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出版者:第1版 (2003年9月1日)

作者:赵世民

出品人:

页数:249 页

译者:

出版时间:2003年9月1日

价格:20.0

装帧:平装

isbn号码:9787219048597

丛书系列:

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• 电影音乐
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华夏艺韵：近现代中国音乐的时代脉络与艺术群像 引言：声声入耳，时代回响 本书旨在深入剖析近现代（大致指1840年至21世纪初）中国音乐在内忧外患、社会剧变与文化转型的大背景下所经历的跌宕起伏、革新与融合。它不是一部单纯的音乐史编年体，而是一部以音乐为切片，观察中国社会变迁、民族精神重塑与世界文化交流的宏大叙事。我们将聚焦于这一时期中国音乐的结构性变化，从传统雅乐的衰落与民间艺术的坚守，到西方音乐的涌入与本土创作的觉醒，最终探寻一条属于中华民族自己的现代化音乐之路。 第一编：旧邦的余音与西风的初探（1840-1920年代） 在列强叩关、晚清气象万千的时代背景下，中国音乐文化经历了深刻的动摇。 第一章：传统音乐的坚守与困境 宫廷雅乐的式微： 详细考察清代宫廷音乐机构（如太常寺）在政治权力削弱后的功能退化与典制混乱。探讨“雅”乐在礼仪场合中逐渐失去其精神感召力的社会原因，包括对音律规范的僵化理解与社会审美趣味的转移。 民间艺术的生命力： 聚焦于江南丝竹、广东音乐、地方戏曲（如京剧的形成与鼎盛初期）等民间音乐形态的蓬勃发展。分析这些艺术形式如何在市井生活中扎根，并展现出强大的适应性与艺术感染力。着重研究京剧声腔体系的成熟对中国声乐审美的影响。 文人音乐的隐逸： 探讨士大夫阶层在政治失意后对古琴、箫等传统乐器的偏爱与整理工作，这既是文化的避难所，也是传统精神的最后堡垒。 第二章：冲击与萌芽：西乐的早期渗透 传教士与军乐队： 记述西方教堂音乐和军乐队在沿海通商口岸的早期传播路径。重点分析军乐对中国官方音乐体制，特别是新军建立过程中的初步影响。 乐器与记谱法的引进： 探讨五线谱、钢琴、小提琴等西方乐器和记谱法初次进入中国时的文化阻力与接受过程。分析早期翻译家和音乐教育家如何尝试将“新声”纳入传统认知框架。 “西学为用”在音乐领域的体现： 分析洋务运动时期，对西方军乐、舞蹈音乐的有限引进，主要服务于技术和仪式层面，尚未触及创作核心。 第二编：新文化运动中的音乐觉醒与民族化探索（1920s-1949） 五四运动前后，中国音乐界迎来了历史上最剧烈的变革时期，知识分子开始自觉地运用音乐来启蒙民众、塑造民族精神。 第三章：学堂乐歌与“为人生”的音乐观 新式音乐教育的开端： 详细考察蔡元培、萧友梅等人在北京大学、上海音乐专科学校等机构建立的音乐教育体系。分析他们如何借鉴德国、美国的教育模式，建立起初步的学院派基础。 学堂乐歌的兴衰： 深入分析“学堂乐歌”作为一种新兴的、面向青少年的歌曲体裁，如何承载启蒙思想（如平权、爱国）。分析其音乐语言的特点——常采用西方曲调结构，但歌词充满中国式的情感表达，以及其最终因内容浅显而逐渐被更成熟的“新歌”取代的过程。 对传统戏曲的批判与反思： 探讨新文化运动中对传统戏曲“不合时宜”的批评，以及以欧阳予倩、田汉为代表的剧作家对戏曲现代化的初步尝试（如“新剧”的探索）。 第四章：民族音乐的自觉与创作的转型 民间采风运动的兴起： 考察二十年代末至三十年代，音乐家们开始深入民间，系统收集和整理地方音乐资源，这标志着中国音乐家真正开始将目光投向本土的音乐宝库。 中国风格的建立： 聚焦于第一代接受过系统西方音乐训练的作曲家（如黄自、赵季平等前辈音乐家所处的时代背景），他们面临的核心问题是如何将西方复调、和声等技法与中国传统旋律、五声音阶完美结合，形成具有民族辨识度的“中国风格”音乐。分析早期民族管弦乐作品的尝试。 抗战时期的歌曲力量： 详细阐述抗日战争期间，音乐如何成为最直接、最有力的动员工具。《义勇军进行曲》等作品的诞生背景、传播途径及其超越地域限制的强大生命力，是这一时期最重要的音乐现象。 第三编：新中国的制度构建与音乐的多元化发展（1949-1970s） 中华人民共和国成立后，音乐事业进入了国家主导的、快速发展的阶段，意识形态对创作产生了决定性影响。 第五章：国家叙事与社会主义现实主义 音乐机构的重塑： 考察中央音乐学院的建立与全国性音乐家协会的成立，分析国家如何通过这些机构统一音乐教育标准和创作方向。 “为工农兵服务”的主题确立： 详细分析社会主义现实主义指导思想下，音乐创作的主要题材和表现手法。歌曲创作高度繁荣，主题集中于赞美劳动、歌颂领袖、描绘社会主义建设图景。 民族音乐的“标准化”： 研究国家如何推动少数民族音乐的收集、整理和改编工作。探讨这种整理过程中，民族音乐特性如何被提炼、强化，以适应大型合唱、交响乐等体裁的需要。 第六章：交响乐的本土化历程 “中国管弦乐”的早期探索： 细致梳理早期中国作曲家如何尝试用西方大型交响乐队来演奏具有中国精神和旋律的作品。分析在和声、配器等方面为实现“中国化”所做的努力与突破。 “红色经典”的形成： 考察如《红灯记》、《白毛女》等样板戏的音乐结构，分析其如何融合京剧唱腔、民歌元素与西方戏剧音乐手法，形成一种高度凝练、服务于政治主题的艺术形式。 第四编：改革开放后的激荡与百花齐放（1980s至今） 随着国家政策的松动，中国音乐界迎来了前所未有的创作自由与市场冲击，传统与现代、本土与国际的对话空前激烈。 第七章：对僵化体制的反思与“先锋”的突围 “新潮”的涌动： 分析八十年代初，知识分子对过去几十年音乐创作的深刻反思。探讨先锋作曲家群体（如谭盾、郭文景等）如何回归对音乐本体美学的追求，大胆吸收西方现代主义技法，重新定义“民族性”与“前沿性”的关系。 校园民谣的诗意与忧伤： 考察校园民谣这一特定时期的产物，分析其音乐风格的清新、歌词的内敛与对个体情感的关注，如何成为一代人精神上的集体记忆。 第八章：流行音乐的崛起与文化产业的重塑 港台音乐的强势影响： 详细分析八十年代末至九十年代，港台流行音乐（如四大天王、校园民谣的成熟阶段）如何通过录音带、磁碟迅速占领大陆市场，并深刻改变了中国大众的音乐消费习惯。 本土流行音乐的工业化： 研究大陆流行音乐的工业体系（如唱片公司、经纪人制度）的建立过程。分析摇滚乐、都市民谣、R&B等不同风格如何在中国语境下生根发芽，并最终走向成熟。 传统音乐的当代语境： 考察当代作曲家和演奏家（如对传统民乐的创新性运用）如何在全球化背景下，通过跨界合作、音乐节等途径，使古老的乐器和曲调焕发出新的生命力，实现真正的国际对话。 结语：在传承与创新中探寻永恒的旋律 本书最终总结了近现代中国音乐从被动接受到主动创造的艰难历程，强调了民族性、时代性和国际性三者之间持续的张力。中国音乐的现代化并非简单的模仿或移植，而是一个将深厚的本土文化基因与先进的国际艺术语言有机融合的过程。它记录了无数音乐工作者在不同历史节点上，以音符为笔，试图描绘一个自强不息、充满希望的民族形象的伟大努力。

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我是一个对音乐历史不太感冒的人，通常觉得那些陈年旧事索然无味，但这本书完全颠覆了我的看法。作者的叙事功力实在太强了，他没有堆砌晦涩的术语，而是将那些遥远的音乐家和他们的作品，用一种极其鲜活、近乎八卦的口吻娓娓道来。读起来的体验就像是听一位经验老到的长者在壁炉边，慢悠悠地讲述他年轻时闯荡江湖的奇闻轶事。我特别被吸引于他描述某个流派兴起时，乐坛内部的权力斗争和观点交锋，那些情节的跌宕起伏，比任何小说都精彩。通过他的文字，我仿佛亲眼目睹了那些曾经的“叛逆者”是如何一步步用手中的乐器，撼动了既有的秩序，那种艺术的生命力，隔着时空都能感受到。这本书，成功地把历史书读出了悬疑剧的味道。

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坦白说，我抱着极大的怀疑态度翻开了这本书的扉页，毕竟市面上关于“艺术与天才”的论述太多，大多流于表面。然而，这本书的价值恰恰在于它的“反抒情”。作者似乎对那种过度美化艺术家的传统叙事嗤之以鼻，他更专注于探究那些伟大的作品是如何在极其平凡、甚至充满缺陷的人性中诞生的。书中对创作过程的解剖极为冷静和客观，充满了对“匠人精神”的敬畏，而不是盲目地崇拜“灵感乍现”。这种务实的态度，反而让我更加信服。我欣赏作者那种不回避矛盾的勇气，比如对某个作曲家晚年创作力衰退的分析，写得极其犀利而又不失同情。这本书是一剂清醒剂，提醒我们，伟大并非遥不可及的神话，而是日复一日的艰苦打磨与选择。

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这部新作简直是音乐世界里的一股清流，让我这个资深乐迷都为之振奋。作者的笔触细腻入微，仿佛能透过文字感受到每一个音符背后的故事与情感。书中对古典音乐理论的探讨，不是那种枯燥的教科书式讲解，而是融入了大量的个人体验和独到见解，读起来酣畅淋漓，每一次翻页都能带来新的启发。特别是对某个特定时期交响乐发展脉络的梳理，那种宏大的叙事感和精准的细节把握，让人不得不佩服作者深厚的学养和敏锐的洞察力。我尤其喜欢其中关于“不和谐音”如何转化为美学张力的那一段论述，它不仅解释了理论，更触及了艺术创作的核心困境与突破。这本书不仅仅是关于音乐的，它更像是一部关于如何“倾听”世界的哲学思考，推荐给所有对艺术、对生活抱有探索精神的人。

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这本书的装帧设计和字体选择，首先就透露出一种老派的、对阅读本身的尊重感。当我真正沉浸进去后，才发现这种外在的质感，完美地呼应了其内在的深度。作者在某些章节的处理上，采取了一种近乎诗意的散文风格，探讨的已然超越了纯粹的音乐技术范畴，上升到了对时间、记忆和存在意义的哲学叩问。比如他描述听众在剧院里共同经历一次高潮时的那种集体无意识状态，简直是神来之笔，寥寥数语便勾勒出了人类情感交流的神秘回路。这本书需要细嚼慢咽，不适合快速浏览，每一次停下来回味，都会在脑海中构建出一幅更加立体的声景图。这是一次需要全身心投入的阅读体验，绝对物超所值。

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我通常只关注现代流行音乐的脉络，对于学院派的东西敬而远之。但这本书的内容，以一种极其亲民的姿态，将复杂的音乐结构和情感表达进行了“翻译”。它不是强迫你去学习乐理，而是通过一系列生动的案例和类比，让你在不知不觉中理解了音乐的内在逻辑。我最佩服的是作者构建的“情感地图”——他能清晰地指出，为什么某一段旋律会让你感到悲伤或激昂，其背后隐藏的数学和心理学原理被解释得浅显易懂。这让我对以往那些“听不懂”的古典音乐重新燃起了兴趣。这本书成功地搭建了一座桥梁，连接了纯粹的艺术欣赏与理性的分析，让原本高冷的艺术变得可触可感。它让我意识到，理解比盲目热爱更有力量。

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访谈录，内容不错，颇多爆料，可惜文章裁剪太杂乱，如同好电影碰到个坏剪辑，结果搞得一塌糊涂！电影配乐大师理当有更好的传记相匹配！

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