作曲技法的演进 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:人民音乐出版社

作者:(日)属启成

出品人:

页数:360

译者:陈文甲

出版时间:1992.9

价格:9.30

装帧:

isbn号码:9787103011034

丛书系列:

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《音域边界的探索：20世纪中叶西方音乐的声响革命》 导言：时代的碎片与声音的重构 本书聚焦于二十世纪中叶，一个西方音乐传统经历剧烈动荡与激进革新的时期。在两次世界大战的巨大阴影下，以及技术飞速发展的时代背景中，传统的和声语言、音高组织方式乃至音乐的本体论都遭受了前所未有的质疑与挑战。作曲家们不再满足于继承贝多芬或德彪西所建立的框架，他们渴望撕裂既有的美学藩篱，探寻音乐表达的全新可能性。 本书将深度剖析这一时期最具代表性的几大思潮——序列主义的全面展开、偶然音乐的哲学反思、电子音乐的实验拓荒，以及对非西方音乐元素的借鉴与吸收。我们试图描绘一幅复杂而精妙的声响地图，其核心关乎边界的消弭与重塑：调性与无调性的对立如何演变为十二音体系的精细化控制，继而被更宏大的结构逻辑所取代；音乐的“确定性”与“随机性”之间如何拉扯出新的创作张力；以及声音本身，作为一种纯粹的物理实体，如何从依附于旋律和和声的次要地位中解放出来。 第一章：序列主义的理性之巅与理性之危 二战结束后，德累斯顿的废墟中，一种对绝对秩序的渴望催生了“全面序列化”（Total Serialism）的浪潮。勋伯格创立的十二音技法，原本旨在解决无调性中的结构松散问题，但在达姆施塔特夏季课程的催化下，它被推向了一个前所未有的逻辑极端。 本章首先回顾了韦伯恩的遗产如何成为新一代作曲家的精神图腾。他那凝练、节制且注重音色组织（Klangfarbenmelodie）的音乐，被视为通往未来之门的钥匙。随后，我们将聚焦于布列兹（Pierre Boulez）和施托克豪森（Karlheinz Stockhausen）的早期作品。 布列兹的《结构》（Structures）系列是全面序列化的典范之作。他不仅将音高组织纳入序列，更对音值、力度、演奏法（如颤音的密度、拨弦的位置）都进行了数学化的预先设定。我们详细分析了《结构 I》中那近乎冰冷的几何美学，它试图通过彻底的理性规划，来消除作曲家个人主观情感的干预，从而达成一种“客观的必然性”。 然而，这种极致的理性也暴露了其内在的局限性。对复杂序列的精确演奏在物理上几乎不可能实现，这反而为偶然性埋下了伏笔。本章将探讨，这种对绝对控制的追求，最终是如何被证明是一种不可能的任务，并促使部分作曲家转向下一个阶段的探索。 第二章：偶然性的崛起：约翰·凯奇与音乐的开放性 与序列主义对绝对秩序的迷恋形成鲜明对比的是，约翰·凯奇（John Cage）及其追随者对“偶然性”（Indeterminacy）的激进拥抱。凯奇质疑的不仅是西方音乐的传统，更是音乐作为一种“人工制品”的本质。 本章深入剖析了凯奇对东方哲学，尤其是禅宗思想的吸收。他不再将音乐视为作曲家意图的表达，而是视为环境声音的自然呈现。核心案例分析集中在《4’33”》。我们不仅考察了它在音乐史上的颠覆性地位——迫使听众重新定义“声音”与“沉默”——更重要的是，分析了它如何成功地将听觉体验从预设的结构中解放出来，回归到当下瞬间的开放性。 此外，我们还探讨了其他形式的偶然性操作，例如对乐谱指令的模糊处理，允许演奏者在特定参数内进行即兴发挥。这种方法挑战了作曲家权威，将听众和演奏者拉入了共同的创作场域，极大地拓展了音乐的“作品性”（Work Concept）。 第三章：电子声场的拓荒：从磁带拼贴到合成器的诞生 二十世纪中叶是声音技术取得突破性进展的时期。电子音乐的出现，使得作曲家能够以前所未有的方式捕捉、塑形和创造声音，彻底摆脱了传统乐器发声原理的束缚。 本章分为两个主要部分。首先，关注欧洲的“电子音乐工作室”（如科隆的WDR工作室）。我们分析了埃德加·瓦雷兹（Edgar Varèse）对纯粹声音组织的执着，以及他如何利用磁带录音机实现对声音的“雕塑”。这一阶段的特点是声音的颗粒感和对噪音的审美接纳。 其次，本书详细考察了彼得·施阿弗（Peter Schatfner）等人在美国皮埃尔·布雷（Pierre Schaeffer）的“具体音乐”（Musique concrète）理论基础上所做的努力。具体音乐将现实世界中采集的声音（环境音、人声、机械声）作为素材，通过剪切、反向播放、变速等手法进行拼贴，构建出全新的听觉景观。我们对比了早期电子音乐中对正弦波的纯粹合成与具体音乐对可识别声音的陌生化处理，揭示了两种技术流派背后的美学差异。 第四章：光谱学与微音程的回归 随着对传统音高系统的疏离，一部分作曲家转向了对声音“物质性”的更深层次探究。他们开始超越十二平均律的限制，重新关注音高之间的细微差异——微音程，以及声音在频率和泛音结构上的复杂性，即“光谱学”（Spectralism）的萌芽。 虽然严格意义上的“光谱音乐”在七十年代后才成熟，但其思想根源可以追溯到这一时期。本章关注了扬尼斯·克塞纳基斯（Iannis Xenakis）的随机音乐与概率理论。克塞纳基斯将建筑学、概率论和物理学引入音乐创作，他不再关注单个音符，而是关注“声音的云团”（Clouds of Sound）。我们分析了他的“随机音乐”如何通过玻尔兹曼分布等数学模型，组织大规模的音组，形成密不透风的音响织体，这本质上是对特定频率能量分布的声学模拟。 此外，我们还讨论了对东方五声音阶、非西方打击乐体系的引入，这些元素为西方作曲家提供了逃离主调和声惯性的新的“语法”结构。 结论：未来的回响 二十世纪中叶的音乐实验绝非一次性的激进爆炸，而是西方文化在现代性压力下，对自身表达能力进行全面“压力测试”的过程。从绝对的序列控制到完全的偶然开放，从磁带的剪刀声到计算机的波形生成，这一时期的作曲家们以近乎学术研究的热忱，系统地探索了音乐理论的每一个可能的支点。他们的成果不仅重塑了音乐的创作方法，更深刻地改变了我们对“什么是音乐”的根本认知。这本书试图梳理这些看似零散的实验，展示它们如何共同汇聚成一股强大的、不可逆转的声响革命洪流，为我们今天的听觉世界奠定了基础。

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这本书简直是音乐理论的宝库，我最近刚啃完它的大部分内容，感觉对巴赫那个时代的对位法有了全新的认识。尤其是对赋格曲的结构分析，作者没有停留在枯燥的规则罗列上，而是通过大量生动的实例，比如布赫斯特胡德（Buxtehude）的作品片段，深入剖析了主题的呈示、展开和辉煌的再现。我记得有一个章节专门讲了“弱化连接”（Weak Linkage）在赋格声部交织中的作用，这一点过去在很多教材里都是一笔带过，但在这里却被提升到了核心地位。作者的论述逻辑非常清晰，像是在带领读者一步步解开一个复杂的数学谜题，但语言又不失音乐家的浪漫情怀。读完之后，我回去听贝多芬的晚期弦乐四重奏时，那种结构上的精妙感扑面而来，仿佛突然被授予了一双能够看透音符背后骨架的眼睛。这本书的排版也很考究，谱例清晰，标注准确，对于那些真正想沉下心来研究作曲技法的人来说，绝对是案头必备的工具书，它不是用来随便翻翻的，而是需要反复咀嚼的。

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说实话，这本书的某些章节简直是为我量身定做的，尤其是在和声进行方面。我一直对浪漫主义后期那种“模糊”的调性处理很感兴趣，但总觉得找不到一个合适的理论框架来解释。这本书里对瓦格纳的和弦进行，特别是特里斯坦和弦的那个讨论，简直是惊为天人！作者并没有用那种老掉牙的和声功能理论去硬套，而是从音响色彩和情感张力的角度去解读，指出那是一种“悬而未决的渴望”在音响上的投射。这种跨领域的解读方式让我茅塞顿开，它把和声从纯粹的数学游戏提升到了心理学层面。读到那里的时候，我不得不放下笔，把相关的歌剧片段找出来反复听，那种体验非常震撼。再有，书中对印象派音乐的和声运用也多有涉猎，比如德彪西对全音阶和五声音阶的创新性使用，作者没有仅仅停留在音阶的罗列上，而是探讨了它们如何服务于“光影”和“氛围”的营造，非常具有启发性。

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这本书的学术深度毋庸置疑，但最让我感到欣慰的是它对待“创作过程”的态度。它不像有些理论著作那样高高在上，只讨论完成的作品，而是非常关注“如何开始”和“如何发展”。书中关于“动机发展”（Motive Development）的章节，提供了一系列行之有效的方法论，比如“分解-重组”、“音高拉伸”和“节奏置换”。作者强调，好的音乐材料本身就蕴含着它自己的发展方向，作曲家需要做的，是像一个园丁一样，耐心地引导和修剪。这种强调“内在驱动力”的观点，极大地缓解了我创作时那种面对空白纸张的焦虑感。它教会我，技法不是束缚，而是通往表达的阶梯。读完后，我不再害怕那些复杂的结构问题，反而觉得它们是丰富作品层次的工具，而不是必须跨越的障碍。这本书对提升实际创作的自信心，有着不可替代的帮助。

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这本书的叙事风格极其平实，几乎没有华丽的辞藻，但正是这种克制的表达方式，让专业性显得更加厚重。我特别欣赏作者在处理20世纪早期音乐，比如荀伯格十二音体系时的那种严谨态度。他没有简单地将十二音体系描绘成一种对传统的颠覆，而是深入探讨了它是如何作为对晚期浪漫主义“功能和声过度膨胀”的一种结构性回应而诞生的。书中对“序列的变形”和“旋转”的讲解，配合图示说明，即便是初次接触序列作曲的人也能理解其内在逻辑。我印象最深的是关于“音高类集合”（Pitch Class Sets）的讨论，它清晰地展示了如何用数学的方式来构建音乐材料，这对于我正在尝试的电子音乐创作来说，提供了极具操作性的指导。这本书的厉害之处在于，它能让你在理解高度抽象的理论之后，立刻回到具体的音乐作品中去寻找印证，架起了理论与实践之间坚实的桥梁。

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我得说，这本书的视野相当开阔，它不局限于欧洲古典音乐的“正典”。我非常惊喜地发现，其中有一大块篇幅竟然详细分析了爵士乐中和声的演变，特别是比波普（Bebop）时期对延伸音（Extensions）和替代和弦（Altered Chords）的运用。作者居然能把古典对位法的思维框架，巧妙地嫁接到查理·帕克（Charlie Parker）的即兴旋律分析中去，这种跨界的融合让我对“作曲技法”的理解一下子拓宽了不止一倍。书中对巴勃罗·德·塞拉诺（Pablo de Serrano）的乐段分析，虽然我对他不太熟悉，但作者通过分析其节奏的错位和声部的独立性，展示了非传统复调思维的魅力。这种不拘一格的态度，让这本书读起来完全没有沉闷感，每一次翻页都像是在探索一个全新的音乐疆域。对于希望将不同音乐语汇融会贯通的音乐人来说，这本书提供的参照系是极其宝贵的。

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总结各个时期的作曲技法，很过瘾，就是看到最后一页的时候我感觉少了300页，好像没有写完的样子

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真解惑⋯⋯

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总结各个时期的作曲技法，很过瘾，就是看到最后一页的时候我感觉少了300页，好像没有写完的样子