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出版者:上海画报出版社

作者:孙振新编

出品人:

页数:48

译者:

出版时间:1994-09

价格:7.00

装帧:平装

isbn号码:9787805301136

丛书系列:少年儿童美术技法丛书

图书标签:

• 艺术
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飞扬的思绪：现代艺术的多元探索与精神漫游 图书简介 本书并非一部技法入门的工具书，它更像是一张通往二十世纪以来西方艺术思想深处迷宫的地图。它聚焦于那些颠覆传统、挑战既有视觉经验的艺术运动，深入剖析了从印象派的瞬间光影捕捉，到后印象派对主观情感的极致表达，再到立体派对空间维度的彻底解构，以及抽象表现主义对潜意识的无边探索。全书拒绝沉溺于对“如何画”的机械指导，而是致力于阐明“为何而画”的哲学根基与时代焦虑。 第一部分：告别学院的束缚——现代艺术的黎明（1860s-1905） 这一部分将我们带回十九世纪中后期，一个社会结构剧烈变动的时代。传统的沙龙体系僵化不堪，艺术家们开始将目光从神话与历史的宏大叙事转向日常生活的琐碎与个体感知的真实。 印象派的视觉革命： 我们将详细探讨莫奈、雷诺阿等人如何挑战“完成度”的概念，将画布视为捕捉时间流逝的实验室。这不是简单的风景写生，而是对人眼如何感知光线、色彩如何因环境变化而“颤抖”的科学性与美学性的结合。重点分析了他们如何利用补色和并置色彩，在视觉上创造出前所未有的“光影的物质性”。尤其关注莫奈晚期对睡莲系列中“非物化”色彩的执着，这已预示着对客观再现的彻底放弃。 后印象派的精神转向： 塞尚的结构理性、梵高的情感宣泄、高更的象征性回归——后印象派是现代艺术内部的第一场重大分化。塞尚对自然界的几何化提炼，试图在破碎的表象下寻找永恒的结构支撑，他被称为“现代艺术之父”，其对画面的多重视角处理，直接启发了后来的立体主义。梵高的笔触不再是描摹，而是能量的喷发，色彩成为直接表达内心痛苦与狂喜的媒介。高更则通过提炼的色彩和原始母题，探索非西方文化中的精神深度，质疑欧洲文明的道德真空。 第二部分：空间与形式的重塑——现代主义的锋芒（1905-1945） 二十世纪初，艺术进入了高速的实验期，艺术家们不再满足于对三维空间的模仿，他们要解构三维本身。 野兽派的色彩爆炸与立体主义的解构： 马蒂斯和野兽派将色彩从描绘对象的依附中解放出来，色彩成为了独立的表达工具，其强度与对比直接服务于画面的节奏感和情感张力。紧接着，毕加索和布拉克开启了立体主义的伟大实验。本书将详尽区分“分析式立体主义”和“综合式立体主义”。分析期的碎片化视角，挑战了文艺复兴以来建立的单点透视法。而引入拼贴（Collage）的综合期，则模糊了艺术品与现实材料的界限，宣告了艺术媒介的无限可能性。 未来主义的机械狂热与至上主义的纯粹： 意大利未来主义是对工业化、速度与暴力的热情拥抱，他们试图在画布上捕捉动态的轨迹和运动的重叠，反映了新世纪的技术崇拜与对旧秩序的彻底决裂。相比之下，俄国的马列维奇和荷兰的蒙德里安则走向了绝对的抽象——至上主义。蒙德里安的“新造型主义”是对宇宙和谐的数学化表达，通过垂直线与水平线、原色的精确布局，试图达到一种“绝对的纯粹性”。这不是装饰，而是对存在本质的视觉公理化尝试。 达达与超现实主义：偶然性与潜意识的解放： 第一次世界大战的荒谬催生了达达主义的反逻辑。杜尚将现成品（Readymade）推向艺术的中心，他的《泉》不仅仅是一个小便池，它是一个关于“谁决定什么是艺术”的深刻哲学拷问，将艺术的定义从“手工技艺”彻底转移到“概念选择”。随后，超现实主义，深受弗洛伊德精神分析的影响，试图在梦境、幻觉和无意识中寻找比现实更真实的“超现实”。布雷顿的自动书写和达利的精确幻觉描绘，打开了通往内在景观的通道。 第三部分：战后的巨变——从具象回归内在（1945至今） 二战后，艺术的中心从欧洲转移到纽约，艺术家的焦虑感更为深沉，他们面对的是一个被原子弹阴影笼罩的世界。 抽象表现主义的行动美学： 波洛克（Jackson Pollock）的“行动绘画”彻底消除了传统意义上的构图与焦点，画布成为了一个充满能量的事件现场。滴洒、泼溅，这些动作本身构成了作品的主体。这不是在画什么，而是“如何画”的行为记录。罗斯科（Rothmann）的色域绘画则以其巨大的、漂浮的色块，引导观众进入一种近乎宗教体验的冥想状态。本书将探讨他们如何将个体面对虚无的挣扎，转化为宏大的视觉共鸣。 从波普到极简：对消费文化的审视与媒介的回归： 抽象表现主义的过于严肃和精英化，引来了波普艺术的强势反击。沃霍尔和李奇登斯坦将商业广告、漫画和日常商品符号直接搬进艺术殿堂。这不是对消费主义的赞美，而是通过无差别的重复与机械化复制，来揭示现代社会符号的空洞与泛滥。最后，极简主义者（如唐纳德·贾德）则回归到艺术品自身的物质性——材料、空间和尺寸，拒绝一切隐喻和情感表达，回归到“物本身”的客观存在。 结语：未完的对话 本书的终点并非某个终极理论，而是对观众提出的邀请：面对这些跨越百年的视觉挑战，我们如何重新审视我们所处的时代，以及我们对“真实”的界定。艺术的演进，是人类精神不断自我更新和对抗既有观念的永恒证明。它要求我们不仅要“看”，更要“理解”我们是如何“看”的。

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我是在一个艺术交流论坛上偶然看到有人推荐这本书的，当时我的绘画基础停留在“能画出形似”的阶段，对于如何赋予画面“生命力”感到非常困惑。我之前尝试过很多零散的在线教程和碎片化的电子书，但总感觉缺乏一个系统的、由浅入深的逻辑线索。这本书的编排结构，恰恰解决了我的痛点。它不是一开始就抛出复杂的透视法则或者光影理论，而是从最基础的“观察”开始入手，引导读者去理解“物体的本质结构”是如何影响其表象的。第一章对于“形体分解”的论述，简直是醍醐灌顶，它将复杂的几何体与自然界中的物体建立了直观的联系，让我茅塞顿开。之后的章节，逐步推进到色彩的搭配和情感的表达，每一步都建立在前一步扎实的基础上，逻辑链条非常严密。这种层层递进的教学方式，极大地增强了我的学习信心，避免了传统教材那种生硬的理论灌输，更像是一位耐心的老师，牵着你的手一步步走向更深远的领域。

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这本书的装帧设计着实令人眼前一亮。封面采用了一种略带纹理的哑光纸张，触感温润而不失质感，那种墨绿色的底色，沉静中透着一股古典的韵味，与中央烫金的标题字体形成了鲜明的对比，金色的光泽在不同的光线下会呈现出微妙的变化，显得非常考究。装订方面，它采用了精装而非平装，侧面可以看到规整的书脊，即便是经常翻阅，也不容易松散，这对于一本工具性质的书籍来说至关重要。内页纸张的选择也颇为用心，不是那种一览无余的雪白，而是略微偏黄的米白色，对于长时间盯着图画看的人来说，能有效减轻视觉疲劳。更值得称赞的是，内页的印刷质量——图像的清晰度和色彩的还原度简直达到了令人惊叹的地步。即便是最细微的线条过渡，比如阴影的渐变，或者不同颜料混合时产生的微妙色差，都表现得淋漓尽致。翻阅时，我能清晰地感受到制作者在每一个细节上倾注的心血，从选材到工艺，无不透露出对阅读体验的极致追求。这种对实体书的尊重，让每一次打开它都变成了一种享受，而不是简单的信息获取。

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这本书最让我感到惊喜和钦佩的一点，在于其对“传统技法”的保留和现代视角的结合。我们现在很容易沉溺于数码绘画的便捷性，反而忽略了基础工具的运用魅力。这本书花了相当大的篇幅去详细解析使用不同媒介（比如炭笔、铅笔、以及早期的水溶性颜料）时，如何通过控制力度、角度和媒介的特性来达到预期的效果。它的示范图例极其经典，许多案例似乎借鉴了文艺复兴时期大师的速写风格，但在配文的解读上，又融入了当代艺术家对“个人风格形成”的理解。比如，书中提到如何通过快速的“结构线”来捕捉瞬间的动态，而不是沉湎于细致的描摹，这对于我这种容易陷入“过度细节化”泥潭的画者来说，无疑是一剂良药。它教会我，工具是为表达服务的，无论工具如何变化，对“观察”和“结构”的理解才是核心的“内功心法”，这种跨越时空的智慧传承，让人心生敬畏。

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这本书的配套资源和辅助学习体系设计得非常人性化，这在实体教材中并不多见。随书附带的（或者说可以访问的）在线资源库中，提供了大量与书中章节对应的动态演示视频。我尤其欣赏视频中讲解者的叙事方式——语速适中，重点突出，绝不拖沓。例如，当书本上讲解“三点透视在建筑速写中的应用”时，视频会实时地在三维模型上进行操作演示，并用不同颜色的线条标记出消失线和视平线，这对于视觉学习者来说，效率极高。此外，书中的“自查清单”和“常见错误分析”部分，也体现了作者的高度责任感。它预设了学习者最可能犯的错误，并给出精确的修正方法，相当于给自己找了一个随时待命的“线上导师”。这种线上线下的完美结合，使得这本书不再是一个孤立的知识载体，而是一个完整的、可以互动的学习生态系统，极大地提升了自学过程中的反馈效率和学习的连贯性。

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坦白说，初次翻阅时，我对书中收录的大量“静物写生”和“人体结构素描”的练习感到有些枯燥。我个人更偏向于想象力的发挥和概念艺术的创作，所以对这些看似“老生常谈”的基础训练提不起太大的兴趣。然而，当我真正尝试去完成其中的一些基础练习时，才深刻体会到“熟能生巧”的真谛。书中的每一个练习，看似简单，实则都暗含着一个特定的技术难点。例如，有一个关于“玻璃器皿反光”的练习，要求在不使用硬边线的情况下表现出透明度和曲率，这极大地考验了对灰阶层次的细腻把控。通过完成这些练习，我发现自己对光线的理解不再停留在“哪里亮哪里暗”的表层认知，而是开始理解光线是如何被物体表面折射、吸收和散射的物理过程。这种“基础训练”的质量，远超我过去接触的任何一本同类书籍，它不是在浪费时间，而是在为未来更复杂的创作打下不可动摇的地基。

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一年级，九江东风小学兴趣班

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