钢琴音乐文选

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出版者:厦门大学
作者:郑兴三
出品人:
页数:236
译者:
出版时间:2002-7
价格:18.00元
装帧:
isbn号码:9787561515006
丛书系列:
图书标签:
  • 音乐
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具体描述

这本《钢琴音乐文选》是著者近几年来的钢琴艺术理论领域中学术成果的积累。文选中所研究的课题涉及和反映了钢琴艺术一些很有意义的基本问题。可以看出,著者学风严谨,分析具体,用功甚勤,每一篇论文言之有物、掷地有声,不难发现他那良好的文化根基和扎实的专业功底。

的确,著者的目光关注到我国当前钢琴艺术理论的现状问题,提出了自己颇有见地的看法,这种努力将自己的理论观念运用到演奏教学问题上去的尝试,无疑是值得肯定的。

我希望这本文选能发挥在钢琴演奏和钢琴教学上应有的功效。我也相信著者会继续地走下去,不断地充实和提高自己,为我国钢琴艺术理论和大厦添砖加瓦。

音乐的边界:从巴赫到德彪西的欧洲键盘艺术演变 一部跨越三个世纪的键盘音乐史诗,深入剖析欧洲音乐思想的革新与实践。 本书并非聚焦于某一部特定的曲集,而是以宏大的历史视野,追溯自巴洛克鼎盛期至印象主义兴起之间,欧洲键盘乐器(包括大键琴、羽管键和早期钢琴)在技术、美学和表现力上所经历的深刻变革。我们致力于揭示,这些音乐巨匠们是如何利用键盘这一“乐器之王”,在不同的时代精神下,构建起他们专属的听觉宇宙。 第一部分:巴洛克的回响——秩序、结构与神圣的对位 本部分将我们带回17世纪末至18世纪中叶,那个以严谨的对位法和清晰的结构逻辑为圭臬的时代。 一、 德意志的理性与信仰:巴赫的建筑艺术 我们将深入研究约翰·塞巴斯蒂安·巴赫(Johann Sebastian Bach)的作品体系,重点解析其在《平均律键盘曲集》之外所展现的键盘技巧的巅峰。我们不探讨任何选自“文选”的特定作品,而是分析其背后的创作哲学: 1. 对位法的终极实践: 探讨巴赫如何将两声部、三声部乃至更多声部,在键盘上交织成复杂而又逻辑严密的织体。分析《哥德堡变奏曲》中变奏之间看似独立、实则紧密关联的结构设计,以及赋格曲中主题的变形与再现所体现的数学美感。 2. 调性实验与乐器限制: 考察巴赫所处的时代对大键琴(Harpsichord)性能的依赖与突破。其作品中对音色层次划分的微妙处理,如何服务于清晰的线条感,而非现代钢琴所追求的力度对比。 3. 数字与象征: 探讨巴洛克时期音乐中蕴含的神学象征意义,分析巴赫作品中对数字命名的偏好,以及这些如何构建起超越纯粹娱乐的宗教叙事。 二、 法国的优雅与装饰:库普兰的“肖像画” 相较于巴赫的宏大结构,弗朗索瓦·库普兰(François Couperin)的作品体现了法式宫廷的精致与细腻。本章重点分析: 1. “风格特质”(Les Goûts Réunis): 库普兰如何融合意大利的活力与法式的细腻。分析其键盘曲集中那些充满描绘性标题的乐章,它们如何通过特定的装饰音型和节奏处理,勾勒出人物、情感或场景的“肖像”。 2. 大键琴的音色把控: 研究库普兰在不同音栓切换(如“鸣响”与“柔和”)时对作品情感色彩的调控方式,这些细微的动态标记如何指导演奏者在有限的力度变化中,创造出丰富的层次感。 第二部分:从洛可可到古典主义的过渡——情感的解放与清晰的线条 18世纪中叶,音乐审美从巴洛克的“激情理论”转向更贴近自然与人性的表达,催生了“敏感风格”(Empfindsamer Stil)以及最终的古典主义。 一、 敏感风格的探索:C.P.E. 巴赫的内心独白 卡尔·菲利普·埃马努埃尔·巴赫(C.P.E. Bach)是连接巴洛克严谨与古典清晰的关键人物。本章侧重于: 1. 情感的急剧转变: 分析C.P.E. 巴赫奏鸣曲中那种突然的停顿、不和谐音的运用以及旋律线的跳跃性,这些手法如何表达出一种前所未有的、个人的心理波动与不安。 2. 奏鸣曲式雏形: 探讨他如何将既有的组曲结构,逐渐转变为具有呈示部、发展部和再现部特征的奏鸣曲结构,为海顿和莫扎特奠定基础。 二、 古典主义的典范:海顿与莫扎特的键盘对话 本部分将分析键盘音乐如何适应钢琴(Pianoforte)音域的扩展和力度可变性的增强。 1. 海顿的机智与平衡: 考察海顿奏鸣曲中主题的展开与幽默感。分析其如何利用钢琴的踏板和触键差异,构建出清晰的句法结构,以及其作品中对传统对位法的巧妙“引用”而非“模仿”。 2. 莫扎特的抒情性与戏剧张力: 探讨莫扎特如何将歌剧中的咏叹调手法融入键盘写作。分析其奏鸣曲中旋律线条的纯粹性,以及在表面平静之下,蕴含的对位驱动的内在冲突。重点分析钢琴协奏曲的结构如何影响其奏鸣曲的写作,强调钢琴独奏作品中对“歌唱性”的极致追求。 第三部分:浪漫主义的狂潮——个体精神的无限扩张 19世纪,随着工业革命和民族主义的兴起,键盘音乐的主题转向了对无限情感、个人英雄主义和民族精神的歌颂。钢琴成为了最能承载这种宏大叙事的乐器。 一、 贝多芬:从古典到浪漫的桥梁 路德维希·范·贝多芬(Ludwig van Beethoven)是本研究中至关重要的一环。我们将重点剖析: 1. “英雄性”的建立: 分析其晚期奏鸣曲(如Op. 109, 110, 111)中,如何打破既有的结构规范,通过不协和音程、巨大的结构跨度以及对变奏曲式的重新定义,表达一种超越尘世的哲学思考。 2. 钢琴技艺的“暴力”革命: 探讨贝多芬如何“摧毁”了当时乐器的物理限制,要求更强的共鸣和更宽的动态范围,从而为李斯特等后继者铺平了道路。 二、 肖邦与李斯特:钢琴的“民族化”与“炫技化” 浪漫主义的键盘音乐走向了两个极端,但都以极度个性化的方式重塑了键盘技法。 1. 肖邦的诗意与内敛: 分析弗雷德里克·肖邦(Frédéric Chopin)如何将波兰民族音乐元素融入到夜曲、叙事曲和练习曲中。着重研究其对延音踏板的革命性使用,以及如何通过手指的精细控制,实现不同声部间的独立“呼吸”。我们关注其作品中那种“非炫技的炫技”,即技术服务于情感表达的典范。 2. 李斯特的“交响化”写作: 考察弗朗茨·李斯特(Franz Liszt)如何将管弦乐队的织体、和声色彩和戏剧冲突移植到钢琴上。分析其帕格尼尼练习曲及西班牙狂想曲等作品,如何将键盘技巧推向了前所未有的极限,以及他如何通过“地狱式的”和声,探索人类情感的深渊。 第四部分:印象与探索——色块、模糊与现代视角的开启 19世纪末至20世纪初,音乐的焦点从明确的叙事转向了氛围的捕捉和对传统和声语言的瓦解。 一、 德彪西与“色彩的幻影” 克劳德·德彪西(Claude Debussy)的作品标志着键盘音乐对“声音本体”的回归。本章研究: 1. 非功能性调性: 分析德彪西如何利用全音阶、五声音阶以及和弦的“堆叠”而非“进行”,创造出一种漂浮、模糊的音响画面。 2. 触键与踏板的精微控制: 考察德彪西对音色的偏执追求,如何要求演奏者掌握极细微的触键力度变化(如 pp 与 ppp 之间的微妙差异),以模拟光影和水波的质感。 二、 拉威尔的清晰与异域情调 莫里斯·拉威尔(Maurice Ravel)的作品在印象主义的氛围中,仍保留着对古典结构和清晰线条的偏爱。分析其键盘作品中精密的织体构建、对位法的现代运用,以及他对西班牙民间音乐元素的巧妙借鉴,如何形成一种既清晰又充满异域魅力的键盘风格。 本书旨在为读者提供一个全面、细致的框架,理解欧洲键盘音乐如何在技术、美学和时代思潮的共同驱动下,完成了从严谨的巴洛克“建筑”到浪漫主义的“史诗”,再到印象主义的“色彩描摹”的宏伟旅程。我们聚焦于这些时代变迁对键盘乐器本身提出的要求和所带来的可能性,而非任何单一曲目的具体分析。

作者简介

目录信息

读后感

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用户评价

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我必须强调一下这本书的比较研究部分,这是我见过的同类书籍中最出色的一环。作者巧妙地将不同地域、不同时代的钢琴作品进行平行对比,比如探讨了俄罗斯民族乐派的钢琴作品中对于“史诗感”的塑造,与德奥晚期浪漫主义追求的“个人内心挣扎”在结构和和声上的本质差异。这种对位式的论述方法,极大地提高了读者的辨识能力。它不仅仅是告诉你“A好”或“B妙”,而是让你理解“为什么A是这样”和“B又是如何演化出来的”。其中关于踏板使用的历史演变那几章尤其精彩,从早期钢琴对弱音踏板的谨慎使用,到后期大三角钢琴上对延音效果的无限拓展,清晰地展现了乐器技术发展如何反哺音乐创作。这本书是那种需要慢慢品读,并且值得反复翻阅的工具书,每一次重读都会有新的领悟,绝对是钢琴文献库中不可或缺的一块基石。

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我通常阅读音乐书籍时,更侧重于近现代的实验性音乐。这本书虽然涵盖了古典时期的基础,但其后半部分对20世纪中叶后键盘音乐发展趋势的梳理,绝对是教科书级别的深度。作者没有回避那些充满争议和挑战性的作品,比如序列主义和极简主义在钢琴上的体现。它很诚实地指出了这些流派在推广上面临的困难,同时也毫不吝啬地赞扬了它们在拓展钢琴表现力边界上的贡献。书中对于某些特定作曲家(比如巴托克或梅西安)的创作手法,几乎是进行了一次微观的手术刀式解剖,把复杂的复调结构和节奏创新拆解成了最基本的元素进行阐释。对我个人而言,这本书成功地弥补了我知识结构中的一个重要缺口——如何科学地欣赏那些看似“不和谐”的现代音乐。它的分析严谨而不失温度,非常推荐给严肃的音乐学院学生或专业研究人员。

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这本书简直是音乐爱好者的福音!我最近沉迷于对浪漫主义时期作曲家如肖邦、李斯特这些大师作品的研究,这本书的内容深度和广度都让我惊喜。它不仅仅是简单地罗列了他们的代表作,更深入地探讨了当时社会背景对他们音乐创作的影响。比如,书中对肖邦在巴黎的社交圈如何塑造了他的夜曲风格,进行了极其细致的分析,引用了大量的当时的书信和日记作为佐证。阅读起来就像是跟随一位资深音乐史学家进行了一次私人导览,那些原本晦涩难懂的术语和和声进行,在作者的讲解下变得清晰易懂,充满了画面感。尤其是关于钢琴演奏技巧的章节,作者结合了不同学派的演奏风格,比如德奥学派的严谨与法兰西学派的灵动之间的区别,提供了许多实践性的指导,对于我们这些业余爱好者来说,简直是如获至宝。这本书的排版设计也很考究,大量的乐谱片段穿插其中,方便读者即时对照理解,整体阅读体验非常流畅和愉悦。

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这本书的装帧和纸张质量简直是艺术品,但真正让我爱不释手的是它那种极其亲民的“传记式”写作风格。作者仿佛在跟老朋友聊天一样,用非常口语化但绝不失学术严谨性的语言,讲述了各位音乐巨匠的创作心路历程。比如,描述贝多芬后期创作的艰辛,书中没有堆砌华丽辞藻,而是聚焦于他耳聋后如何通过“想象中的听觉”来构建那些宏伟的奏鸣曲和变奏曲,那种与命运抗争的意志力,透过文字都仿佛能感受到。读起来完全没有高高在上的学者腔调,而是充满了对音乐家个体生命体验的关怀与共鸣。这种代入感极强,让人在学习知识的同时,也被深深地打动和激励。对于那些认为古典音乐和演奏家生活很遥远的人来说,这本书是绝佳的“破冰”之作。

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说实话,我原本对这种偏向理论和历史梳理的书籍抱有保留态度,总觉得会枯燥乏味。然而,这本书在叙事手法上别出心裁。作者似乎特别擅长捕捉那些鲜为人知的小故事,让冰冷的历史文献瞬间鲜活起来。我印象最深的是关于德彪西晚期作品中,他对东方音乐元素借鉴的探讨,文章没有停留在表面描述,而是深入剖析了其和声色彩的转变,甚至追溯到了他收藏的日本浮世绘版画的风格对音色的影响。这种跨学科的视角,极大地拓宽了我对“印象派”这个标签的理解。行文的节奏把握得极好,时而如涓涓细流般细腻,时而如磅礴交响乐般恢宏激昂。读完后,我立刻去重听了那些曲目,感觉耳朵仿佛被重新洗礼了一般,先前听觉中的许多盲点都被精准地指了出来。对于想从“听众”进阶到“鉴赏者”的朋友,这本书提供了坚实的理论基础和极富启发性的思维框架。

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1999年,我高三后第一个亿次准备重新练琴而根本没有练琴的开端,在中音书店买了这本书。因此我今年才第一次读……出生在琴岛鼓浪屿在厦大教钢琴的郑兴三老师写得还是蛮好的,虽然他十年后就传出来抄袭论文的名声……

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1999年,我高三后第一个亿次准备重新练琴而根本没有练琴的开端,在中音书店买了这本书。因此我今年才第一次读……出生在琴岛鼓浪屿在厦大教钢琴的郑兴三老师写得还是蛮好的,虽然他十年后就传出来抄袭论文的名声……

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1999年,我高三后第一个亿次准备重新练琴而根本没有练琴的开端,在中音书店买了这本书。因此我今年才第一次读……出生在琴岛鼓浪屿在厦大教钢琴的郑兴三老师写得还是蛮好的,虽然他十年后就传出来抄袭论文的名声……

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