现代艺术：1851—1929 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:上海人民出版社

作者:[美] 理查德·布雷特尔

出品人:世纪文景

页数:298

译者:诸葛沂

出版时间:2013-1

价格:89.00元

装帧:平装

isbn号码:9787208107878

丛书系列:牛津艺术史（中文版）

图书标签:

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建筑的演变：从古典主义到现代主义的审美转型（1800-1950） 一部聚焦于建筑语言、技术革新与社会需求的恢弘史诗 本书将带领读者穿越十九世纪初至二十世纪中叶的漫长历史时期，深入剖析西方建筑领域如何经历一场深刻的结构性与美学上的蜕变。我们关注的焦点并非纯粹的艺术风格流变，而是技术、材料、社会思潮与功能需求如何共同塑造了我们今日所见的城市景观与居住空间。 第一部分：旧世界的余晖与工业革命的冲击（1800-1870） 本部分将从拿破仑战争后欧洲的重建需求和古典复兴思潮的鼎盛时期入手。我们将探讨哥特复兴运动（Gothic Revival）如何不仅仅是一种怀旧情绪，更是对工业化批量生产的道德反思，以及对民族精神的追寻。 1. 学院派的坚守与“风格之争”： 详细考察以法国美术学院（École des Beaux-Arts）为代表的古典主义教育体系，分析其对对称性、比例和历史母题的执着。重点分析约翰·罗斯金（John Ruskin）对哥特式建筑的颂扬及其对工人阶级劳动的理想化描绘，以及维奥莱-勒-杜克（Viollet-le-Duc）如何尝试用理性结构来“修复”和“完善”历史建筑，为后来的结构理性主义埋下伏笔。 2. 铁与玻璃的初啼： 工业革命带来的新材料——铸铁和熟铁——如何首次被大胆应用于公共建筑。本书将详尽分析水晶宫（The Crystal Palace, 1851）的建造过程，将其视为一个技术奇迹，一个模块化、预制化建筑理念的宣言。同时，我们将探讨早期桥梁、火车站和市场建筑中铁结构的应用，这些“基础设施”如何挑战了传统的承重墙体系和装饰母题。 3. 城市规划的宏大叙事： 聚焦于奥斯曼对巴黎的改造工程。这不仅仅是简单的街道拓宽，而是权力、卫生和交通效率的集中体现。分析这种“全景式”的城市规划理念如何影响了随后的城市设计标准，以及它在一定程度上对传统社区肌理的破坏性。 第二部分：技术成熟与新材料的融合（1870-1900） 随着钢材冶炼技术的进步和电力的普及，建筑的边界被进一步拓宽。这一时期的主题是“如何将新技术融入既有的美学框架中？” 1. 钢筋混凝土的萌芽： 介绍钢筋混凝土（Reinforced Concrete）在欧洲和美国早期的实验性应用。尽管其大规模应用要等到二十世纪初，但本部分将追溯其在基础工程、储水池和早期尝试性楼板中的出现，预示着结构自由的到来。 2. 承重体系的解放： 深入分析第一批摩天大楼在美国芝加哥的诞生。重点剖析“芝加哥学派”的核心人物，如威廉·勒巴伦·詹尼（William Le Baron Jenney）和路易斯·沙利文（Louis Sullivan）。沙利文的著名论断“形式服从功能”（Form follows function）的真正含义，以及他如何试图在新的高层结构上创造出符合美国精神的“有机”装饰。本书将辩证地看待这一论断，指出其在实践中常常被简化和误用。 3. 折衷主义的盛宴： 探讨维多利亚时代晚期至美好年代（Belle Époque）的折衷主义（Eclecticism）风格。建筑师们如何熟练地借鉴和组合历史元素——从巴洛克到文艺复兴——以满足新兴资产阶级对彰显财富和地位的需求。分析不同国家（如德国的“建筑学”概念与英美的实用主义）在处理新旧关系上的差异。 第三部分：通往现代性的多元探索（1900-1929） 二十世纪初是建筑思想最为激进和多元的时期。对历史的告别不再是审美品位的选择，而是一种哲学上的必然。 1. 艺术运动的审美决裂： 详细考察从装饰艺术（Art Nouveau）到工艺美术运动（Arts and Crafts）的过渡。尽管装饰艺术在表面上强调自然曲线和有机形态，但其对新型材料（如弯曲的铁艺）的运用，以及对标准化工业制品的抵制，都反映了对现代社会的反思。我们将分析奥地利分离派（Vienna Secession）如何将这种对装饰的“纯净化”推向了更抽象的几何阶段。 2. 结构理性与透明度的追求： 聚焦于荷兰风格派（De Stijl）和包豪斯（Bauhaus）的早期影响。彼得·贝伦斯（Peter Behrens）作为工业设计的先驱，如何将工业效率与古典的简洁感结合起来。我们着重分析密斯·凡德罗（Mies van der Rohe）在德国早期项目中所体现的对纯粹空间、清晰体量和结构逻辑的追求，以及对“通用空间”（Universal Space）概念的设想。 3. 勒·柯布西耶的宣言： 本部分将深入剖析勒·柯布西耶（Le Corbusier）在这一时期的思想演变，从他对建筑的“机器论”比喻（“住宅是居住的机器”）到《走向新建筑》中的五点原则。分析他如何试图用新的结构技术（尤其是钢筋混凝土框架结构）彻底解放立面，创造出完全不同于以往的城市图景。本书将探讨这些理念在早期（如萨伏伊别墅）中的实践，以及它们对功能主义哲学的奠基作用。 4. 表现主义的激情与局限： 虽然结构理性占据主导，但本书也会考察如埃里克·孟德尔松（Erich Mendelsohn）的《爱因斯坦塔》等表现主义建筑的出现。这些作品展示了对结构潜力的情感化表达，以及建筑师如何试图通过动态的形态来回应科学发现和人类的内在体验。 结语：为新时代奠基 本书最后将总结这一时期建筑革命的核心驱动力：标准化、对历史母题的系统性批判、新材料（钢、玻璃、混凝土）的完全掌握，以及社会对大规模、高效居住和工作环境的需求。1929年，世界经济大萧条的阴影笼罩全球，但建筑界已然完成了从模仿到创造的根本性跨越，现代主义的语言体系已基本确立，准备迎接二战后更广阔的应用与争议。本书旨在揭示，现代建筑并非是凭空产生的风格，而是技术、经济与哲学冲突的必然产物。

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现代艺术是一个专门的门类，它与学院艺术、传统艺术在研究者们的天平上成为比对的两极。那么究竟什么是现代艺术呢？它有着怎样的生存土壤和发展环境？ 牛津艺术史系列中的《现代艺术》的副标题给了我们一个很明确的时间概念，1851——1929。的确在许多研究者看来，现代艺术是以...  

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长久以来，在人文学科领域，与相当完备的外国文学史和文学理论研究相比较，我国西方美术史与美术批评理论研究一直处于滞后和短视的境地。这是因为，近几十年来不断涌现的美术史与美术批评的重要文献未能及时地翻译进来。一旦少了寒灯苦烛的文献翻译工作，美术教育便难以推进。...  

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《艺术的去人性化》中认为，现代艺术的本质是嘲讽和去人性化。读过之后总是对这个定义感到费解。因此购买了《现代艺术：1851-1929》。《现代艺术》确实是目前我所读过的少数现代艺术相关著作中译本中最简明的一本。兼之其全面性，算是很好的一本现代艺术的入门课本（文史而非艺...

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印象派一直不大能喜欢（看到觉得好的东西自然也不少，但一般去美术馆都直奔古代大师，于是马奈莫奈都常作路人看——当然去年还是顶着台风大雨拖着湿透的行李去上博看了克拉克），正好这套正在一本本翻译的牛津艺术史先出过这么一种，之前没太注意（因为就是买来也没时间看，这...  

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长久以来，在人文学科领域，与相当完备的外国文学史和文学理论研究相比较，我国西方美术史与美术批评理论研究一直处于滞后和短视的境地。这是因为，近几十年来不断涌现的美术史与美术批评的重要文献未能及时地翻译进来。一旦少了寒灯苦烛的文献翻译工作，美术教育便难以推进。...  

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当我翻开这本书时，本以为会是一次沉闷的历史回顾，结果却被深深吸引。作者以一种近乎绘画的笔触，勾勒出19世纪末20世纪初那个艺术爆炸的时代。印象派在光影的捕捉上究竟达到了怎样出神入化的境地？点彩画派那种严谨的科学性又是如何与艺术表达相融合的？透过文字，我仿佛能看到莫奈在户外挥洒色彩，看到修拉在画布上精心安排每一个点。更让我惊喜的是，作者并没有仅仅停留在技法的罗列，而是深入探讨了每一场艺术运动背后的社会思潮和哲学思考。我们为什么会在那个时期开始质疑学院派的传统？科学的进步，工业革命的冲击，究竟对艺术家们的创作观念产生了怎样的颠覆？这本书让我明白，艺术并非孤立存在，它与时代同呼吸共命运。从野兽派的色彩狂欢到立体派的几何解构，再到表现主义对内心世界的撕扯，每一种风格的出现，都像是一声时代的呐喊，都在试图用新的语言来表达对世界的感知。尤其是对未来主义的描绘，那种对速度、机器和现代性的狂热崇拜，至今读来仍觉震撼，仿佛能听到引擎的轰鸣声和城市的脉搏。

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这本书给我的感受，就像是在一个古老而又充满活力的画廊中漫步。作者并没有一味地强调西方艺术的“优越性”，而是以一种开放的视野，将1851年至1929年间的艺术发展，置于一个更加广阔的历史视角下审视。他对于“新艺术运动”的解析，让我看到了艺术如何尝试渗透到日常生活的每一个角落，从建筑、家具到插画，都充满了自然主义的曲线和装饰性的风格。而当他笔锋一转，谈到“照相写实主义”的兴起时，我又开始思考，当摄影技术越来越发达，艺术家们是否还有必要去描绘现实？这种疑问，恰恰引出了后来艺术的多元化发展。作者对于“超现实主义”的介绍，更是充满了神秘与想象，那些梦境般的画面，那些意想不到的组合，仿佛是对潜意识的直接挖掘，将艺术的边界推向了前所未有的境地。我从中看到了艺术家们如何不安于表象，而是试图去探索更深层次的心理现实。

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这本作品着实是一次令人拍案叫绝的文学创作，它以一种近乎诗意的语言，将19世纪末20世纪初那段风起云涌的艺术史，演绎得淋漓尽致。我尤其钟爱作者对马蒂斯和他的“野兽派”的描绘，那种对纯粹色彩的大胆运用，对情感的直抒胸臆，简直如同在阅读一首色彩斑斓的交响乐。作者并没有生硬地罗列作品和艺术家，而是巧妙地将他们置于当时的社会文化语境中，让我们得以窥见他们创作的深层动因。例如，他对“象征主义”的解读，就不仅仅停留在神秘主义的层面，而是深入挖掘了其对现代社会疏离感的回应，以及艺术家们如何试图通过象征性的语言来寻找精神的寄托。每一次翻页，都像是在进行一场跨越时空的对话，我似乎能听到高更在塔希提岛的低语，感受到梵高在星空下燃烧的激情。而当作者笔锋一转，描绘起“表现主义”的扭曲和张力时，我又仿佛置身于一个充满焦虑与挣扎的内心世界，那些浓墨重彩的笔触，那些变形的形象，无不反映着艺术家们对现代文明压抑下的个体生存状态的深刻反思。

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本书对于“艺术在20世纪初的革新”这一主题的阐释，堪称一次思想的盛宴。作者以一种严谨又不失灵动的笔触，带领我们穿梭于巴黎、柏内、维也纳等艺术圣地，感受着不同文化背景下孕育出的独特艺术风格。我特别欣赏他对“未来主义”的解读，那种对速度、机械和战争的崇拜，那种试图将艺术融入日常生活、与现代性共舞的姿态，至今读来仍令人惊叹。作者并没有简单地赞美，而是深入分析了这种激进的艺术理念所蕴含的复杂性和潜在的危险性。同样，他对“抽象艺术”的萌芽阶段的描绘，也让我耳目一新。从康定斯基对音乐与色彩的联觉，到蒙德里安对几何形式的极致追求，作者将抽象艺术从“无意义的涂鸦”提升到了对宇宙秩序和精神本质的探索，极大地拓展了我对艺术表现可能性的认知。

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读罢此书，我深深地被作者对于不同艺术流派之间微妙联系的洞察力所折服。他并没有将每一个运动孤立开来，而是细致地描绘了它们之间是如何相互启发、相互影响，甚至相互批判的。比如，从印象派对光线和色彩的探索，如何为后来的艺术家们打开了新的视觉维度；又如，当立体派开始瓦解传统透视，将事物从多个角度同时呈现时，这又是对观看方式的一次彻底颠覆，对现实世界的认知提出了新的挑战。作者在梳理这些脉络时，常常会插入一些生动的逸闻趣事，或者艺术家们的创作手记，这使得原本可能枯燥的历史叙述变得鲜活起来，极富感染力。我尤其喜欢他对“达达主义”那部分的描述，那种荒诞、反叛、对一切既定价值的嘲弄，仿佛是那个动荡时代的一面哈哈镜，照出了战争和工业化带来的荒谬与混乱。作者没有回避这些“破坏性”的艺术实践，而是将其视为一种必要的清理，为新的艺术形式的诞生扫清了道路。

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纷繁复杂的展览、文化节、博览会，就是现代化消费艺术的最大体现，艺术都做成事业了，终于“现代化”了。

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气的我重新过来改评分。

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读了前三分之一吧。 = = 感觉比较平庸。

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书是好书，但是光靠看书是了解不了现代艺术的，举个例子，在中国你想看莫迪利亚尼，有么？康定斯基？有么？看不到原画，就好像陈丹青在某讲座上的回答，不是不想展开讲，有很多名字提了，你不知道去哪里看，这是最大问题。

评分☆☆☆☆☆

迄今为止看到的最好、最让人激动的现代艺术研究著作（没错，带有研究性质的）。从第一部分对流派的简单介绍就可看出与众不同，第三、四部分几乎每个小标题都是一个可探讨下去的问题。文中引用的图片材料让人眼前一亮。注释提到很多有价值的文献，参考文献也有补充说明。大事表和索引都很不错，中译很用心。大赞，待购。（啊，好贵┭┮﹏┭┮）