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出版者:商智文化事業股份有限公司

作者:朱中愷

出品人:

页数:224

译者:

出版时间:1998-7-20

价格:NT$220

装帧:平装

isbn号码:9789576671609

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深入探索古典音乐的辉煌殿堂：《乐章的轨迹：从巴赫到德彪西的欧陆风云》 内容提要： 本书并非聚焦于光影变幻的现代艺术，而是带领读者穿越时空，沉浸于欧洲古典音乐长达数百年的宏伟叙事之中。我们追溯了从巴洛克时代的严谨对位到浪漫主义的汹涌情感，再到印象派的朦胧诗意，深入剖析了不同历史时期音乐风格的演变、核心作曲家的创作哲学及其作品背后的文化与社会动因。全书以精妙的音乐分析和丰富的历史背景交织，构建了一幅清晰而立体的古典音乐发展路线图，旨在为严肃的音乐爱好者、专业学生乃至初涉此领域的求知者，提供一份兼具学术深度与阅读乐趣的指引。 --- 第一章：巴洛克之光——理性与激情的交织 本章聚焦于十七世纪初至十八世纪中叶的欧洲音乐领域，彼时，音乐的建筑美学达到了一个高峰。我们首先探讨了巴洛克风格的诞生背景，尤其是在意大利歌剧兴起和宗教音乐改革的推动下，对位法和数字低音（Basso Continuo）如何成为构建音乐结构的基石。 重点解析了约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（Johann Sebastian Bach）的音乐世界。不同于许多人将巴赫视为一个纯粹的“神学家”或“数学家”，我们更着眼于其作品中蕴含的巨大情感张力。《赋格的艺术》中的逻辑推演并非冰冷的公式，而是心灵对宇宙秩序的探求；《平均律钢琴曲集》则展现了对键盘乐器表现力的革命性拓展。本书将详细拆解《马太受难曲》的戏剧张力与和声复杂性，揭示其在神学叙事下对人类灵魂状态的深刻描摹。 同时，乔治·弗里德里克·亨德尔（George Frideric Handel）的风格被置于一个更具“公共性”的框架下考察。他的清唱剧，尤其是《弥赛亚》，如何从最初的贵族娱乐转向民众精神寄托，分析了其宏大合唱的结构技巧，以及如何通过音乐驱动叙事和情感高潮。此外，维瓦尔第的协奏曲体裁的标准化，也为后世管弦乐的发展奠定了关键的蓝图。本章力求展现巴洛克音乐如何在高度的规范性中，释放出惊人的创造力和表现力。 第二章：古典主义的秩序美学——清晰、平衡与人文精神 进入十八世纪中后期，欧洲社会思潮转向启蒙运动，这直接影响了音乐语言的转向——从巴洛克时期的繁复装饰过渡到古典主义对清晰、平衡与普适性（Universal Appeal）的追求。 海顿（Franz Joseph Haydn）被誉为“交响曲之父”和“弦乐四重奏之父”，本章将论述他如何系统化地确立了奏鸣曲式（Sonata Form）的结构逻辑，使其成为古典时期音乐叙事的标准范式。我们分析了海顿晚期“伦敦交响曲”中对规模和戏剧性的把握，探究他如何通过幽默、惊喜和精妙的乐思发展，构建出一种既严谨又充满人情味的音乐对话。 沃尔夫冈·阿玛多伊斯·莫扎特（Wolfgang Amadeus Mozart）的章节则侧重于其无与伦比的旋律天赋与情感深度之间的完美融合。我们对比分析了其早期萨尔茨堡时期的作品与维也纳时期，尤其是晚期三部交响曲（第39、40、41号）和歌剧《唐璜》中的复杂人性刻画。莫扎特的音乐，常常在表面光洁无瑕的旋律下，隐藏着深刻的悲剧意识和哲学思考，这是本书着重挖掘的层面。 本章的收尾部分，将简要介绍路德维希·凡·贝多芬（Ludwig van Beethoven）早期向古典主义的过渡，特别是《第一交响曲》如何吸收了海顿和莫扎特的遗产，并暗示了其未来革命性的方向。 第三章：贝多芬的巨变——从古典到浪漫的桥梁 贝多芬是音乐史上一个不可逾越的里程碑。本章专门探讨他是如何打破古典主义的框架，为浪漫主义开辟道路的。我们将重点剖析“中期”作品，例如“英雄交响曲”，分析其如何将音乐从纯粹的审美对象提升为表达个人意志、英雄主义和宏大叙事的载体。 对《第九交响曲》的分析，不仅仅是音乐技巧的展示，更是对人类理想的颂歌。本章将细致考察贝多芬在结构上的突破——例如扩大发展部、在终曲中引入人声——以及他如何运用动机的深化发展来贯穿整部作品，实现音乐叙事的统一性。同时，探讨他晚期风格（如晚期弦乐四重奏）的内省性、对传统形式的挑战，以及对未来音乐家产生的深远影响。 第四章：浪漫主义的澎湃浪潮——主观情感的无限释放 十九世纪，工业革命、民族主义和个体解放思潮兴起，音乐的重心彻底转向了作曲家自身的内心世界和无限的想象力。 舒伯特（Franz Schubert）被视为浪漫主义歌曲（Lied）的奠基人，本章将分析他如何将诗歌的意境与钢琴伴奏的“色彩感”完美结合，解析《冬之旅》等套曲中，内省的忧郁和对自然的依恋。 罗伯特·舒曼（Robert Schumann）与弗雷德里克·肖邦（Frédéric Chopin）的篇章，将聚焦于“钢琴诗人”的形象。舒曼作品中对文学和民间传说的引用，以及他内心多重人格的交织，如何体现在《狂欢节》等作品的微型化叙事中。肖邦的作品，则集中于对波兰民族精神的提炼以及钢琴演奏技艺的革新，特别是夜曲和叙事曲的独特美学。 约翰内斯·勃拉姆斯（Johannes Brahms）代表了对浪漫主义的“内敛”倾向。本章将讨论他如何在继承贝多芬严谨结构的同时，用德奥传统（“绝对音乐”）来表达深沉的、克制的浪漫情怀，并将其与李斯特和瓦格纳的“标题音乐”流派进行对比。 第五章：民族主义与音乐的边界拓展 十九世纪后半叶，欧洲各国开始有意识地从本国民间音乐、民间传说中汲取灵感，形成了强烈的民族主义音乐流派。 本章将深入探讨俄国“五人组”（穆索尔斯基、林姆斯基-科萨科夫等）如何将俄罗斯的史诗和民间旋律融入宏大的交响诗和歌剧创作中；捷克的德沃夏克（Antonín Dvořák）和斯美塔那（Bedřich Smetana）如何将波西米亚的舞蹈节奏和乡村风貌融入其代表作，例如《自新大陆交响曲》中对异域（美国）体验的音乐表达。这些音乐不仅是民族身份的象征，也是作曲家拓展音乐语汇的重要途径。 第六章：晚期浪漫主义与印象主义的黎明 十九世纪末，音乐的调性系统开始松动。理查德·瓦格纳（Richard Wagner）的“整体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）理念对后世产生了颠覆性影响，他的半音化和弦和无限旋律如何挑战了传统和声的稳定性。 古斯塔夫·马勒（Gustav Mahler）的巨型交响曲，被视为浪漫主义的终结和一种对现代焦虑的预言。本章分析了马勒作品中对人声的运用、对田园牧歌与死亡主题的并置，以及其音乐中表现出的对宏大哲学命题的执着追问。 最后，本章过渡至对法国印象派的探讨。克劳德·德彪西（Claude Debussy）的音乐，以其对音色（Timbre）的极端重视、对传统功能和声的解构，以及对非西方（如五声音阶）元素的运用，标志着一个新时代的开启。我们将分析《牧神午后前奏曲》如何营造出一种“朦胧的、流动的”听觉体验，如同捕捉转瞬即逝的印象，为二十世纪的音乐变革铺平了道路。 结论：古典音乐作为历史的镜像 全书最终总结道，古典音乐的发展史，实则是欧洲思想史、社会变迁史与审美哲学不断碰撞、演进的记录。从巴洛克对神圣秩序的敬畏，到启蒙运动对理性的赞颂，再到浪漫主义对个体情感的无限崇拜，直至印象派对感官体验的捕捉，每一部伟大的作品都是其时代精神最凝练的物化形态。本书希望通过对这些音乐巨著的细致梳理，让读者得以穿越时空，与那些永恒的思想进行深刻的对话。

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我是一个对时间轴敏感的人，所以我更偏爱那些能帮我建立起清晰历史框架的作品。我希望这本书能像一个导游一样，带领我走过电影音乐从默片时代的现场伴奏，到二十世纪中叶管弦乐的辉煌，再到电子音乐和合成器全面介入的现代潮流。我特别想知道，技术进步是如何一步步改变作曲家的创作工具和最终呈现的效果的。比如，从磁带剪辑到数字音频工作站（DAW）的转变，对电影情绪的塑造产生了多大的影响？另外，我也很期待能看到关于那些被低估的配乐家的介绍，不仅仅是那些家喻户晓的名字，那些在独立电影或者特定类型片中做出开创性贡献的人，他们的故事往往更鼓舞人心。如果作者能加入一些那个时代的发声设备和录音技术的介绍，那就更完美了，这样我仿佛能‘听’到那个年代特有的声音质感。我需要的是那种能让我站在历史的交叉路口，俯瞰整个电影配乐发展轨迹的宏大视角。

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说实话，我本来以为这会是一本很“硬核”的专业书籍，里面充斥着大量的乐理分析和和声进行图表，可能会让我这个半吊子的影迷望而却步。但是，翻开前几页我就发现我错了，它的叙事方式异常生动活泼，更像是一个经验丰富的电影发烧友在跟你分享他的心头好。作者似乎很懂得如何将复杂的音乐概念转化为普通人也能理解的语言，用讲故事的方式来拆解配乐的精妙之处。比如，它不是简单地说“这里的和弦转调很出色”，而是会描述那个瞬间，当主角做出一个艰难决定时，低音提琴是如何缓缓沉下去，暗示着命运的沉重。这种细腻入微的观察，让我对很多之前只是“觉得好听”的片段有了全新的认识。我尤其欣赏它对不同国家和地区电影音乐风格差异的探讨，比如探讨了欧洲古典主义对好莱坞黄金时代的影响，以及亚洲电影配乐中那种独特的留白美学。这不仅仅是一本关于“听”的书，更是一本关于“看”和“感受”的书，它拓宽了我对电影艺术的理解边界。

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这本书拿到手的时候，我就被它那种厚重却又充满灵气的质感吸引住了。我个人对电影的热爱是那种深入骨髓的，不仅仅是看情节和演员，更是对那些构建起银幕世界的“声音”着迷。所以，当我翻开这本书时，我期待的是能找到一条清晰的脉络，带我穿越那些光影交错的瞬间，去探寻那些旋律是如何与画面完美融合的。我记得有一次看一部老电影，片尾的主题曲响起时，我几乎要流泪，那种情感的共振，这本书似乎能帮我解码。我特别希望它能深入地剖析一些经典配乐的创作心路，比如约翰·威廉姆斯是如何捕捉到《星球大战》那种史诗感的，或者汉斯·季默在《盗梦空间》里那种层层递进的焦虑感是如何通过音符实现的。如果这本书能提供大量的幕后故事，甚至是一些作曲家未曾公开的笔记和手稿的解析，那就太棒了。我期待的不是枯燥的理论分析，而是能感受到创作者在面对一个宏大叙事时，如何将情感雕刻成听觉的艺术品。光是封面设计上那种略带复古的排版，就已经让我感觉仿佛进入了一个老式胶片放映厅，准备好迎接一场听觉的盛宴。

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我购买这本书的动机比较功利——我正在尝试自己为一些短片创作配乐，但总感觉自己的音乐缺乏“电影感”。所以我更需要的是一本能提供实际操作指导，或者至少是能启发我跳出固有思维模式的指南。我希望书中能有关于“情绪蓝图”的构建方法，比如，如何将一个复杂的剧本情绪转化为音乐的结构大纲。我不关心纯粹的理论，我关心的是如何用音乐去“操控”观众的情绪反应——如何制造紧张感，如何精准地推进高潮，以及最重要的，如何让音乐在影片结束时留下一丝回味而不是戛然而止的空虚。如果作者能分享一些“禁忌”或者“误区”，比如哪些类型的音乐在特定场景下是灾难性的，那对我来说价值连城。我需要的不是一篇篇独立的乐评赏析，而是一本能像工具书一样，在我创作卡壳时，能提供方向和灵感的“方法论”宝典。我希望它能让我明白，一个好的配乐师，首先是一个懂得如何讲故事的导演。

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这本书的装帧和设计简直是艺术品，但更重要的是，它在内容上展现出一种非常独特的视角：将音乐视为一种叙事载体，而不是单纯的背景装饰。我是一个非常注重细节的人，通常一部电影的配乐如果处理不好，会让我出戏。我关注的是配乐如何巧妙地填补对话的空白，如何预示即将发生的事情，或者如何通过主题旋律的变化来反映角色的内心成长。我希望这本书能深入探讨“潜台词”的音乐表达，比如某个角色的标志性动机（Leitmotif）是如何随着剧情发展而扭曲、升华或彻底消亡的。我特别期待看到一些对“寂静”使用的分析，因为有时候，什么都不放，比任何华丽的交响乐都更有力量。这本书如果能有大量的图例，比如用五线谱标注出关键时刻的旋律走向，并配上作者精辟的解读，那将是对我这种略懂皮毛的爱好者最大的馈赠。我需要的是那种能让我回去重看某部电影时，不再只是看画面，而是真正“听懂”音乐的深层对话。

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