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出版者:后浪丨四川文艺出版社

作者:[美] 林肯·柯尔斯坦

出品人:

页数:256

译者:赵国纬

出版时间:2019-1

价格:138.00元

装帧:精装

isbn号码:9787541151729

丛书系列:

图书标签:

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《古典芭蕾：基本技巧和术语》是一部旨在深入浅出地解析古典芭蕾精髓的著作，它并非是一本枯燥的理论汇编，而是一份献给所有渴望理解、欣赏乃至投身于这门古老而迷人艺术的读者的诚意之作。本书的诞生，源于对古典芭蕾教育体系长期以来在普及和深化方面的审视，以及对那些在学习过程中常常感到困惑的初学者和爱好者们的关怀。我们深知，许多人对芭蕾怀有浓厚兴趣，却往往受限于对其基本构成元素的陌生感，诸如那些优雅而复杂的法语术语，以及背后所蕴含的严谨身体训练原则。因此，《古典芭蕾：基本技巧和术语》将尝试弥合这一鸿沟，用清晰、准确、富含人文关怀的语言，带领读者一步步走进古典芭蕾的殿堂。 本书的内容编排，力求循序渐进，逻辑清晰。我们不会一开始就抛出令人望而生畏的专业术语，而是从最基础的身体姿态入手。在第一部分，我们将详细介绍芭蕾最核心的“五种基本脚位”和“五种基本手位”。这些看似简单的摆放，却是所有后续舞步和动作的基石。我们将用文字配合大量的示意图，清晰地阐释每个脚位和手位应有的线条、角度以及肌肉的收紧与放松。例如，在讲解第一脚位时，我们将强调脚跟的并拢、脚尖的向外打开程度，以及这对于身体重心的稳定所起到的关键作用。同样，对于手位，我们将区分“一指”、“二指”等不同形态，并说明其在表达情感和连接身体动作时的微妙之处。 紧接着，本书将深入到芭蕾的基本站姿和重心转移。在站姿部分，我们将讲解“基本站姿”（即“第五位”或“第一位”站立时身体的垂直线、重心均匀分布等要求），以及如何通过收紧腹部、挺直脊柱来建立正确的身体“向上感”。重心转移是芭蕾动作的灵魂，我们将详细解析“重心前移”、“重心后移”、“重心旁移”等概念，并结合简单的练习，让读者体会到身体如何在保持平衡的同时，实现平滑而富有弹性的动作转换。例如，在讲解“pirouette”（原地转）的准备动作时，我们将强调如何找到“轴心”，以及如何在转动过程中保持身体的稳定和线条的流畅。 进入身体的各个部位训练，我们将从“plies”（下蹲）和“relevés”（提踵）开始。这是学习任何芭蕾动作前必不可少的准备练习。“Plies”不仅仅是简单的弯曲膝盖，它涉及到身体的下沉、脊柱的伸展、以及对膝盖与脚尖方向一致性的严格要求。我们将区分“ demi-plies”（半蹲）和“grand plies”（大蹲），并说明它们各自的功能和在不同舞段中的应用。“Relevés”则教会我们如何有效地运用小腿肌肉和脚背的力量，将身体优雅地推向空中，为跳跃和平衡打下基础。本书将详细分析提踵时脚踝的绷直、重心向上提起的过程，以及落地时的缓冲技巧。 对于“battements”（踢腿）系列，我们将进行细致的分类和阐释。“Battement tendu”（擦地）是所有踢腿动作的起点，它要求脚尖从一个位置滑动到另一个位置，同时保持脚的绷直和身体的稳定。“Battement jeté”（小踢腿）则是在擦地的基础上，将腿向上踢起，形成一个短暂而有力的动作。“Battement fondu”（融化踢）则要求在一条腿弯曲时，另一条腿向前、向旁或向后伸展，动作如融化般流畅。“Grand battement”（大踢腿）是将腿高高踢起，要求极高的身体柔韧性和控制力。在讲解每一个“battement”时，我们都会强调动作的完整性、速度的控制以及身体各部位的协调配合。 本书还将重点介绍芭蕾中最具代表性的“port de bras”（手臂动作）。手臂的运用在芭蕾中并非只是装饰，它们是表达情感、连接身体动作、创造空间维度的重要元素。我们将从最基础的手臂位置开始，讲解手臂如何在身体前方、侧方、上方形成优美的弧线。例如，从“第一位”到“第二位”手臂的打开，再到“第五位”手臂的上举，每个动作都蕴含着丰富的身体语言。我们将分析不同“port de bras”组合的流畅性、力量感以及它们如何与脚下的动作相呼应。 对于许多初学者来说，法语术语无疑是一道难越的坎。因此，《古典芭蕾：基本技巧和术语》将贯穿始终地对关键术语进行详细的解释和标注。从最基础的“adage”（慢板）、“allegro”（快板）到复杂的“fouetté”（甩腿）、“arabesque”（阿拉贝斯克），我们将不仅仅提供词语的字面意思，更会深入解析其在实际动作中的含义和应用。例如，在讲解“fouetté”时，我们将分解其核心的甩腿和身体转动过程，并解释其在跳跃后的接续动作中的重要性。对于“arabesque”，我们将阐释不同“arabesque”（第一、第二、第三、第四）的区别，以及如何通过身体的姿态和手臂的配合，创造出如同雕塑般的美感。 除了基础的动作和术语，本书还将探讨芭蕾的“站台”（barre）和“中心”（centre）训练的区别与联系。我们将解释“barre”训练如何帮助舞者建立起扎实的支撑能力、身体的直立感以及对音乐的精准把控。而“centre”训练则是在离开把杆后，将这些技巧应用于更自由、更复杂的动作组合中，包括跳跃、旋转和连接性的组合。本书将详细介绍一些经典的“barre”练习序列，以及它们对身体的全面锻炼作用。 在跳跃（jumps）方面，我们将从最简单的“changement de pieds”（交叉脚跳）和“échappé”（分合跳）开始，逐步过渡到更具挑战性的“assemblé”（汇集跳）、“glissade”（滑步）、“jeté”（抛离跳）等。我们将深入解析每个跳跃动作的起跳、空中姿态和落地缓冲的技术要领，强调如何通过腿部和脚踝的力量，以及身体的向上推力，实现轻盈、高远的跳跃。例如，在讲解“grand jeté”（大跳）时，我们将分析其前腿的摆动、身体的腾空以及落地时的稳定性和流畅性。 对于旋转（turns）部分，我们将重点讲解“pirouette”（原地转）的多种形态，以及如何通过身体的轴心、手臂的配合和眼睛的“spotting”（甩头）技巧，实现清晰、稳定的连续旋转。我们将分析“en dehors”（向外）和“en dedans”（向内）两种旋转方向的区别，以及它们在不同舞段中的应用。 本书还将涉及一些基础的“adage”（慢板）和“allegro”（快板）的连接性组合，旨在让读者了解如何在音乐的节奏和情绪中，将各种基本技巧融会贯通，形成具有艺术表现力的舞蹈段落。例如，一个简单的“adage”组合可能包含“plies”、“battements”、“port de bras”和简单的平衡动作，而一个“allegro”组合则可能包含一系列快速的跳跃和旋转。 最后，本书还将简要探讨古典芭蕾的“艺术性”和“表现力”。虽然本书侧重于基本技巧和术语，但我们始终相信，技术的掌握是为了更好地服务于艺术的表达。我们将鼓励读者在练习基本功的同时，去感受音乐的律动，去理解动作背后的情感含义，并尝试将自己的理解融入到动作中，从而使自己的舞蹈更具生命力。 《古典芭蕾：基本技巧和术语》旨在成为一本集理论与实践于一体的参考书。我们希望它不仅能帮助那些刚刚踏入芭蕾世界的学习者建立起扎实的基础，也能为那些想要深入理解这门艺术的爱好者提供一个清晰的视角。通过这本书，我们希望能够激发更多人对古典芭蕾的热爱，并为这门古老而优雅的艺术的传承与发展贡献一份绵薄之力。

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这本书的术语解释部分，可以说是全书的精华所在，它彻底颠覆了我过去对专业词汇“死记硬背”的认知。作者并没有简单地罗列法文单词和中文翻译，而是提供了一套基于动作原理和身体力学的深度阐释。例如，对于“阿拉贝斯克”（Arabesque），它不仅仅被定义为“一位手臂伸展的姿态”，而是深入探讨了这种姿态如何体现了芭蕾对空间和线条的极致追求，解释了支撑腿的内旋如何为伸展腿的开度和高度创造了生理基础。这种将语言、身体、和艺术哲学融为一体的解释方式，让我对每一个术语的理解从“我知道它是什么”提升到了“我理解它为什么是这样”，极大地深化了我对古典芭蕾内在逻辑的洞察。当我在课堂上听到老师说出一个术语时，脑海中立刻浮现的不再是孤立的字母组合，而是完整的三维动作图景和其背后的发力机制，这使得我的学习和记忆效率得到了飞跃性的提升，真正做到了“知其然，并知其所以然”。

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从实用性的角度来看，这本书的“常见错误诊断与修正”部分，是我最常翻阅的部分，它几乎可以被视为一本实战手册。它没有采用那种高高在上的批判性语气，而是以一种非常理解和包容的口吻，列举了从初学者到中级学习者都可能遇到的几十种“小毛病”。比如，关于“开胯”的误区，书中详细图解了“假开胯”和“真开胯”的骨盆位置区别，并提供了针对性的地面拉伸练习来激活深层外旋肌群，而不是简单地要求你“用蛮力去压腿”。每一次练习完动作，我都会对照书中的“自我检查清单”，迅速定位自己可能出现的问题，并立即使用书上建议的替代性动作或力量训练来校正。这种即时的反馈闭环，极大地加速了我的技术定型过程，避免了坏习惯的固化。这本书的价值不在于它能教你学会多少高难度技巧，而在于它能让你把已经学会的每一个基础动作，都打磨得更加精准、更符合人体工程学的美感，是真正能陪伴舞者长期成长的宝贵资源。

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我必须得说，这本书的内容组织逻辑简直是教科书级别的严谨，它没有一上来就堆砌那些令人望而生畏的专业名词，而是构建了一个非常平滑的学习曲线。起初几章，作者用近乎散文诗般的语言，描绘了古典芭蕾的历史脉络和美学精神，为后续的技术讲解铺设了深厚的文化底蕴，这对于我这种并非科班出身、但对芭蕾艺术怀有深厚敬意的业余爱好者来说，简直是及时雨。接着，进入技术分解部分，讲解方式犹如一位经验丰富的老教师在私下指导，每一个基础动作，从“一位脚”到“巴拉西翁”，都被拆解得细致入微，配图的角度选择极其精准，涵盖了正侧后方等多个维度，让我能够清楚地辨识身体各部位的细微调整——比如胸腔的打开、肋骨的收拢、以及最重要的“向上延伸”的感觉，这些抽象的概念在文字和图解的结合下变得触手可及。更难能可贵的是，书中对常见错误和代偿动作的分析非常到位，直接点明了我们练习时最容易陷入的误区，这极大地提高了我的自我修正效率，让我感觉自己仿佛拥有了一位全天候待命的私人导师。

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这本书的装帧设计简直是艺术品，封面采用了哑光质感的纸张，触感温润而高级，中央烫金的“古典芭蕾”四个字在灯光下熠熠生辉，透露出一种历经时光沉淀的庄重感。内页的纸张选择也极为考究，米白色调不仅减轻了长时间阅读带来的视觉疲劳，更衬托出内部插图和文字的清晰度。我尤其欣赏它在细节处理上的用心，比如书脊的锁线装订，让我可以毫无顾虑地将书完全摊开平放在桌面上，无论是对照镜子练习还是临摹图示，都极为方便，完全没有那种新书容易合上的尴尬。排版布局上，作者和设计团队显然对读者的使用体验做了深入研究，正文的字体大小和行距恰到好处，留白的处理既保持了页面的呼吸感，又确保了信息的密集度。每当翻开它，那种油墨的清香混合着纸张的特有气味，总能瞬间将我带入一个专注、宁静的古典美学世界，让人忍不住想立刻拿起足尖鞋，沉浸其中。这种对实体书本体的重视，使得这本书不仅仅是一本教程，更像是一件值得珍藏的工艺品，每一次翻阅都成为一种享受，而非单纯的知识获取过程。

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阅读过程中，我最惊喜的发现是书中关于“音乐性与动作的契合”这一章节，这部分内容在很多技术导向的教材中常常被忽略，但它恰恰是区分“机械模仿者”和“真正舞者”的关键所在。作者没有用枯燥的节拍分析来填充篇幅，而是深入探讨了如何倾听音乐的情绪变化、旋律的走向，并将其转化为身体内部的律动和外在的线条表现。书中提到，一个完美的“格利萨德”（Glissade）不应该只是两个脚的快速滑动，而应该是对音乐短促、轻盈的“呼吸”的物理投射。这种强调内在感受和听觉反馈的教学方法，极大地拓宽了我对舞蹈艺术的理解边界。它教会我，技术是为表达服务的，每一个手臂的延伸、每一次脚尖的点地，都必须是与内心涌动的旋律产生共鸣的。这本书成功地将一项看似严苛的体育训练，提升到了对听觉艺术的深度诠释层面，让我的每一次练习都充满了音乐的灵性和诗意，而非仅仅是肌肉的重复拉伸。

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被导语伤着了 落泪 当然工具书好还是好的

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五星好评！世上最全没有第二！

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对纠正姿势再好不过了。