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出版者:江苏美术出版社

作者:罗杰·弗莱

出品人:

页数:320

译者:沈语冰

出版时间:2010-7

价格:46.00元

装帧:平装

isbn号码:9787534430817

丛书系列:

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现代主义的视域：一种对图像与文本关系的重新审视 本书汇集了二十世纪中叶以来，在西方艺术批评领域具有重要影响力的几位学者的核心文本。这些文章超越了传统的艺术史叙事，深入探讨了图像与观看主体之间复杂而微妙的互动关系，尤其关注现代主义艺术在媒介转型中所面临的哲学困境与美学挑战。 全书共分三个部分，旨在构建一个多维度的理论框架，用以解析当代视觉文化的核心议题。 第一部分：符号学转向与图像的在场性 本部分聚焦于艺术理论在二战后接受符号学和结构主义思想的冲击。批评家们开始将艺术作品视为一个复杂的意义生产系统，而非单纯的风格演变史。 “视觉符号的谱系学考察” 一文，细致梳理了索绪尔的能指与所指理论如何在克莱门特·格林伯格（Clement Greenberg）之后，被用来解构现代主义绘画的“纯粹性”主张。作者认为，自抽象表现主义晚期开始，画布上的物质性（如颜料的厚度、肌理的粗糙）便不再是内在精神的投射，而成为一种社会性的、可被阅读的符号结构。文章深入分析了罗伯特·劳森伯格（Robert Rauschenberg）“平移”技术中，图像的复制性如何瓦解了传统艺术品的神圣光环，并探讨了这种瓦解如何预示了后现代主义对“原创性”的质疑。 紧接着的篇章 “观看的政治学：被监视的眼睛与被观看的物体”，借鉴了福柯的权力/知识理论，探讨了艺术馆空间（The Museum Space）如何成为一种权力机制。作者将博物馆的白色墙壁视为一种“去背景化”的工具，它隔离了艺术品与日常生活的语境，迫使观众以一种被规范化的方式进行“审美判断”。文中通过对后战时期少数几位重要观念艺术家的个案分析，揭示了艺术家如何试图通过“介入性”的展示方式，反作用于这种监视性的观看结构。其中对于“观看距离”的量化分析，尤为精辟，指出距离本身就是一种意识形态的构建。 此外，本部分还收录了一篇关于摄影本质的论述——“光刻的幽灵：贝赫夫妇与类型学的强迫症”。该文摒弃了将贝赫夫妇的作品视为对工业遗迹的客观记录的传统观点，转而从现象学的角度，探讨了其作品中那种冰冷的、去情感化的序列排列，如何无意中构建了一种关于“无时间性”的形而上学空间。作者指出，正是这种对“类型”的执着，使得他们的作品成为对摄影媒介本身作为时间记录工具的一次深刻反思。 第二部分：媒介的边界与本体论的焦虑 第二部分将焦点投向了艺术媒介的交叠与边界消融，探讨了在电子媒介和新媒体技术兴起时，传统艺术门类（绘画、雕塑）所面临的本体论危机。 “从画布到屏幕：媒介的透明性与不透明性” 是本部分的核心篇章。文章对阿多诺关于技术复制时代的审美体验进行了更新的阐释。作者区分了“透明媒介”（如玻璃、纯粹的光）和“不透明媒介”（如油画的涂层、雕塑的物质性）。他认为，在电子屏幕主导的时代，图像的“瞬时性”和“可编辑性”使得观看者对图像的“物质根基”的感知减弱，从而导致了对“真实”的信仰危机。文中对早期电子艺术家的实验性作品进行了细致的分析，特别是他们如何试图通过故意制造的“数字噪声”和“信号干扰”，来重新强调媒介本身的不透明性与介入性。 另一个重要议题是 “物质的剩余与后形式的雕塑”。此文挑战了二十世纪六十年代以来对“非形式”（Post-Form）艺术的理解。作者认为，像伯恩·哈特（Robert Morris）和理查德·塞拉（Richard Serra）等人的作品中，那些笨重、未加工的工业材料（如钢板、混凝土），并非对传统雕塑形式的简单拒绝，而是一种对“重量”和“空间占有”的极端化表达。通过对这些作品的现场考察，作者论证了这些“物质的剩余”如何迫使身体性的感知回归，以此抵抗媒介的虚拟化倾向。 本部分的结尾部分，“表演性的回归：身体作为最后一块画布”，探讨了在视觉文化日益扁平化的背景下，表演艺术如何重新获得了批判的张力。作者分析了几位重要的行为艺术家，他们不依赖于图像的保存和再现，而是依赖于身体在特定时间、特定空间中的“在场”。这种“在场”被视为对机械复制时代下，艺术品可替代性的一种有力抵抗。 第三部分：叙事的中断与感官的重置 第三部分转向了对艺术作品中叙事结构、时间感知以及观看者情感反应的深入挖掘。 “碎片化的记忆与非线性叙事的光影游戏” 一文，聚焦于战后对历史创伤的艺术表达。作者认为，面对无法被完整表述的集体记忆，艺术家不得不放弃传统的因果链条叙事，转而采用并置、蒙太奇和断裂性的视觉语言。通过对某些战后欧洲电影和装置艺术的分析，文章揭示了这种碎片化如何模仿了创伤记忆本身的心理结构，迫使观众主动填补意义的空白。 随后的章节 “触觉的回归：粗糙的表面与时间的停留”，是对感官体验的重新提倡。在视觉成为主要感知方式的现代社会，作者呼吁重新审视触觉和质感在审美经验中的作用。文章详细描述了如何通过对绘画或雕塑的“想象中的触摸”，来重建与作品的亲密关系。这种“触觉的想象”被视为一种抵抗快餐式观看、要求时间停留的伦理立场。 全书的压轴之作 “美学的伦理：观看的责任与沉默的必要性”，对全书的理论探索进行了综合性总结。作者提出，在充斥着图像轰炸的当代环境中，真正的艺术批评行为，或许不再是过度阐释或揭示图像背后的权力结构，而在于培养一种“有节制的观看”能力——即在面对强有力的视觉刺激时，保持必要的“审美沉默”。这种沉默并非虚无，而是为意义的生成预留空间，是对过度语言化时代的温和反抗。 本书的结构设计，旨在引导读者穿越二十世纪艺术批评的重大转向，从对现代主义形式的坚守，到对符号学工具的运用，再到最终对媒介本体论和观看伦理的深刻反思。它提供了一套严谨而富有洞察力的工具，用以分析和理解我们这个被图像重塑的世界。

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沈语冰 内容提要：本文是作者为《弗莱艺术批评文选》中文版（江苏美术出版社，2010年）所撰写的译者导论的第一部分。它讨论弗莱围绕两届后印象派画展所撰写的一系列辩护文章，这些文章系统地发展了他的形式主义批评方法，从而为现代主义艺术理论奠定了基础。第二部分“形式主...  

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贴了书中的一篇艺评给喜欢伦勃朗的读者。这里不能贴图，去小站读吧，18张插图哦，在这里： http://site.douban.com/widget/works/1911999/chapter/11520914/  

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沈语冰 内容提要：本文是作者为《弗莱艺术批评文选》中文版（江苏美术出版社，2010年）所撰写的译者导论的第一部分。它讨论弗莱围绕两届后印象派画展所撰写的一系列辩护文章，这些文章系统地发展了他的形式主义批评方法，从而为现代主义艺术理论奠定了基础。第二部分“形式主...  

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形式主义者如何介入生活：罗杰·弗莱与他的时代 沈语冰 [提要]本文是作者为《弗莱艺术批评文选》中文版所撰写的译者导论的第二部分。第一部分“后印象派画展与现代主义批评理论的奠基”，讨论弗莱围绕两届后印象派画展所撰写的一系列辩护文章，这些文章系统地发展了他的形...

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《弗莱艺术批评文选》这本书，带给我的不仅仅是知识的增长，更是一种精神上的洗礼。弗莱的批评，不像一些评论家那样，充斥着个人好恶和主观臆断，而是建立在对艺术作品的深刻理解和理性分析之上。他总是能够站在一个更宏观的视角，去审视艺术在历史长河中的位置，以及它所承载的文化意义。我记得有一次，我读到他分析某位现代艺术大师作品的部分，他没有急于下结论，而是先梳理了这位大师的创作历程，以及他所处的时代背景，然后才慢慢引出他对作品的解读。这种循序渐进、层层深入的分析方式，让我仿佛置身于一场严谨的学术研讨之中，却又丝毫不感到枯燥乏味。他对于艺术史发展的梳理，也为我打开了新的视野，让我看到了不同艺术流派之间千丝万缕的联系，以及它们是如何相互影响、相互演变的。这本书，让我对艺术史的认识不再是零散的知识点，而是一个有机、连贯的整体。弗莱的批评，也让我学会了如何去构建自己的艺术判断体系，不再盲目地跟随潮流，而是能够有自己的思考和见解。这种独立思考的能力，对于任何一个热爱艺术的人来说，都是至关重要的。

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这本《弗莱艺术批评文选》真是让我爱不释手，与其说是一本书，不如说是一扇通往艺术世界奥秘的窗户。弗莱老先生的文字，时而像清晨的薄雾，温柔地包裹着你的思绪，让你沉浸在对色彩、线条、构图的细腻感受之中；时而又如夏日午后的一声惊雷，振聋发聩，迫使你重新审视那些你习以为常的画作。我记得第一次翻开它，是在一个阴雨绵绵的下午，窗外雨声淅沥，我却被书中对某幅印象派画作的解读引得心潮澎湃。他没有空泛地赞美，也没有枯燥地罗列技法，而是用一种近乎感官的语言，将画布上的光影、笔触的痕迹，化作了可以触碰、可以呼吸的存在。我仿佛能听到梵高笔尖刮过画布的沙沙声，感受到莫奈笔下浮动的水光。这种体验是如此真实，让我瞬间觉得自己不仅仅是一个旁观者，而是参与到了艺术创作的整个过程中。尤其是他对于“形式主义”的深刻剖析，让我开始理解，原来艺术的魅力，不仅仅在于它描绘了什么，更在于它如何描绘。那些抽象的几何图形，那些奇特的色彩组合，在弗莱的解读下，都仿佛拥有了自己的生命和语言，诉说着超越具象世界的深层情感与哲学思考。我常常会合上书，然后重新去观看那些熟悉的画作，惊喜地发现，我看到了以前从未留意过的细节，感受到了以前从未体悟过的深意。这本书，真的让我的艺术欣赏能力提升了一个档次，也让我对艺术的理解，不再停留在表面，而是深入到了它的灵魂深处。

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这是一本值得反复品读的艺术批评著作。弗莱的文字，时而如同一位循循善诱的老师，用最浅显易懂的语言，为你揭示艺术的秘密；时而又像一位充满激情的演说家，用慷慨激昂的言辞，点燃你对艺术的热情。他对于不同艺术媒介的理解，都达到了炉火纯青的地步。无论是绘画、雕塑，还是建筑，他都能游刃有余地进行分析和评论。我尤其欣赏他对雕塑艺术的解读，他会细致地描绘出不同材料在艺术家手中所产生的质感变化，以及作品的空间感是如何被营造出来的。他让我明白了，原来一件雕塑，不仅仅是摆放在那里，它还在与周围的环境进行着一场无声的对话。他对建筑艺术的评论，也同样令人印象深刻，他能够将建筑的功能性、美学性以及历史文化意义巧妙地结合在一起，让你从全新的角度去理解那些宏伟的建筑。这本书，让我对“艺术”这个概念的理解，变得更加多元和包容。我不再局限于某种特定的艺术形式，而是能够欣赏不同领域、不同风格的艺术作品，并且从中找到属于自己的乐趣。弗莱的批评，就像是一把钥匙，帮助我打开了通往广阔艺术世界的大门，让我看到了一个更加丰富多彩、充满无限可能的艺术天地。

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翻开《弗莱艺术批评文选》，我感觉自己像是在与一位充满智慧的老朋友对话，他的语言朴实无华，却饱含深邃的洞见。弗莱的文章，没有高深莫测的术语，也没有故弄玄虚的理论，更多的是一种真诚的分享和引导。他会用非常贴近生活的例子，来解释复杂的艺术概念，让你在不知不觉中就领悟到了艺术的奥妙。我尤其喜欢他谈论绘画色彩的部分，他会细致地描绘不同颜色在画面中的作用，以及它们如何影响观者的情绪。他会告诉你，为什么红色可以显得热情，为什么蓝色可以传递宁静，这些看似简单的道理，在他的笔下却变得无比生动和富有启发性。他让我意识到，艺术并非遥不可及，它就存在于我们身边，存在于我们每一次的视觉体验之中。这本书，也让我重新认识了“美”的定义。弗莱认为，美不仅仅是外表的漂亮，更是一种内在的秩序和和谐，一种能够触动我们灵魂深处的共鸣。他会引导你去发现那些隐藏在平凡事物中的美，让你学会用一双发现美的眼睛去观察世界。我常常在读完一篇文章后，会立刻去寻找相关联的艺术作品，或者只是在生活中留意那些被他点拨过的细节，惊喜地发现，原来我一直忽略了身边如此多的美好。

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读《弗莱艺术批评文选》的过程，就像是进行一场智力探险，每翻一页，都可能触碰到一个颠覆你原有认知的观点。弗莱的文字，常常带着一种锐利的分析力，他不会轻易被表面的华丽所迷惑，而是直指艺术作品的核心，剥离掉那些浮夸的修饰，呈现出最本质的视觉语言。我印象最深刻的是他对某位古典主义大师作品的解构，他敏锐地捕捉到了作品背后隐藏的权力结构和时代精神，那种分析的深度和广度，让我不得不惊叹于他作为一位批评家的洞察力。他就像一位经验丰富的解剖师，精准地找到艺术作品的“骨骼”和“肌肉”，然后向你展示它是如何运作的。这种批判性的视角，让我开始质疑很多关于艺术的“定论”，也让我学会了用一种更加独立和批判的眼光去审视我所接触到的任何一件艺术品。他所倡导的“感受力”训练，也让我受益匪浅。他鼓励读者放下预设的观念，纯粹地去“看”，去体验作品带来的视觉冲击和情感共鸣。有时候，我会刻意地去模仿他的阅读方式，先不看任何介绍和评论，仅仅是静静地凝视一幅画，试图捕捉它最原始的视觉信息。这个过程并非易事，需要极大的耐心和专注，但当你真正沉浸其中，就会发现，原来艺术作品远比你想象的要丰富得多，它能够激发出你内心深处从未察觉的联想和情感。

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伦勃朗

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沈语冰翻译得不错......当然更不错的是弗莱的美学思想。。。。。他之后的艺术批评家，应该没有人能超越他了吧？至少目前还没有。。。。。

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克莱夫贝尔的幸运就在于遇到了弗莱这样的老师。

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绝望地发现自己搞不了当代艺术评论了，因为还停在弗莱呢。转行吧

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精彩。对于绘画艺术有了重新认识