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出版者:远流

作者:王介安

出品人:

页数:288

译者:

出版时间:1996年10月15日

价格:0

装帧:

isbn号码:9789578031166

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好的，这是一份针对一本名为《电影音乐发烧书》的图书所撰写的、内容详尽且不包含原书任何信息的图书简介。 --- 《银幕交响：电影音画的幕后探秘》 内容简介 一部深入剖析电影声音艺术与技术，揭示如何通过听觉构建史诗级视觉体验的深度作品。 在这个光影交织的时代，我们习惯于被画面所震撼，却常常忽略了那个与影像共生共舞、定义情绪基调的无形力量——电影音乐。 《银幕交响：电影音画的幕后探秘》并非仅仅罗列经典配乐的曲目清单，它是一本旨在解构电影声音的“工程学”与“艺术性”的专业与大众兼顾的指南。本书将带领读者穿梭于录音棚的深处、交响乐团的排练厅，以及尖端声音设计实验室，全面探索电影配乐和音效设计从概念诞生到最终呈现的完整流程。 第一篇：听觉的起源——从默片时代到立体声革命 本篇追溯了电影声音艺术的演变轨迹。我们将探讨早期电影院如何应对现场伴奏的挑战，以及技术进步如何催生了对“完美音轨”的追求。 默片的“同步”挑战： 深入分析早期的音乐打板技术与现场乐师的即兴艺术。 声音的诞生与早期尝试： 分析有声电影初期，音乐如何从单纯的背景烘托转变为叙事的重要工具。 磁带、光盘与数字化的里程碑： 详细介绍杜比（Dolby）和DTS等公司如何通过多声道技术，彻底改变了观众的沉浸体验。特别关注空间音频在构建紧张感和引导视线中的作用。 第二篇：配乐的建筑学——作曲家的工具箱 本篇专注于电影音乐的创作本体，剖析作曲家如何将抽象的情感转化为可感知的旋律、和声与节奏。 主题的魔力（Leitmotifs）： 深度解析“主导动机”理论的运用，研究如何通过音乐的变奏，标记人物的成长、冲突和命运的转折。我们将解构数个经典案例中，主题如何巧妙地嵌入非音乐性的场景，实现叙事功能。 配器与音色选择的心理学： 探讨特定乐器组合（如使用强铜管表达史诗感，或使用稀有民族乐器营造异域氛围）背后的心理学依据。分析电子合成器和传统管弦乐器在当代配乐中的平衡艺术。 节奏的驱动力： 节奏如何被用来控制画面的剪辑速度，制造悬念或推动动作场面。分析非周期性节奏在艺术电影中的创新应用。 第三篇：声音的雕塑家——音效设计与混音艺术 电影的“听觉世界”远不止于音乐。本篇将焦点转向音效设计师和混音师，他们是构建逼真或超现实听觉环境的幕后英雄。 “声音采集”的科学与艺术： 探讨现场收音（Foley）的精妙制作过程，例如如何用独特的材料模拟出特定材质的脚步声或物体碰撞声。区分环境音（Ambiences）、特殊音效（SFX）和Foley的各自职能。 声音的层次管理： 深入讲解混音（Mixing）流程，包括动态范围的压缩与扩展、EQ（均衡器）的使用，以及如何确保在爆炸声与微弱对白之间实现完美的平衡，使观众的注意力精准地被引导。 声场设计与物理空间模拟： 介绍如何使用混响（Reverb）和延迟（Delay）技术，让观众“感觉”到场景的大小和材质——是空旷的教堂，还是密闭的地下室。 第四篇：技术与创意的交汇点 本篇探讨当前电影音效领域的前沿技术和未来的发展方向。 从MIDI到实时引擎： 分析动作捕捉技术如何影响声音的同步和表演，以及游戏引擎（如Unreal Engine）如何被引入电影预可视化和声音设计流程。 人声的无限可能： 专门探讨对白处理、配音（ADR）的精细打磨，以及声音特效（如外星生物的咆哮或魔法的吟唱）如何通过声码器和合成技术创造出来。 沉浸式音频的未来： 审视如沉浸式环绕声技术（如Dolby Atmos的下一代形态）如何进一步打破传统声道的界限，实现真正的“声音的维度”。 结语：倾听未被言说的故事 《银幕交响》最终旨在培养读者一种更具洞察力的“聆听习惯”。它鼓励观众在下一次观看电影时，不仅要看画面，更要主动去识别和欣赏那些精心编排的听觉元素——它们是如何在潜移默化中操控你的心跳、加剧你的恐惧、或升华你的感动。 本书适合电影制作专业的学生、音响工程师，以及所有对电影艺术怀有深厚热情的发烧友。通过阅读，你将掌握一把理解电影叙事更高维度的钥匙。

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这本书最让我感到惊喜的是它对非西方电影音乐的关注。很多同类书籍往往将目光牢牢锁定在欧美主流电影工业上，对于亚洲，尤其是日韩和华语电影的配乐分析，往往是一笔带过或者流于表面。然而，这本书却花了相当大的篇幅去解析宫崎骏系列电影的配乐哲学，以及香港黄金时代那种独特的“情绪化”配乐是如何在特定的历史时期诞生的。它不仅介绍了作曲家，更将音乐置于当时的社会背景下去解读，比如那种略带伤感的调性，其实是特定年代集体情绪的投射。这种全球化的视野，让原本可能有些狭隘的“电影音乐鉴赏”，一下子拓展到了世界音乐史的一个重要分支。读完这些章节，我立刻回去重温了几部旧片，感觉那些熟悉的旋律仿佛焕发出了新的生命力，那种地域特色和情感张力被放大到了极致。

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坦白说，我是一个对理论性书籍有点望而却步的读者，总担心自己基础不够，读起来会像啃石头一样。但《电影音乐发烧书》成功地让我跨越了这个心理障碍。作者在讲解复杂乐理概念时，总能找到最贴切的电影镜头来比喻，比如讲解“不和谐音程”时，他会立刻联系到某个反派角色登场的瞬间，那种音响效果带来的心理冲击，比单纯的乐理解释要深刻得多。它让我意识到，理解音乐并不一定非要会弹钢琴或者认识五线谱，更重要的是学会捕捉音乐中的“情感信息”。这本书的结构安排也非常巧妙，从基础的乐器介绍，到复杂的叙事功能分析，再到对未来趋势的展望，层层递进，水到渠成。它不是要让你成为专业的配乐师，而是让你成为一个更懂得欣赏和品味电影艺术的智者。我已经向好几个朋友强力推荐了，绝对是书架上不可或缺的一本宝藏。

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这本书简直是为我这种资深乐迷量身定做的！我本来以为市面上关于音乐欣赏的书籍都差不多了，无非是老掉牙的古典乐入门或者流行乐历史的流水账，没想到这本《电影音乐发烧书》完全颠覆了我的认知。它不仅仅是罗列作曲家的名字和作品，更像是一本深入的“幕后解密”手册。作者对不同流派的融合，比如如何将爵士乐的即兴感巧妙地融入宏大的交响配乐中，写得极其到位。我尤其喜欢它剖析“主题动机”的那一章节，用清晰的图表和生动的比喻，解释了约翰·威廉姆斯是如何通过旋律的微小变化来暗示角色内心的挣扎或成长的。读完之后，再去重温那些经典场景，简直像是拥有了一副“透视镜”，能一下子听出音符背后导演的意图和作曲家的高妙布局。它让原本只是“好听”的音乐，变成了可以被理性分析和情感共鸣的艺术品。对于想从普通听众升级到“发烧友”级别的人来说，这本书的深度和广度绝对是物超所值。

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这本书的装帧和排版也值得称赞。很多专业书籍往往内容扎实但阅读体验一塌糊涂，但这本设计得相当考究。纸张的质感很好，长时间阅读眼睛也不会感到疲劳。更重要的是，它里面的插图和乐谱片段的排版清晰明了，不是那种密密麻麻的文字堆砌。特别是一些历史性的资料图片，比如早期的录音棚照片，或是作曲家在打字机前构思乐谱的侧影，都极大地增强了代入感。我特别欣赏作者在探讨“文化挪用”和“原创性”时的客观立场。它并没有简单地赞美某一部作品的完美，而是深入挖掘了音乐是如何在时代洪流中不断自我革新和借鉴的。这种批判性的思维方式，让这本书的价值远超一般的欣赏指南，它提供了一种审视艺术创作的哲学基础。如果你是一个对书籍的视觉呈现也有要求的人，这本书绝对不会让你失望。

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说实话，我拿到这本书的时候，心里是抱着“试试看”的心态的，毕竟“发烧书”这个名字听起来有点夸张。但翻开第一页我就被吸引住了。它的叙事风格非常活泼，一点也不枯燥。作者似乎完全没有架子，他不是高高在上的专家在说教，而是像一个经验丰富的老友，拉着你手心手背地讲解。比如，它对比了好莱坞黄金时代的配乐大师和欧洲独立电影配乐人的差异，那种地域文化对音乐语汇的影响，分析得细致入微，甚至提到了当时录音技术的局限性如何反过来激发了作曲家的创造力。我发现它对音效和音乐边界的探讨也特别有启发性，很多我们习以为常的“环境声”，在这本书里被重新定义为“音乐的延伸”。这种打破常规的视角，让我对声音艺术有了全新的理解。这本书的阅读体验非常顺畅，即使是涉及复杂的对位法和和声理论的部分，作者也总能找到恰当的电影片段作为佐证，让人在潜移默化中就学会了如何去“听懂”配乐的语言。

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