寻找新的和谐比例。 巴洛克时期（17世纪）的审美则体现了动荡时代的戏剧性与情感的爆发。与古典的宁静相对，巴洛克追求运动、对比与激情。卡拉瓦乔的光影处理、贝尼尼雕塑中的瞬间定格，都揭示了人们对强大情感体验的渴望。 17世纪后期至18世纪，随着科学革命的深入，理性主义对美学的渗透达到了新的高度。这一阶段的核心议题是“判断力”。从莱布尼茨的“无矛盾律”到沃尔夫对“清晰性”的强调，美被纳入了一种可以被分析和归类的系统之中。 随后，启蒙运动带来了审美的重大转向——主体性（Subjectivity）的兴起。英国经验主义美学家如休谟和柏克，开始质疑“美是事物本身”的客观论断，转而关注审美情感的产生机制。休谟的《论标准》标志着对客观标准的怀疑，而“趣味”（Taste）的概念首次被确立为审美的核心判准。 启蒙运动的另一重要成就，是对“崇高（Sublime）”的理论化。柏克在《论崇高与美观念之起源》中，将崇高定义为一种由恐惧、危险和无限所激发出的强烈快感，它超越了和谐与比例所带来的温和愉悦，揭示了人类精神面对不可控力量时的震撼体验。这为浪漫主义的爆发埋下了伏笔。 第三部分：革命与系统化——美学哲学的独立（康德至黑格尔） 康德的《判断力批判》是西方美学史上的里程碑。康德成功地调和了经验主义（主观感受）与理性主义（普遍有效性）的矛盾。他提出了“无利害的合目的性”作为审美判断的独特标准。我们深入探讨了康德对“美”与“崇高”的区分，前者关乎形式的愉悦，后者关乎精神的震撼。康德将审美判断置于知识（知性）与目的（理性）之间的桥梁地位，为美学的独立学科地位奠定了坚实的哲学基础。 浪漫主义（19世纪初）是对启蒙理性秩序的反叛。他们高举情感、直觉、天才与无限的旗帜。审美不再是模仿或判断，而是创造与表达。对自然的狂野与神秘的探索、对民间艺术与中世纪遗迹的重新发掘，以及对“天才”的崇拜，都标志着主体经验的空前膨胀。 黑格尔的登场，将审美提升至“绝对精神自我显现”的终极阶段。在黑格尔的体系中，艺术是精神从感性形式中解放出来的过程。他划分了象征型、古典型和浪漫型三种艺术形态，并预言了艺术的“终结”——即艺术最终将让位于哲学和宗教，因为精神的最高自我认识不再需要感性的中介。这一论断对后世的艺术批评产生了深远影响。 第四部分：现代的迷失与重构——意义的消解与媒介的革命（19世纪末至20世纪） 19世纪末，随着工业化进程和尼采对传统形而上学的颠覆，美学开始进入现代性的复杂阶段。尼采的“酒神精神”与“日神精神”的对立，挑战了自苏格拉底以来对和谐与理性的过度推崇，强调了生命意志与痛苦的肯定性。 象征主义和唯美主义（如王尔德）将审美推向了“为艺术而艺术”（Art for Art's Sake）的极端，审美活动成为对抗庸俗世界的最后堡垒，美与道德的关联被彻底割裂。 20世纪初的现代主义运动彻底瓦解了传统的审美框架。立体主义、未来主义、表现主义等，不再追求对既有现实的模仿或和谐的再现，而是聚焦于媒介本身的特性、主体的内在经验以及对社会现实的批判。对“美”的追求被“有效性”或“冲击力”所取代。 法兰克福学派（阿多诺）对文化工业的批判，揭示了大众传媒如何将审美体验商品化和僵化，使得真正的审美反思几乎不可能。 后结构主义和后现代思潮（如利奥塔、德里达）则标志着对宏大叙事的终结。他们关注碎片化、混杂性、对中心主义的解构。在这一时期，审美判断不再依赖任何普遍标准，而是植根于特定的语境、权力关系和符号游戏之中。艺术不再追求确定性的意义，而是致力于揭示意义自身的不确定性和建构性。 本书的价值在于，它提供了一条清晰的叙事线索，展示了人类如何从对宇宙秩序的敬畏，逐步过渡到对主体情感的探索，最终在复杂的技术与社会结构中，重新审视“美”的边界与意义，而非仅仅停留在对具体艺术流派的罗列。这是一部关于“我们如何看待美”的历史，而非关于“什么是美”的教条。

评分☆☆☆☆☆

作者自称为黑格尔主义者，写作的过程始终按照黑格尔的理念论的角度进行美学史的贯穿，是美学爱好者必读的著作。  

评分☆☆☆☆☆

校對很多錯誤，真不負責任啊，看來還是要讀舊的譯本比較好。太不認真了。校對很多錯誤，真不負責任啊，看來還是要讀舊的譯本比較好。太不認真了。校對很多錯誤，真不負責任啊，看來還是要讀舊的譯本比較好。太不認真了。校對很多錯誤，真不負責任啊，看來還是要讀舊的譯本比較...

评分☆☆☆☆☆

作者自称为黑格尔主义者，写作的过程始终按照黑格尔的理念论的角度进行美学史的贯穿，是美学爱好者必读的著作。  

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评分☆☆☆☆☆

从哲学的角度谈论美学,这就仿佛是爸爸在教育小孩.因为西方美学是西方哲学的一个分支.随着时间的推移,美学的地位在逐渐上升,逐渐变成与哲学并列的文化范畴. 鲍桑葵本人是新黑格尔学派的哲学家,站在爸爸的角度去审视小孩的成长历程,少了很多诡辩,和画家著论相比流派的意识并不强...  

评分☆☆☆☆☆

我最近花了些时间阅读了这本《美学史》，感觉这本书在某些方面表现出色，但在另一些方面则显得乏力。作者在梳理西方美学思想从古希腊到启蒙时代的演变过程中，展现了扎实的学识功底。对于古希腊关于和谐、比例、模仿的讨论，以及中世纪神学对美的渗透，特别是圣奥古斯丁和托马斯·阿奎那的观点，都进行了较为详尽的介绍。让我印象深刻的是，作者在阐述文艺复兴时期人文主义对美学的影响时，引用了大量当时的艺术作品和理论文献，试图连接理论与实践。特别是对美学概念从“善”与“真”的分离，以及走向独立的审美判断的历程，描述得颇具匠心。然而，当阅读到近现代美学部分时，我感觉作者的笔触就变得有些收敛了。对于十九世纪末和二十世纪初，诸如尼采的酒神精神与阿波罗精神的对立，或者瓦格纳的“总体艺术”构想等革命性的美学思潮，书中虽然提及，但未能进行深入的批判性分析。此外，像胡塞尔的现象学美学，或者海德格尔关于“艺术作品的起源”的思考，这些在现代美学史上至关重要的理论，在本书中似乎未能得到充分的展现，显得有些“点到为止”。这使得全书的现代美学部分，感觉像是对既有成果的简单罗列，而缺乏对这些思潮如何深刻改变了我们对艺术和美的认知进行有力的论证。

评分☆☆☆☆☆

这本书我最近刚读完，老实说，阅读体验相当复杂。一开始抱着极大的热情，因为“美学史”这个主题本身就充满了吸引力，我一直对人类是如何理解和创造美的过程充满好奇。这本书的开篇，对古希腊时期美学思想的梳理，确实很有条理，也让我对柏拉图和亚里士多德关于模仿、和谐与比例的论述有了更清晰的认识。作者在阐述时，引用的史料和文献都很扎实，读起来感觉很有厚重感。但是，随着内容的推进，我发现叙述的节奏开始变得有些不稳。尤其是在进入中世纪和文艺复兴时期时，虽然提到了神学对美的影响，以及人文主义思潮的兴起，但感觉对这些转折点的分析力度不够深入。我期待能看到更多关于当时艺术家、哲学家是如何在宗教和世俗之间寻找美学平衡的细节，以及不同地域、不同文化背景下美学观念的细微差异。但很多时候，作者似乎更倾向于列举观点和理论，而对于这些理论是如何在艺术实践中体现，以及它们如何影响当时人们的审美趣味，则略显模糊。例如，在讨论达芬奇的比例原则时，我希望能看到更多关于他作品具体分析的例子，而不是仅仅提及他的理论。这种信息量的不均衡，让我在阅读过程中，有时会感到信息碎片化，难以形成一个连贯、立体的理解。

评分☆☆☆☆☆

坦白讲，这本书带给我的惊喜和失落并存。一开始，我被它宏大的标题所吸引，心想终于能找到一本全面梳理美学发展历程的著作了。书的前半部分，对于古代文明，特别是中国古代哲学思想与艺术美学的早期萌芽，如“意境”、“神韵”等概念的介绍，给了我不少启发。作者尝试将不同文化背景下的美学思想进行初步的联系，这让我觉得这本书的视野还是比较开阔的。然而，在读到欧洲中世纪和文艺复兴时期时，我发现内容开始变得有些“蜻蜓点水”。虽然提到了基督教美学的影响，以及一些艺术家的实践，但感觉像是在陈述事实，缺乏深入的分析。我期待看到的是，在那个时代，美学观念是如何与宗教教义、社会阶层、技术发展等因素相互交织，从而产生具体的艺术形式和审美取向。书中对这些复杂互动关系的挖掘不足，让我觉得有些遗憾。而且，在某些章节，作者的叙述方式显得过于学术化，术语堆砌，有时读起来会感到晦涩难懂，需要反复查阅资料才能理解。这让我怀疑，这本书究竟是面向普通读者，还是更偏向于专业的研究者。我希望一本“美学史”能够兼顾学术的严谨性和大众的可读性，而这本书在这方面，似乎有所偏颇。

评分☆☆☆☆☆

作为一名对艺术史略知一二的读者，我翻阅这本书的初衷，是想系统地了解西方艺术审美观念是如何一步步演变至今的。这本书在梳理早期西方美学思想方面，的确下了不少功夫，比如对古希腊“卡隆”概念的阐释，以及对罗马时期实用性美学的探讨，都相当详尽。作者在处理古典时期到浪漫主义时期的过渡，特别是十八世纪启蒙运动对美学理论的冲击，也做得比较到位。关于康德的“无利害的审美判断”，以及席勒将美学作为自由和道德的桥梁，这些核心思想都有清晰的阐述，也让我对理性主义美学有了更深层次的理解。然而，当我深入到现代美学部分时，这本书的视角似乎就有些局限了。我原本期待能看到更多关于现代主义艺术流派，如印象派、表现主义、立体主义等，是如何挑战传统审美观念，以及这些艺术运动背后的哲学和社会动因。此外，对于二十世纪后，后现代主义、解构主义等思潮对美学概念的颠覆性影响，书中似乎提及不多，或者说分析得不够透彻。例如，布尔迪厄的“文化资本”理论，或者福柯关于知识与权力如何塑造审美规范的观点，在本书中几乎找不到踪迹。这让我感觉，这本书的美学史脉络，在进入近现代后，就显得有些停滞不前，未能充分反映当代美学研究的广度和深度。

评分☆☆☆☆☆

老实说，我抱着极大的期望来阅读这本书，毕竟“美学史”这个题目本身就意味着一段波澜壮阔的文明探索之旅。这本书在描绘早期人类对美的感知和早期艺术形式的产生方面，确实提供了一些有趣的视角。我尤其喜欢作者对原始社会巫术艺术、图腾崇拜与美学之间关联的探讨，感觉像是在挖掘人类文明最本源的审美冲动。接着，书中对于东方，尤其是中国古代关于“气韵生动”和“诗中有画，画中有诗”等独特的美学理念的介绍，也让我眼前一亮，感受到不同文化背景下审美的多样性。然而，在转入西方美学史的主线时，我的阅读体验就逐渐变得平淡起来。从古希腊的模仿说，到中世纪的神学美学，再到启蒙时代的理性主义，这些内容虽然详实，但往往止于概念的堆砌，缺少生动的故事和鲜活的人物。我更希望看到的是，在那些伟大的美学理论诞生背后，是怎样的历史事件、社会变革以及艺术家的实践在推动着它们的发展。书中对于这些“为什么”和“怎么做”的探讨略显不足，使得整个叙述显得有些干巴巴的。例如，在讨论康德的美学理论时，我期望能看到更多关于他如何从前人的思想中汲取养分，又是如何挑战了当时的既有认知，而不是仅仅陈述他的“先天范畴”和“先验感性”。这种叙述方式，让我在阅读过程中，感觉更像是在背诵一份知识清单，而不是在参与一场跨越时空的智慧对话。

评分☆☆☆☆☆

翻译不如张今。

评分☆☆☆☆☆

坚持到了第13章为止……

评分☆☆☆☆☆

坚持到了第13章为止……

评分☆☆☆☆☆

有几章还是值得再看一下的。黑格尔之后真的太庞杂了，我竟然坚持看完了。。。

评分☆☆☆☆☆

绝对的上品之作，但是腰封的“入门”字样是对本书对大的误导，请相信，如果没有对西方美学史这样辉煌历史的熟稔，阅读这本书将是痛苦的，但跋山涉水的努力终究是有回报的～～