具体描述
作者简介
郑午昌（1894-1952），是我国现代著名的书画家、美术史论家、出版家。本书初印于1929年，为现代中国画史研究的开山奠基之作，被著名教育家蔡元培先生誉为“中国有画史以来集大成之巨著”。全书以实用时期、礼教时期、宗教化时期、文学化时期为中国画史分段，各个时期、各个朝代的重要画家、作品及画风流转讲述得全面而精到，具有很高的学术价值。陈佩秋先生的《导读》对全书做了详细精彩的评析，对读者来说，是很好的参考和引导。
目录信息
读后感
中国画学全史，可以说是我国第一部系统的美术史。作者郑午昌（1894年—1952年）历任中华书局美术部主任、文史编辑，上海美专、杭州国立艺专、新华艺专、苏州美专等校国画系教授。民国西方艺术理论流入中国，那时像他们那种分时代的，系统的美术史中国是没有的，有感于此，郑午...
评分中国画学全史，可以说是我国第一部系统的美术史。作者郑午昌（1894年—1952年）历任中华书局美术部主任、文史编辑，上海美专、杭州国立艺专、新华艺专、苏州美专等校国画系教授。民国西方艺术理论流入中国，那时像他们那种分时代的，系统的美术史中国是没有的，有感于此，郑午...
评分正在读这本书，作者的概括能力很强，能把数百年的历朝画史压缩到寥寥数千字，而不失其精华。但此书仅能作为入门读本，若想仔细了解中国画史，仍需阅读更多其他著作。
评分中国画学全史，可以说是我国第一部系统的美术史。作者郑午昌（1894年—1952年）历任中华书局美术部主任、文史编辑，上海美专、杭州国立艺专、新华艺专、苏州美专等校国画系教授。民国西方艺术理论流入中国，那时像他们那种分时代的，系统的美术史中国是没有的，有感于此，郑午...
评分中国画学全史，可以说是我国第一部系统的美术史。作者郑午昌（1894年—1952年）历任中华书局美术部主任、文史编辑，上海美专、杭州国立艺专、新华艺专、苏州美专等校国画系教授。民国西方艺术理论流入中国，那时像他们那种分时代的，系统的美术史中国是没有的，有感于此，郑午...
用户评价
我一直对中国画有着浓厚的兴趣，但总觉得自己的知识体系不够系统，总是零散地了解一些皮毛。最近无意间翻到这本书，从书名《中国画学全史》就能感受到其份量，便满怀期待地购入。读完后，我发现这本书简直是为我这样渴望深入了解中国画的读者量身定做的。它并非简单地罗列历代名家及其作品，而是以一种宏大的视角，梳理了中国画发展至今的脉络，从哲学思想、社会文化背景到绘画技法、审美观念的演变，都进行了详尽而深入的剖析。 初读这本书，我最大的感受是作者的博学与严谨。他不仅精通绘画史，对中国古代哲学、文学、历史都有着深刻的理解，并将这些知识巧妙地融会贯通，为我们展现了一幅幅生动而立体的画卷。比如，书中对魏晋时期“玄学”对绘画的影响的阐述，让我茅塞顿开，理解了为何那个时期的画作为何如此注重精神意境的表达，而非单纯的形似。又如，对唐宋时期“文人画”兴起的背景分析，不仅点明了诗、书、画、印四绝的理念，更深刻揭示了当时社会阶层流动和士大夫阶层文化诉求的变化。 这本书的结构也非常合理，循序渐进，让读者能够轻松地跟随作者的思路。从先秦时期的萌芽，到汉代的初步发展，再到魏晋南北朝的融合与创新，直至唐宋的鼎盛，元代的个性张扬，明清的传承与变革，乃至近现代的转型与探索，每一个时期都进行了详尽的论述。而且，作者并非只是简单地陈述事实，而是善于挖掘背后的逻辑关系，比如，他会分析不同时期政治制度、经济发展对绘画题材和风格的影响，也会探讨外来文化（如佛教艺术）如何被中国化并融入到中国画体系中。 令我印象深刻的是，作者对绘画技法的阐述也非常到位。无论是线条的运用、色彩的搭配，还是墨法的变化、皴法的多样，书中都有详细的讲解和举例。例如，在讲到宋代山水画时，作者对“全景山水”的构图特点、用墨之妙以及画家们如何表现“气韵生动”，都进行了细致入微的分析，让我对这些技法有了更深刻的理解。甚至对于不同时期画家所使用的笔墨工具（如不同种类的毛笔、墨、纸、绢）的演变，作者也未能放过，这种极致的细节处理，足以证明其学术的严谨性。 更让我欣喜的是，这本书不仅仅是一本“死板”的学术著作，更充满了“活”的艺术气息。作者在分析作品时，并非只是一味地进行学术考据，而是常常引用古代文人的诗词、题跋，甚至一些野史轶闻，让整个叙述充满了人文关怀和故事性。读到某幅画作的创作背后，可能藏着一段动人的友谊，或是一番感慨的怀才不遇，这些都让冰冷的史实变得有温度，也让读者在欣赏画作的同时，能更深刻地体会画家的心境与时代的氛围。 让我惊喜的是，这本书的语言风格也十分多变，时而激情澎湃，时而沉静内敛，时而又充满了睿智的幽默感。作者对于不同流派、不同艺术家的评价，也往往能点到核心，切中要害，甚至会提出一些独到的见解，引发读者更深入的思考。例如，他对元代文人画“逸格”的推崇，以及对明代“吴门画派”创新精神的赞扬，都让我对这些时期和流派有了全新的认识。 这本书让我受益匪浅的一点是，它不仅教我“看”画，更教我“懂”画。在阅读过程中，我发现自己开始能够更敏锐地捕捉到画作中的细节，更能理解画家在创作时所处的时代背景和内心世界。那些曾经觉得模糊不清的画作，在经过作者的解读后，变得清晰而富有层次。这种“点石成金”的功力，正是这本书最难能可贵之处。 此外，书中对中国画的“意境”和“神韵”等抽象概念的解释，也让我豁然开朗。作者通过大量的实例，生动地描绘了这些难以言传的中国画特质，让我不再停留在对形似和技巧的表面理解，而是开始触及到中国画的灵魂深处。尤其是对“气韵生动”这一中国画最高境界的探讨，作者从多个角度进行了阐释，既有理论的高度，又不乏实践的指导。 总的来说，《中国画学全史》是一部集学术性、思想性和艺术性于一体的鸿篇巨制。它为我打开了一扇通往中国画艺术殿堂的大门，让我得以系统地、深入地了解中国画的历史与文化。我强烈推荐给所有对中国画感兴趣的读者，无论你是初学者还是有一定基础，都能从中获得巨大的启发和满足。 这本书的装帧设计也相当精美，图片清晰，排版考究，作为一件艺术品摆在书架上也极具观赏性。更重要的是，作者在全书的论述过程中，始终保持着一种对中国传统文化的敬畏与热爱，这种情感贯穿始终，使得整本书读起来既严谨又不失人文温度，让人在学习知识的同时，也能感受到一种文化传承的力量。
评分自从购入《中国画学全史》后，我的生活便被这幅宏伟的画卷所填满。这本书的每一页都蕴含着作者对中国画深厚的感情和严谨的治学态度。它不仅仅是一部历史，更是一种文化的传承，一种精神的延续。 书的开篇，作者就将我们带回了遥远的史前时代，从岩画、陶器纹饰中发掘中国画的最初基因。他没有简单地罗列，而是深入分析了这些早期艺术形式中的symbolic language（象征语言）和 early aesthetics（早期审美），让我看到了中国画是如何在漫长的岁月中，从实用走向艺术，从具象走向写意。 在论述汉代绘画时，作者对画像石、画像砖的解读尤为精彩。他详细介绍了汉代绘画的题材、风格和技法，并深入探讨了这些作品与当时社会生活、哲学思想、以及宗教信仰之间的密切联系。我尤其对作者关于汉代绘画“以形写意”的初步探索的论述印象深刻，那种质朴而充满生命力的线条，以及对人物神态的刻画，都展现了那个时代的艺术特色。 魏晋南北朝时期是中国画发展的一个重要转折点，作者在这部分的论述也极其扎实。他详细分析了“玄学”思潮对绘画的影响，以及“以形写神”的艺术理念是如何逐渐形成并成为当时绘画的主流。他对顾恺之、陆探微、张僧繇等早期绘画大师的介绍，以及他们对线条、色彩、构图的创新，都进行了深入的分析，让我更深刻地理解了那个时代画家如何通过对人物神态、气质的刻画，来传达内在的精神世界。 唐代是中国画的鼎盛时期，作者在这部分的论述更是洋洋洒洒，气势磅礴。他详细介绍了唐代绘画在人物、山水、花鸟等各方面的辉煌成就，并深入分析了唐代绘画的辉煌成就与当时强盛的国力、开放的文化氛围之间的密切联系。对吴道子“吴带当风”的技法解析，以及盛唐时期色彩的华丽与浑厚，都让我感受到了那个时代的艺术自信。 宋代是中国山水画发展的黄金时期，作者在这部分的论述也极其精妙。他详细分析了宋代山水画如何从“全景山水”发展到“截取式山水”，以及“皴法”的丰富运用如何赋予山水无穷的生命力。他对范宽《溪山行旅图》、郭熙《早春图》等作品的解读，让我更能体会到宋代画家对自然观察的细致和对意境表达的追求。 元代是中国画从唐宋的写实走向文人画的转折期，作者对这一时期的论述也颇具深度。他详细分析了赵孟頫、黄公望等“元四家”的艺术风格，以及文人画如何强调“逸笔草草”，追求书画一体的境界。他对文人画背后所蕴含的士大夫阶层的精神世界，有了更深的理解。 明清时期，中国画在继承前代的基础上，又展现出新的发展。作者对明代“吴门画派”、“浙派”以及清代“扬州八怪”的分析，让我看到了不同地域、不同画家如何在继承传统的同时，融入自己的个性和创造。 总而言之，《中国画学全史》是一本让我受益匪浅的著作。它不仅系统地梳理了中国画的发展脉络，更重要的是，它让我能够以一种更深刻、更全面的视角去理解和欣赏中国画的独特魅力。
评分我的书架上已经有不少关于中国画的书籍，但真正能够让我沉浸其中，反复阅读，并且在每次阅读时都有新体悟的，却是少之又少。《中国画学全史》无疑是其中的佼佼者。这本书的魅力在于其内容的广度与深度兼备，以及作者在梳理中国画发展脉络时的独到视角。它不像一些介绍性书籍那样浅尝辄止，而是深入到中国画发展的每一个关键节点，并对其中的演变逻辑进行了详尽的阐述。 首先，这本书最令我赞叹的是其对中国画起源的追溯。从史前时期的岩画、陶器纹饰，到商周青铜器上的图案，再到春秋战国的帛画，作者如同一位考古学家，细致地发掘并梳理了中国画最早的形态。他并非简单地陈列这些早期遗迹，而是深入分析了这些纹饰和图案中蕴含的早期审美意识和symbolic meaning（象征意义），以及它们如何为后来的中国画奠定了基础。 其次，书中对汉代绘画的论述尤其精彩。汉代的画像石、画像砖以及壁画，展现了那个时代鲜活的社会生活和丰富的精神世界。作者不仅详细介绍了这些作品的艺术特征，如线性化的造型、夸张的变形，还深入分析了汉代绘画与当时哲学思想、历史事件之间的紧密联系。例如，他对汉代墓室壁画中对“鬼神”的描绘，以及对“祥瑞”的追求，都与当时人们的生死观和世界观息息相关。 接着，魏晋南北朝时期是中国画发展的一个重要转折点，作者在这部分的内容着墨颇多。他详细阐述了“魏晋风度”对绘画的影响，以及“以形写神”的艺术理念是如何逐渐形成的。书中对顾恺之、陆探微、张僧繇等早期绘画大师的介绍，以及他们对线条、色彩、构图的创新，都进行了深入的分析。我特别欣赏作者对“曹衣出水”、“吴带当风”等绘画技法的解读，让我能够更直观地理解这些古典的技法语言。 在论述唐代绘画时，作者更是将中国画推向了辉煌的顶点。他详细介绍了唐代绘画的辉煌成就，如阎立本的《步辇图》、吴道子的“画圣”地位、以及盛唐时期色彩的绚丽与浑厚。作者还分析了唐代绘画对外来文化（如佛教艺术）的吸收和中国化过程，展现了那个时代开放包容的精神。 宋代是中国山水画发展的黄金时期，作者在这部分的论述也极为精到。他详细分析了“全景山水”的构图特点，以及“皴法”的丰富运用，是如何表现出山水的壮丽与层次感。他对范宽、郭熙、李唐等山水画大家的作品进行了解析，并阐述了宋代绘画如何体现了“天人合一”的哲学思想。 而元代绘画，作者则着重于“文人画”的兴起及其对中国画发展的影响。他对赵孟頫、黄公望、吴镇、王蒙等“元四家”的艺术风格进行了深入的分析，并探讨了文人画如何追求“逸笔草草”，以及其背后所蕴含的士大夫阶层的精神世界。 明清时期，中国画进入了一个新的发展阶段，作者在这部分的论述也同样精彩。他分析了明代“吴门画派”和“浙派”的特点，以及清代“扬州八怪”的创新精神，并探讨了晚明时期版画的兴起对绘画发展的影响。 总而言之，《中国画学全史》是一本集学术性、思想性和艺术性于一体的杰作。它不仅为我提供了一个系统学习中国画的框架，更重要的是，它让我能够以更深的层次去理解和欣赏中国画的艺术魅力。
评分一直以来，我都对中国画的意境之美深深着迷，但总觉得隔靴搔痒，无法真正领略其精髓。《中国画学全史》这本书，就像一位循循善诱的老师，带领我一步步走近中国画的灵魂深处。它以史为鉴，以画为证，将中国画数千年的发展历程，如同一幅徐徐展开的画卷，展现在我面前。 书中对中国画早期形态的梳理，让我对中国画的起源有了全新的认识。作者并非简单地罗列岩画、陶器纹饰，而是深入分析了这些早期艺术形式中所蕴含的symbolic language（象征语言）和 early aesthetics（早期审美）。他通过对线条、图形的演变轨迹的追踪，展现了中国画最原始的生命力是如何在实用器物中孕育、生长的，让我看到了中国画的根基是多么深厚。 在论述汉代绘画时，作者对画像石、画像砖的解读尤为精彩。他详细介绍了汉代绘画的题材、风格和技法，并深入探讨了这些作品与当时社会生活、哲学思想、以及宗教信仰之间的密切联系。我尤其对作者关于汉代绘画“以形写意”的初步探索的论述印象深刻，那种质朴而充满生命力的线条，以及对人物神态的刻画，都展现了那个时代的艺术特色。 魏晋南北朝时期是中国画发展的一个重要转折点，作者在这部分的论述也极其扎实。他详细分析了“玄学”思潮对绘画的影响，以及“以形写神”的艺术理念是如何逐渐形成并成为当时绘画的主流。他对顾恺之、陆探微、张僧繇等早期绘画大师的介绍，以及他们对线条、色彩、构图的创新，都进行了深入的分析，让我更深刻地理解了那个时代画家如何通过对人物神态、气质的刻画，来传达内在的精神世界。 唐代是中国画的鼎盛时期，作者在这部分的论述更是洋洋洒洒，气势磅礴。他详细介绍了唐代绘画在人物、山水、花鸟等各方面的辉煌成就，并深入分析了唐代绘画的辉煌成就与当时强盛的国力、开放的文化氛围之间的密切联系。对吴道子“吴带当风”的技法解析，以及盛唐时期色彩的华丽与浑厚，都让我感受到了那个时代的艺术自信。 宋代是中国山水画发展的黄金时期，作者在这部分的论述也极其精妙。他详细分析了宋代山水画如何从“全景山水”发展到“截取式山水”，以及“皴法”的丰富运用如何赋予山水无穷的生命力。他对范宽《溪山行旅图》、郭熙《早春图》等作品的解读，让我更能体会到宋代画家对自然观察的细致和对意境表达的追求。 元代是中国画从唐宋的写实走向文人画的转折期，作者对这一时期的论述也颇具深度。他详细分析了赵孟頫、黄公望等“元四家”的艺术风格，以及文人画如何强调“逸笔草草”，追求书画一体的境界。他对文人画背后所蕴含的士大夫阶层的精神世界，有了更深的理解。 明清时期，中国画在继承前代的基础上，又展现出新的发展。作者对明代“吴门画派”、“浙派”以及清代“扬州八怪”的分析，让我看到了不同地域、不同画家如何在继承传统的同时，融入自己的个性和创造。 总而言之，《中国画学全史》是一本让我受益匪浅的著作。它不仅系统地梳理了中国画的发展脉络，更重要的是，它让我能够以一种更深刻、更全面的视角去理解和欣赏中国画的独特魅力。
评分在我看来，一本好的艺术史书籍，不应该仅仅是知识的堆砌，更应该是一种能够引导读者进入艺术世界的“钥匙”。《中国画学全史》无疑就扮演了这样的角色。它不仅以极为扎实的学术功底，勾勒出了中国画数千年的发展轨迹，更以其充满人文关怀的笔触，让冰冷的史实焕发出鲜活的生命力。 本书对中国画早期形态的挖掘，令我印象深刻。作者并非简单地列举岩画、陶器纹饰，而是深入分析了这些早期艺术形式中所蕴含的symbolic meaning（象征意义）和 primitive aesthetics（原始审美）。他通过对线条、图形的演变轨迹的追踪，展现了中国画最原始的生命力是如何在实用器物中孕育、生长的，让我看到了中国画的根基是多么深厚。 在论述汉代绘画时，作者对画像石、画像砖的解读尤其精彩。他详细介绍了汉代绘画的题材、风格和技法，并深入探讨了这些作品与当时社会生活、哲学思想、以及宗教信仰之间的密切联系。我尤其对作者关于汉代绘画“以形写意”的初步探索的论述印象深刻，那种质朴而充满生命力的线条，以及对人物神态的刻画，都展现了那个时代的艺术特色。 魏晋南北朝时期是中国画发展的一个重要转折点，作者在这部分的论述也极其扎实。他详细分析了“玄学”思潮对绘画的影响，以及“以形写神”的艺术理念是如何逐渐形成并成为当时绘画的主流。他对顾恺之、陆探微、张僧繇等早期绘画大师的介绍，以及他们对线条、色彩、构图的创新，都进行了深入的分析，让我更深刻地理解了那个时代画家如何通过对人物神态、气质的刻画，来传达内在的精神世界。 唐代是中国画的鼎盛时期，作者在这部分的论述更是洋洋洒洒，气势磅礴。他详细介绍了唐代绘画在人物、山水、花鸟等各方面的辉煌成就，并深入分析了唐代绘画的辉煌成就与当时强盛的国力、开放的文化氛围之间的密切联系。对吴道子“吴带当风”的技法解析，以及盛唐时期色彩的华丽与浑厚，都让我感受到了那个时代的艺术自信。 宋代是中国山水画发展的黄金时期，作者在这部分的论述也极其精妙。他详细分析了宋代山水画如何从“全景山水”发展到“截取式山水”，以及“皴法”的丰富运用如何赋予山水无穷的生命力。他对范宽《溪山行旅图》、郭熙《早春图》等作品的解读，让我更能体会到宋代画家对自然观察的细致和对意境表达的追求。 元代是中国画从唐宋的写实走向文人画的转折期，作者对这一时期的论述也颇具深度。他详细分析了赵孟頫、黄公望等“元四家”的艺术风格，以及文人画如何强调“逸笔草草”，追求书画一体的境界。他对文人画背后所蕴含的士大夫阶层的精神世界，有了更深的理解。 明清时期，中国画在继承前代的基础上，又展现出新的发展。作者对明代“吴门画派”、“浙派”以及清代“扬州八怪”的分析，让我看到了不同地域、不同画家如何在继承传统的同时，融入自己的个性和创造。 总而言之，《中国画学全史》是一本让我受益匪浅的著作。它不仅系统地梳理了中国画的发展脉络，更重要的是，它让我能够以一种更深刻、更全面的视角去理解和欣赏中国画的独特魅力。
评分初次接触这本书，纯粹是因为我对中国传统艺术的热爱，尤其是在一次偶然的画展中，被一幅水墨山水深深吸引，那份淡泊致远、意境悠长的韵味，让我开始思考中国画背后更深层次的文化根基。正是带着这份探求，我找到了《中国画学全史》。这本书的内容之丰富，条理之清晰，超出了我的预期。作者以一种极其宏观的视角，从中国画的起源开始，一步步梳理了各个朝代的绘画风格、流派、代表人物及其作品，并深入探讨了其背后所反映的哲学思想、社会文化背景以及审美观念的变迁。 读完这本书，我最大的体会是，中国画不仅仅是视觉的艺术，更是思想的载体，是历史的见证。作者在论述每个时期时，都会将绘画的发展与当时的社会思潮、政治制度、经济状况紧密联系起来。比如，书中关于魏晋时期“竹林七贤”的绘画表现，不仅仅是描绘人物，更是在传达一种超脱世俗、追求自由的精神。又如，唐代国力强盛，绘画风格也显得雄浑大气，题材也更加广泛，从人物到山水，都展现出一种恢弘的气象。 这本书的叙述方式也非常引人入胜。作者并非流水账式地罗列史料，而是善于运用生动的语言，将抽象的艺术概念具象化。他对笔墨技巧的描述，比如“飞白”、“皴法”的运用，不仅阐述了其技法上的要点，更深入分析了这些技巧如何服务于画作的意境表达。例如，在讲解宋代山水画对“留白”的运用时，作者将其比作音乐中的休止符，指出那不是空白，而是为了营造更深远的意境，让观者在想象中完成画作的延伸。 书中对不同画派和名家的评价，也充满了独到的见解。作者并不盲目推崇某一家，而是能够根据历史的发展和艺术的规律，客观地评价每一位艺术家的贡献与局限。他对于元代“四大家”的分析，既肯定了他们承前启后、开创一代风气的作用，也指出了他们之间各自的艺术特色和时代印记，让我对他们的作品有了更清晰的认识。 而且，本书最大的优点之一在于其对中国画“精神性”的深刻挖掘。作者认为，中国画不仅仅追求形似，更重要的是表达“神韵”和“气韵”。他通过分析古代画家如何通过笔墨的浓淡、虚实，以及构图的疏密、虚实来表现自然万物的生命力和内在精神，让我明白了为何许多中国画作虽寥寥数笔，却能意蕴无穷。 另外，我特别欣赏书中对中国画“文人画”的深入剖析。作者阐述了文人画的兴起，以及诗、书、画、印四者合一的理念，并探讨了文人画如何体现了中国士大夫阶层的审美情趣和人生哲学。他对“逸笔草草”的理解，以及如何通过简练的笔墨来表达超脱的心境，都让我对中国画的文化内涵有了更深的理解。 这本书的版式设计也十分用心，大量的高清彩图穿插其中，与文字相得益彰，极大地提升了阅读体验。每当读到某个艺术家或某个画派的介绍，书中立刻配以相应的代表作品，这使得理论与实践完美结合，让抽象的文字瞬间变得生动具象。 总的来说，这是一本非常全面的中国画史著作，它不仅适合艺术史专业的学生，也适合所有对中国画有兴趣的普通读者。它填补了我对中国画学知识体系的许多空白，让我对中国画的理解上升到了一个新的高度。 这本书的内容厚重，但作者的叙述却并不枯燥，他善于在严谨的学术论证中穿插一些有趣的典故和轶事，让阅读过程充满了趣味性。比如，在讲到某位画家与友人交往的故事时，那种古代文人的风雅与情趣跃然纸上，让人仿佛置身于那个时代。 我最看重的是，这本书并没有停留在对古代画作的简单梳理，而是延伸到了近现代中国画的转型与发展，分析了西方绘画思潮对中国画的影响，以及中国画家如何在传承与创新中寻找新的出路。这使得这本书具有了历史的连续性和现实的意义，也让我对中国画的未来有了更多的思考。
评分每当我在阅读《中国画学全史》时，总会有一种置身于历史长河中的感觉。这本书并非简单地罗列历代名家和作品，而是以一种史诗般的叙事，将中国画的发展历程娓娓道来。作者的学识渊博，见解深刻，他能够将晦涩的艺术理论与生动的历史事实巧妙地结合，让读者在欣赏艺术的同时，也能领略到中国文化的博大精深。 初读此书，我便被其宏大的历史视野所震撼。作者从中国画的起源说起，一直追溯到史前时期的岩画、陶器纹饰，再到商周青铜器上的图案，细致地展现了中国画最初的萌芽和早期形态。他对这些早期艺术形式的解读，并非仅仅停留在表面，而是深入挖掘了其中蕴含的symbolic meaning（象征意义）和早期审美观念，让我看到了中国画在漫长的历史进程中，是如何逐渐孕育、发展起来的。 在论述汉代绘画时，作者对画像石、画像砖的分析尤为精彩。他详细介绍了汉代绘画的题材、风格和技法，并深入探讨了这些作品与当时社会生活、哲学思想、以及宗教信仰之间的密切联系。我尤其对作者关于汉代绘画“以形写意”的初步探索的论述印象深刻，那种质朴而充满生命力的线条，以及对人物神态的刻画，都展现了那个时代的艺术特色。 魏晋南北朝时期是中国画发展的一个重要转折点，作者在这部分的论述也极其扎实。他详细分析了“玄学”思潮对绘画的影响，以及“以形写神”的艺术理念是如何逐渐形成并成为当时绘画的主流。他对顾恺之、陆探微、张僧繇等早期绘画大师的介绍，以及他们对线条、色彩、构图的创新，都进行了深入的分析，让我更深刻地理解了那个时代画家如何通过对人物神态、气质的刻画，来传达内在的精神世界。 唐代是中国画的鼎盛时期，作者在这部分的论述更是洋洋洒洒，气势磅礴。他详细介绍了唐代绘画在人物、山水、花鸟等各方面的辉煌成就，并深入分析了唐代绘画的辉煌成就与当时强盛的国力、开放的文化氛围之间的密切联系。对吴道子“吴带当风”的技法解析，以及盛唐时期色彩的华丽与浑厚，都让我感受到了那个时代的艺术自信。 宋代是中国山水画发展的黄金时期，作者在这部分的论述也极其精妙。他详细分析了宋代山水画如何从“全景山水”发展到“截取式山水”，以及“皴法”的丰富运用如何赋予山水无穷的生命力。他对范宽《溪山行旅图》、郭熙《早春图》等作品的解读，让我更能体会到宋代画家对自然观察的细致和对意境表达的追求。 元代是中国画从唐宋的写实走向文人画的转折期，作者对这一时期的论述也颇具深度。他详细分析了赵孟頫、黄公望等“元四家”的艺术风格，以及文人画如何强调“逸笔草草”，追求书画一体的境界。他对文人画背后所蕴含的士大夫阶层的精神世界，有了更深的理解。 明清时期，中国画在继承前代的基础上，又展现出新的发展。作者对明代“吴门画派”、“浙派”以及清代“扬州八怪”的分析，让我看到了不同地域、不同画家如何在继承传统的同时，融入自己的个性和创造。 总而言之，《中国画学全史》是一本让我受益匪浅的著作。它不仅系统地梳理了中国画的发展脉络，更重要的是，它让我能够以一种更深刻、更全面的视角去理解和欣赏中国画的独特魅力。
评分每次翻开《中国画学全史》，都仿佛打开了一扇古老的卷轴，历史的画卷在眼前徐徐展开，让我得以窥见中国画千年发展的壮丽景象。这本书的价值，绝不仅仅在于它详实的史料和严谨的考证，更在于作者以一种充满生命力的笔触，将那些已经沉寂的艺术形式、已经消逝的时代精神，重新唤醒。它让我明白，中国画并非一成不变的传统，而是一个不断演变、不断创新、不断与时代对话的鲜活生命体。 这本书对中国画早期形态的探讨，让我耳目一新。作者并没有满足于简单的描述，而是深入挖掘了史前岩画、陶器纹饰中的符号语言，以及商周青铜器上的图案化表现，如何折射出当时人们对自然、对神灵的认知与崇拜。他对线条、图形的演变规律进行了细致的分析，让我看到了中国画最早的胚芽是如何在实用性的器物纹饰中孕育、生长的。 在论述汉代绘画时，作者对画像石、画像砖的解读尤其精彩。他不仅仅是在介绍这些作品的题材，更是在剖析它们所传达的社会功能和文化意义。无论是描绘历史故事、神话传说，还是表现日常生活、宴饮场面，都展现了那个时代独特的艺术风格和精神气质。作者对汉代绘画“以形写意”的初步探索，以及那种朴拙而富有生命力的线条，都给我留下了深刻的印象。 魏晋南北朝时期是中国画发展的关键时期，作者在这一部分的论述也极其扎实。他详细分析了“玄学”思潮对绘画的影响，以及“以形写神”的艺术理念如何成为当时绘画的主流。我对顾恺之《洛神赋图》等经典作品的解读，让我更深刻地理解了那个时代画家如何通过对人物神态、气质的刻画，来传达内在的精神世界。 唐代是中国画的黄金时代，作者对这一时期的论述更是洋洋洒洒，气势磅礴。他详细介绍了唐代绘画在人物、山水、花鸟等各方面的成就，并深入分析了唐代绘画的辉煌成就与当时强盛的国力、开放的文化氛围之间的密切联系。对吴道子“吴带当风”的技法解析，以及盛唐时期色彩的华丽与浑厚，都让我感受到了那个时代的艺术自信。 宋代是中国山水画发展的巅峰，作者在这部分的论述也极其精妙。他详细分析了宋代山水画如何从“全景山水”发展到“截取式山水”，以及“皴法”的丰富运用如何赋予山水无穷的生命力。他对范宽《溪山行旅图》、郭熙《早春图》等作品的解读，让我更能体会到宋代画家对自然观察的细致和对意境表达的追求。 元代是中国画从唐宋的写实走向文人画的转折期，作者对这一时期的论述也颇具深度。他详细分析了赵孟頫、黄公望等“元四家”的艺术风格，以及文人画如何强调“逸笔草草”，追求书画一体的境界。我对文人画背后所蕴含的士大夫阶层的精神世界，有了更深的理解。 明清时期，中国画在继承前代的基础上，又展现出新的发展。作者对明代“吴门画派”、“浙派”以及清代“扬州八怪”的分析，让我看到了不同地域、不同画家如何在继承传统的同时，融入自己的个性和创造。 总而言之，《中国画学全史》是一本让我受益匪浅的著作。它不仅系统地梳理了中国画的发展脉络，更重要的是，它让我能够以一种更深刻、更全面的视角去理解和欣赏中国画的独特魅力。
评分我一直认为，了解一门艺术，首先要了解它的历史。而《中国画学全史》这本书，恰恰提供了这样一个绝佳的视角。它并非一本简单的图录，也不是一本枯燥的学术专著，而是一部充满生命力的中国画史诗。作者以其深厚的学养和敏锐的洞察力，为我勾勒出了中国画从萌芽到繁荣，再到不断演变的完整图景。 书中对中国画早期形态的梳理，让我对中国画的起源有了全新的认识。作者并没有满足于对岩画、陶器纹饰的简单介绍，而是深入分析了这些早期艺术形式中所蕴含的 symbolics（象征意义）和 primitive aesthetics（原始审美）。他通过对线条、图形的演变轨迹的追踪，展现了中国画最原始的生命力是如何在实用器物中孕育、生长的。 在论述汉代绘画时，作者对画像石、画像砖的解读尤其精彩。他详细介绍了汉代绘画的题材、风格和技法，并深入探讨了这些作品与当时社会生活、哲学思想、以及宗教信仰之间的密切联系。我尤其对作者关于汉代绘画“以形写意”的初步探索的论述印象深刻，那种质朴而充满生命力的线条，以及对人物神态的刻画，都展现了那个时代的艺术特色。 魏晋南北朝时期是中国画发展的一个重要转折点，作者在这部分的论述也极其扎实。他详细分析了“玄学”思潮对绘画的影响，以及“以形写神”的艺术理念是如何逐渐形成并成为当时绘画的主流。他对顾恺之、陆探微、张僧繇等早期绘画大师的介绍，以及他们对线条、色彩、构图的创新，都进行了深入的分析，让我更深刻地理解了那个时代画家如何通过对人物神态、气质的刻画，来传达内在的精神世界。 唐代是中国画的鼎盛时期，作者在这部分的论述更是洋洋洒洒，气势磅礴。他详细介绍了唐代绘画在人物、山水、花鸟等各方面的辉煌成就，并深入分析了唐代绘画的辉煌成就与当时强盛的国力、开放的文化氛围之间的密切联系。对吴道子“吴带当风”的技法解析，以及盛唐时期色彩的华丽与浑厚，都让我感受到了那个时代的艺术自信。 宋代是中国山水画发展的黄金时期，作者在这部分的论述也极其精妙。他详细分析了宋代山水画如何从“全景山水”发展到“截取式山水”，以及“皴法”的丰富运用如何赋予山水无穷的生命力。他对范宽《溪山行旅图》、郭熙《早春图》等作品的解读，让我更能体会到宋代画家对自然观察的细致和对意境表达的追求。 元代是中国画从唐宋的写实走向文人画的转折期，作者对这一时期的论述也颇具深度。他详细分析了赵孟頫、黄公望等“元四家”的艺术风格，以及文人画如何强调“逸笔草草”，追求书画一体的境界。他对文人画背后所蕴含的士大夫阶层的精神世界，有了更深的理解。 明清时期，中国画在继承前代的基础上，又展现出新的发展。作者对明代“吴门画派”、“浙派”以及清代“扬州八怪”的分析，让我看到了不同地域、不同画家如何在继承传统的同时，融入自己的个性和创造。 总而言之，《中国画学全史》是一本让我受益匪浅的著作。它不仅系统地梳理了中国画的发展脉络，更重要的是，它让我能够以一种更深刻、更全面的视角去理解和欣赏中国画的独特魅力。
评分我一直对中国画抱有浓厚的兴趣，但总觉得自己的知识体系不够系统。偶然的机会，我发现了《中国画学全史》这本书，它的书名就足以吸引我，让我看到了系统学习中国画的希望。读完后，我深感庆幸，这本书确实为我打开了一扇通往中国画艺术殿堂的大门。 书的开篇，作者就将我们带回了遥远的史前时代，从岩画、陶器纹饰中发掘中国画的最初基因。他没有简单地罗列，而是深入分析了这些早期艺术形式中的symbolic language（象征语言）和 early aesthetics（早期审美），让我看到了中国画是如何在漫长的岁月中，从实用走向艺术，从具象走向写意的。 在论述汉代绘画时，作者对画像石、画像砖的解读尤为精彩。他详细介绍了汉代绘画的题材、风格和技法，并深入探讨了这些作品与当时社会生活、哲学思想、以及宗教信仰之间的密切联系。我尤其对作者关于汉代绘画“以形写意”的初步探索的论述印象深刻，那种质朴而充满生命力的线条，以及对人物神态的刻画，都展现了那个时代的艺术特色。 魏晋南北朝时期是中国画发展的一个重要转折点，作者在这部分的论述也极其扎实。他详细分析了“玄学”思潮对绘画的影响，以及“以形写神”的艺术理念是如何逐渐形成并成为当时绘画的主流。他对顾恺之、陆探微、张僧繇等早期绘画大师的介绍，以及他们对线条、色彩、构图的创新，都进行了深入的分析，让我更深刻地理解了那个时代画家如何通过对人物神态、气质的刻画，来传达内在的精神世界。 唐代是中国画的鼎盛时期，作者在这部分的论述更是洋洋洒洒，气势磅礴。他详细介绍了唐代绘画在人物、山水、花鸟等各方面的辉煌成就，并深入分析了唐代绘画的辉煌成就与当时强盛的国力、开放的文化氛围之间的密切联系。对吴道子“吴带当风”的技法解析，以及盛唐时期色彩的华丽与浑厚，都让我感受到了那个时代的艺术自信。 宋代是中国山水画发展的黄金时期，作者在这部分的论述也极其精妙。他详细分析了宋代山水画如何从“全景山水”发展到“截取式山水”，以及“皴法”的丰富运用如何赋予山水无穷的生命力。他对范宽《溪山行旅图》、郭熙《早春图》等作品的解读，让我更能体会到宋代画家对自然观察的细致和对意境表达的追求。 元代是中国画从唐宋的写实走向文人画的转折期，作者对这一时期的论述也颇具深度。他详细分析了赵孟頫、黄公望等“元四家”的艺术风格，以及文人画如何强调“逸笔草草”，追求书画一体的境界。他对文人画背后所蕴含的士大夫阶层的精神世界，有了更深的理解。 明清时期，中国画在继承前代的基础上，又展现出新的发展。作者对明代“吴门画派”、“浙派”以及清代“扬州八怪”的分析，让我看到了不同地域、不同画家如何在继承传统的同时，融入自己的个性和创造。 总而言之，《中国画学全史》是一本让我受益匪浅的著作。它不仅系统地梳理了中国画的发展脉络，更重要的是，它让我能够以一种更深刻、更全面的视角去理解和欣赏中国画的独特魅力。
评分就郑午昌他的搜集广博没法令人不佩服，但我毕竟缺少了档案员式的耐心，结果就只是胡看一气，就像两年前在中国画史课上乱听一通，除了记得几个人物名，再没有更多长进。
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评分分期理论值得探讨。若当做类型，更为妥当。
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