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出版者:University Of Chicago Press

作者:François Jullien

出品人:

页数:288

译者:Jane Marie Todd

出版时间:2012-11-5

价格:USD 38.00

装帧:Paperback

isbn号码:9780226415314

丛书系列:

图书标签:

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图像的无形之境：关于绘画中的“非对象”探索 本书旨在深入剖析艺术史中一个长期被忽视的领域：绘画如何超越其物质载体和再现对象的束缚，直抵一种“非对象性”（Nonobjectivity）的本体论境地。我们并非探讨抽象表现主义或纯粹几何抽象的既有理论，而是聚焦于那些在看似具象或写实的表象下，以极其精微的手法，消解了“可指认的物”的视觉结构，转而揭示绘画媒介本身潜在的、不可言喻的实在性的作品。 第一部分：弥散的光影与物体的消融 本部分着重考察文艺复兴晚期至巴洛克时期，部分艺术家在处理光线和空间时所采取的激进行为。我们研究的焦点并非伦勃朗或卡拉瓦乔的戏剧性明暗对比，而是那些更倾向于“去物质化”处理的案例。例如，某些风景画中，地平线被处理得模糊不清，大气层成为压倒一切的主体；天空不再是特定时间或地点的象征，而成为一种纯粹的“光之媒介”。 我们将详细分析“晕涂法”（Sfumato）在不同语境下的异化运用。在达·芬奇那里，它服务于人物的神秘感；而在一些我们聚焦的次要流派（如某些荷兰黄金时代的“风景研究”）中，它被用来削弱边缘的清晰度，使得物体——无论是树木、岩石还是人物——逐渐失去其固有的界限，融入背景的空气与光线之中。这种消融并非为了制造幻觉，而是为了暗示物质世界在宏大宇宙法则面前的短暂性与虚无感。物体成为“正在消散的事件”，而非“存在的实体”。 我们引入了“视觉阻尼”（Visual Damping）的概念，用以描述画家如何通过对色彩饱和度的精细控制，特别是对中灰调和低对比度的偏执使用，使得画面中的信息量在达到饱和点后迅速回落，迫使观看者从对“描绘了什么”的兴趣，转移到对“光线如何存在”的感知上。这种感知不再指向外部世界，而是指向观看者自身意识与画布表面的互动。 第二部分：物质性与媒介的自我反思 艺术史常将材料的运用视为技艺的体现。然而，本研究转而关注材料在被使用时所展现出的“抵抗性”和“透明性”。我们考察了在17世纪，一些画家如何处理画布的粗糙纹理，以及颜料本身的颗粒感。这些元素通常被视为技巧瑕疵，但在这里，它们被提升为叙事的核心。 我们对比了两种截然不同的处理方式：一是极端精细的釉面技术，其目标是将颜料层变得近乎隐形，从而使图像仿佛直接悬浮于空气中，消除了绘画的“制作痕迹”；二是故意夸大颜料的厚度和质地，使其回到一种原始的泥土状态，但这种厚度并非为了雕塑感，而是为了强调颜料本身作为“非物质的载体”的功能。当我们盯着一块厚重的、几乎没有细节的赭石色区域时，我们看到的不是一块石头，而是“颜料的重量感”本身。 此外，本部分还深入探讨了“空白的维度”。在东方艺术中，留白是常见的构图元素，但在西方绘画的特定历史阶段，我们发现某些画家在处理画面边缘或阴影深处时，会故意让画布的底色（无论是白底还是底漆的颜色）以一种“未完成”或“已超越”的状态渗入最终图像。这种未完成感并非中断，而是一种宣告：完成了的部分已然固化为“对象”，而未完成的部分则保持了潜在的、无限的可能性——即“非对象”。 第三部分：形而上学的透视与视点的僭越 本章着重于绘画中空间感的构建如何被用于挑战传统的、以人（观看者）为中心的透视系统。我们关注的并非透视法的数学公式，而是画家如何通过操纵视角来解构“可知性”。 我们分析了某些场景中，多个不相容的视点被并置的现象。例如，在描绘宏伟建筑或广阔场景时，地面和天花板的消失点可能相互矛盾，或者某处近景的尺寸与远景的比例完全失衡。这种失衡并非透视错误，而是有意为之，目的在于阻止观看者建立一个稳定的、可供定位的“观看位置”。当观看者无法“站定”时，画面中的内容便无法被视为一个可被完全“拥有”或“理解”的场景。 这种对稳定视点的颠覆，迫使观看者面对一个没有固定锚点的视觉场域。图像不再是对某个瞬间的记录，而成为了一个持续的、不断生成和瓦解的“观看过程”的记录。这种过程性，正是“非对象”的本质体现——它不等于任何可命名的事物，而是事物生成前的动态张力。 最后，本研究推导出，绘画的最高境界并非是对可见世界的完美摹写，或对抽象几何的纯粹表达，而是通过对可见之物的精妙拆解、模糊和重构，使观看行为本身成为一种形而上学的体验。当图像最终“失去了它的形式”，它所揭示的，便是弥漫于万物之间，却无法被任何固定形式捕捉的、纯粹的“存在之流”。 本书力求提供一套全新的分析工具，以解读那些看似平淡无奇，实则蕴含着深刻本体论辩证的绘画作品。它邀请读者跨越对“它描绘了什么”的惯性思维，直抵图像深处那片关于“它如何存在”的无形之境。

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“不该摹仿生命，而应该为生命工作。”“哲学被剥夺了手的这种冒险探索，而这种冒险摸索却既是折磨又是机遇，总是引导着画家做出新的尝试，催促他进行更大胆地冒险。” 1 述 法国哲学家、汉学家朱利安通过分析中国画论，“绕道而行”，希望解决西方艺术的一些难题。在这四百多...

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“不该摹仿生命，而应该为生命工作。”“哲学被剥夺了手的这种冒险探索，而这种冒险摸索却既是折磨又是机遇，总是引导着画家做出新的尝试，催促他进行更大胆地冒险。” 1 述 法国哲学家、汉学家朱利安通过分析中国画论，“绕道而行”，希望解决西方艺术的一些难题。在这四百多...

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“不该摹仿生命，而应该为生命工作。”“哲学被剥夺了手的这种冒险探索，而这种冒险摸索却既是折磨又是机遇，总是引导着画家做出新的尝试，催促他进行更大胆地冒险。” 1 述 法国哲学家、汉学家朱利安通过分析中国画论，“绕道而行”，希望解决西方艺术的一些难题。在这四百多...

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“不该摹仿生命，而应该为生命工作。”“哲学被剥夺了手的这种冒险探索，而这种冒险摸索却既是折磨又是机遇，总是引导着画家做出新的尝试，催促他进行更大胆地冒险。” 1 述 法国哲学家、汉学家朱利安通过分析中国画论，“绕道而行”，希望解决西方艺术的一些难题。在这四百多...

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“不该摹仿生命，而应该为生命工作。”“哲学被剥夺了手的这种冒险探索，而这种冒险摸索却既是折磨又是机遇，总是引导着画家做出新的尝试，催促他进行更大胆地冒险。” 1 述 法国哲学家、汉学家朱利安通过分析中国画论，“绕道而行”，希望解决西方艺术的一些难题。在这四百多...

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这本书以其独特的视角，颠覆了我过去对绘画的许多固有认知。《The Great Image Has No Form, or On the Nonobject through Painting》并非一本单纯的艺术评论集，它更像是一次关于艺术本体的哲学对话。作者在书中深入探讨了“无形”与“非物”在绘画史中的演变，以及艺术家们如何通过各种实验性手法，试图超越物质的限制，触及更深层的精神维度。我尤其对作者关于“非物”作为一种积极的艺术形式的阐述印象深刻。他指出，许多看似抽象的绘画，其目的并非是为了“没有东西”，而是为了表达那些无法通过具象描绘来传达的情感、观念和精神状态。这种观点让我重新审视了那些在色彩、线条和构图上极具创造性的作品，看到了它们在引导观众进行深度思考方面的独特价值。书中对不同时期艺术家的分析，从马列维奇到索尔·勒维特，都充满了洞见，作者不仅揭示了他们作品的表面特征，更深入挖掘了其背后隐藏的哲学意图和观看方式的转变。这本书让我意识到，艺术的真正力量，在于其能够打破物质的束缚，触及我们内心最深处的情感和思想。它鼓励我去质疑那些“看得见”的东西，去探索那些“看不见”但却真实存在的精神体验。每一次翻开这本书，我都能从中获得新的启发，它让我在面对艺术作品时，不再局限于表面的形式，而是去感受其背后涌动的精神力量。

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这本书最让我着迷的地方，在于它将抽象艺术的实践与深刻的哲学思考相结合，提供了一种前所未有的理解艺术的方式。作者在《The Great Image Has No Form, or On the Nonobject through Painting》中，深入探讨了艺术如何从模仿外在世界转向探索内在经验，特别是那些难以用语言描述的“非物”层面。读到关于俄国构成主义以及之后的一些先锋派运动时，我仿佛看到了艺术家们如何主动地摆脱具象的束缚，去寻找一种能够直接触及观看者情感和精神的作品。作者的论述并非是对这些艺术实践的简单罗列，而是对其背后的哲学意图进行深入挖掘，例如，他们为何要创造那些看似“没有形状”的图像，其目的是什么？是为了表达某种难以言说的精神状态，还是为了挑战我们固有的感知模式？书中对于“无形”的定义，并非是指绘画的缺失，而是一种更高级的“看见”，一种超越了眼睛所能捕捉的表象，直达本质的洞察。它鼓励我去思考，在绘画的创作过程中，那些被省略、被模糊、被留白的部分，是否也同样承载着重要的意义？这种对“非物”的关注，让我更加珍视那些具有强烈个人风格和精神内核的作品，它们不依赖于具体的描摹，而是通过色彩、线条、构图的张力，直接与我的内心产生共鸣。这本书为我打开了理解当代艺术的一个全新视角，它让我看到了艺术超越物质载体的可能性，以及它在探索人类精神世界方面的无限潜力。

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《The Great Image Has No Form, or On the Nonobject through Painting》这本书，对我而言，更像是一场关于艺术奥秘的深度探险。作者以其独到的哲学视野，将“无形”与“非物”这两个概念，作为解构绘画本质的关键工具，展现了艺术家们如何通过对具象的超越，来探索视觉艺术的全新可能性。我尤其欣赏作者在分析作品时，那种将艺术史的实践与哲学思考相结合的叙事方式。他没有简单地罗列名家名作，而是深入剖析了艺术家们在创作过程中所面临的挑战，以及他们如何通过各种手法，来突破物质的局限，触及“非物”的境界。书中关于“非物”作为一种积极的艺术形态的阐述，让我对许多抽象绘画有了更深层次的理解。它不是一种“没有”，而是一种指向更广阔的精神体验的“有”。这种观点不仅颠覆了我过去对抽象艺术的一些片面看法，更引导我开始思考，在艺术的创作与观看过程中，那些难以言说、难以捕捉的部分，是否才是艺术最核心的价值所在？它鼓励我去质疑那些约定俗成的观看方式，去探索那些隐藏在“形”之后的“意”，去感受那些超越物质的，更为深邃的艺术精神。每一次阅读这本书，都像是在一次精神的洗礼，它让我更深刻地理解到，艺术的魅力，恰恰在于它能够超越物质的限制，直抵人类内心最柔软、最深沉的角落。

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《The Great Image Has No Form, or On the Nonobject through Painting》这本书，如同一场精妙的视觉智力游戏，挑战了我对绘画的既有认知。作者以其深邃的哲学思辨，将“无形”与“非物”的概念，如同两面棱镜，折射出绘画发展史上无数令人惊叹的实践。我尤其沉醉于作者对那些试图超越具象描绘，探索纯粹视觉语言的艺术家们的分析。他不是仅仅停留在对作品形式的描述，而是深入挖掘了艺术家们在创作过程中，如何通过对“去除”的运用，来放大观看者的内在体验，如何通过“非物”的表达，来触及人类最本真的感知。这种将艺术实践与哲学思考紧密结合的方式，让我看到了艺术的无限可能性。书中关于“非物”的讨论，并非是对绘画物质性的否定，而是对艺术精神内核的强调。它认为，真正的艺术，能够超越具体的物质载体，直接触及观看者的内心，引发深刻的共鸣。这种观点让我对许多抽象表现主义的作品有了全新的理解，不再仅仅将其视为颜料的堆砌，而是将其看作艺术家内心世界的直接抒发。每一次阅读这本书，我都能从中获得新的启发，它让我在面对艺术作品时，不再局限于表面的形式，而是去感受其背后涌动的精神力量。它让我明白，艺术的伟大之处，不在于它描绘了什么，而在于它如何让我们“看见”那些平时被忽略的，但却至关重要的存在，以及如何引领我们去探索那些超越形体的，更为广阔的精神世界。

评分☆☆☆☆☆

这本《The Great Image Has No Form, or On the Nonobject through Painting》在我脑海中留下了如此深刻的印记，以至于我常常在不经意间回想起其中某个论点，然后在自己的创作实践中反复推敲。作者对于“无形”与“非物”这两个概念的探讨，如同解构艺术史本身的一把钥匙，让我看到了许多被传统视角所忽略的绘画维度。从早期抽象艺术的萌芽，到那些试图超越具象描绘的实验性作品，作者都以一种极其敏锐的洞察力，将它们置于一个更广阔的哲学框架下审视。读到关于马列维奇的《黑方块》时，我仿佛身临其境，感受到了那份旨在摆脱一切物质束缚的纯粹意志。作者并没有止步于此，而是进一步挖掘了那些在看似抽象的画面背后，隐藏着对感官经验、观看行为乃至主体性本身的深刻质疑。这种对“非物”的执着，并非是对艺术物质性的否定，反而是一种对艺术真正本质的追寻，是对那些超越具体形象、直抵观看者内心深处的体验的召唤。每当我面对一张空白画布，或者纠结于画面元素的取舍时，我都会想起书中关于“意图”与“显现”的讨论，思考究竟是什么让一幅画“成为”一幅画，而不仅仅是颜料的堆砌。这是一种对于创作过程的根本性反思，它鼓励我去拥抱那些不确定性，去探索那些尚待被赋予意义的空白。它不仅仅是一本艺术史的书，更像是一本关于艺术本体论的哲学著作，对我的艺术认知产生着持续而深远的影响。

评分☆☆☆☆☆

这本书带来的震撼，至今仍在我心中回响。《The Great Image Has No Form, or On the Nonobject through Painting》以一种极其精妙的论述，将“无形”与“非物”这两个看似抽象的概念，与绘画的实践巧妙地联系起来。我尤其被作者对那些试图挑战传统观看模式的艺术家的解读所吸引。他没有仅仅停留在对作品风格的描述，而是深入挖掘了艺术家们为何要选择“非物”的表达方式，以及这种表达方式如何反过来塑造了观看者的感知体验。读到关于极简主义艺术和概念艺术的章节时，我仿佛亲身经历了艺术家们如何通过“去除”来“彰显”，如何通过“空无”来“充满”。这种对“非物”的积极解读，让我意识到，艺术的真正力量，并不在于其具象的描绘，而在于其能否触及我们内心深处的某种共鸣，能否引导我们进入一种更深层次的沉思。作者的论证过程严谨而富有启发性，他通过对不同时期、不同流派艺术作品的细致分析，层层递进地揭示了“无形”之像在绘画发展中所扮演的深刻角色。这本书不仅刷新了我对抽象艺术的认知，更让我开始反思艺术的本质——艺术是否仅仅是对现实的模仿，还是对人类精神世界的探索？它鼓励我去拥抱那些不确定性，去探索那些尚待被赋予意义的空白，去感受那些超越具体形象，直抵观看者内心深处的体验。

评分☆☆☆☆☆

这本书对我理解绘画的意义，产生了巨大的影响。《The Great Image Has No Form, or On the Nonobject through Painting》以一种极其深刻的洞察力，探讨了艺术如何从对具体事物的描绘，转向对“无形”与“非物”的探索。作者的论述，如同一条条清晰的线索，串联起绘画史上的诸多重要时刻和关键人物。我尤其被书中对于艺术家如何通过“去除”来“显现”的分析所打动。例如，在讨论极简主义艺术时，作者并非简单地将其视为一种风格上的简化，而是将其背后所蕴含的哲学思考——如何通过最精炼的视觉元素，来最大化观看者的内在感知和精神体验——进行了深入的挖掘。这种对“非物”的积极解读，让我对许多抽象艺术作品有了全新的认识，不再将它们视为“不完整”或“失真”，而是理解为一种更深层次的表达，一种对存在、感知和精神世界的探索。书中关于“意图”与“观看”在“非物”创作中的相互作用，更是为我打开了一个全新的思考维度。它让我明白，艺术的意义并非仅仅存在于作品本身，更重要的是艺术家试图传达的意图，以及观看者如何通过自身的经验和理解去解读。这本书让我开始更加珍视那些具有强烈个人风格和精神内核的作品，它们不依赖于具体的描摹，而是通过色彩、线条、构图的张力，直接与我的内心产生共鸣。

评分☆☆☆☆☆

《The Great Image Has No Form, or On the Nonobject through Painting》这本书，对我来说，是一次关于艺术边界的深刻探索。作者以其敏锐的洞察力，将“无形”与“非物”这两个概念，如同探照灯一般，照亮了绘画发展史上许多被忽视的角落。我非常欣赏作者对于艺术家们如何主动摆脱具象束缚，去探索视觉语言新可能性的分析。比如，在论述极简主义艺术时，作者并没有简单地将其归类为“简约”，而是深入剖析了其背后对于“去除”的哲学考量，以及如何通过精炼的视觉元素，来放大观看者的内在体验。这种将艺术实践与哲学思考紧密结合的方式，让我耳目一新。书中关于“非物”的讨论，并非是对绘画物质性的否定，反而是一种对艺术精神内核的强调。它认为，真正的艺术，能够超越具体的物质载体，直接触及观看者的内心，引发深刻的共鸣。这种观点让我对许多抽象表现主义的作品有了全新的理解，不再仅仅将其视为颜料的堆砌，而是将其看作艺术家内心世界的直接抒发。每一次阅读这本书，我都会对艺术的本质产生新的思考。它鼓励我去质疑那些约定俗成的观看方式，去探索那些隐藏在“形”之后的“意”，去感受那些超越物质的，更为深邃的艺术精神。它让我明白，艺术的伟大之处，不在于它描绘了什么，而在于它如何让我们“看见”那些平时被忽略的，但却至关重要的存在。

评分☆☆☆☆☆

《The Great Image Has No Form, or On the Nonobject through Painting》这本书，为我理解绘画的本质提供了一个全新的维度。我一直对那些试图超越具象描绘的艺术作品感到好奇，而这本书恰恰满足了我的这份求知欲。作者以一种极为精妙的方式，将“无形”和“非物”的概念与绘画史上的重要实践相结合，展现了艺术家们如何通过各种方式，来挑战我们对“可见”的认知。读到书中对于一些早期抽象艺术家，如康定斯基的论述时，我深受启发。作者不仅仅是描述了他的色彩理论，更是深入分析了他试图通过绘画来表达某种精神音乐的意图，这种意图本身就是一种“非物”的追求。我特别喜欢作者关于“意图”在“非物”创作中的作用的论述。他认为，当艺术家放弃对具体物象的模仿时，其内在的意图和观看者的解读就变得尤为重要。这种互动性，使得绘画作品的意义不再是单一的、确定的，而是开放的、多层次的。这本书让我开始重新审视那些看似“抽象”或“不成形”的作品，不再将它们视为“未完成”或“失真”，而是理解为一种更深层次的表达，一种对存在、感知和精神世界的探索。它鼓励我去质疑那些理所当然的观看方式，去探索那些隐藏在图像背后的更广阔的精神空间。它让我明白，伟大的艺术，往往能够触及那些超越形体的存在，唤醒我们内心深处最原始的感触。

评分☆☆☆☆☆

初读《The Great Image Has No Form, or On the Nonobject through Painting》，我原以为会是一本充斥着学院派术语和晦涩理论的学术著作，但很快就被它独到的视角和流畅的叙述所吸引。作者在分析西方绘画史上的关键转折点时，并没有拘泥于传统的风格演变或技法革新，而是将目光投向了那些试图突破“物”的界限，探索“无形”之境的作品。尤其是关于克利所描绘的那些充满神秘感的符号和色彩构成，作者将其解读为一种对视觉语言的重塑，一种将绘画从再现自然转变为创造新感知的尝试。我特别喜欢其中关于“非物”作为一种积极的可能性来讨论的部分，它不是一种虚无，而是一种指向更高层次的精神体验的契机。这种观点让我重新审视了许多看似“不成形”的画作，看到了它们在挑战观众惯性思维、引导观众进入更深沉的沉思方面的巨大力量。书中的论证过程严谨而富有启发性，作者通过对不同时期、不同流派艺术家的作品进行细致的剖析，层层递进地揭示了“无形”之像在绘画发展中所扮演的角色。它让我意识到，艺术的价值并不仅仅在于其描绘对象的真实性，更在于它能否触及我们感官的边缘，激发我们对存在和认知的更深层次的思考。这本书不仅仅是关于绘画，更是关于我们如何观看，如何感知，以及艺术如何在物质世界之外，为我们开辟出一片精神的疆域。

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Aiming at somewhere interesting, but an ahistorical interpretation runs a little disappointing

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没有想象中难读。看到概念在这里被重新解释的过程非常受益。比如“间”、体用、阴阳两仪、意象、诗画同源。以及其与绘画理论比对粘合的阐发。想到之前自己所不识的精微和写作时对待某些词语的随便态度，很难过。