具体描述
罗思科的这部革命性的艺术哲学著作以艺术及艺术家的真实性立论，探讨了现代艺术世界、艺术史、神话、美、艺术家所面临的社会挑战、“美国艺术”的真实本质以及诸多相关问题的观念。本书充满哲学的思辨，同时又饱含对艺术的热情，注入了强烈艺术精神。本书的真正价值，并不在于罗思科的论证有多么充分，或者他多么连贯地证明了自己的论点；其真正价值是我们对一位艺术家的世界观获得了异常难得的理解，这种世界观通过书面语和相当具体的论证得以表达。
罗思科之子克里斯托弗·罗思科“尽可能地将这部手稿以完整可信的版本公之于众”。本书还包括其长达30页的序，他描述了这部手稿的发现过程，以及将这部手稿付诸出版的复杂而动人的际遇。序言中阐述了艺术家罗思科的相关作品范例，同样也附上了原著手稿中的复制品。克里斯托弗的序言让读者更好地理解罗思科的这一有些令人费解的经典著作。
作者简介
马克·罗思科（1903—1970）美国画家，著名的抽象主义大师，20世纪最重要的艺术家之一。他的作品是对色彩、形状、平衡、深度、构成、尺度等形式因素的关注。他在自己的事业生涯中创造了一种新奇而沉静、简约而感人、大器而激情饱满的抽象派绘画形式，达到了视觉和精神的宏伟境界，他的绘画作品蕴涵的思想信念与哲学意蕴，正是美国当代艺术主流所匮缺的，因此而显现出独特的精神魅力。罗思科可说是自学成才的，他对哲学和心理学有浓厚兴趣，这喜好启发他阅读大量有关神话和精神分析的书籍，加上一生热衷戏剧和音乐，皆为他带来不少创作灵感。在不停的思考和探索中，他成了一位思想者。
目录信息
读后感
在艺术的国度，流传着一个让人寒心的咒语：一个画家的作品自诞生至为大众普遍接受所需的周期大概是一代人的生命跨度，假如命运垂青的话，产销时间可缩短到二十年。但，这巫咒仅适用于少数真正的画家，“时代的宠儿”则享有特殊的豁免权。 即便按二十年产销周期计算，在销售渠...
评分在艺术的国度，流传着一个让人寒心的咒语：一个画家的作品自诞生至为大众普遍接受所需的周期大概是一代人的生命跨度，假如命运垂青的话，产销时间可缩短到二十年。但，这巫咒仅适用于少数真正的画家，“时代的宠儿”则享有特殊的豁免权。 即便按二十年产销周期计算，在销售渠...
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用户评价
这本书的装帧设计简直是一场视觉的盛宴。封面采用了那种带着微微粗砺感的环保纸张，触感上有一种朴实而真诚的力量，仿佛能直接触摸到艺术家工作室的空气。主色调是沉稳的深灰与温暖的赭石色交织，中间那个抽象的留白处理，让人在翻开之前就对“真实”这个主题产生了无限的遐想。内页的排版也是下了大功夫的，文字区域的留白恰到好处，没有那种让人感到压迫的拥挤感，这让阅读过程变成了一种放松的冥想。而且，它巧妙地将一些手绘的草图碎片或者实验性的文字片段点缀在章节的边缘，这些“不完美”的边角料，反而比完美的排版更能体现出一种创作的动态过程。我尤其喜欢它在字体选择上的克制，没有使用那种过于花哨的衬线体，而是选择了简洁、现代且易读的无衬线字体，这使得复杂的概念也能被清晰地传达出来。整体感觉，这本书不只是一本书，更像是一件精心打磨的艺术品，光是放在书架上，都能感受到它散发出的那种对工艺的尊重和对阅读体验的重视。它成功地在“内容深度”和“视觉美学”之间找到了一个近乎完美的平衡点，每一次拿起放下，都能感受到设计者那份沉静的匠心。
评分这本书最让人印象深刻的，或许是它对于“失败”和“中断”的重新定义。在主流叙事中，我们总倾向于关注那些一鸣惊人的成功时刻，而这本书却花费了大量的篇幅去描绘那些被浪费的时间、那些永远不会面世的草稿、那些被艺术家亲手销毁的作品。这种对“未竟之业”的偏爱，构建了一种反高潮的美学。作者似乎在告诉我们，一个艺术家的生命轨迹，并不由那些被策展人挑选出来的杰作来定义，而是由无数次尝试、无数次自我推翻的微小努力构成的。这种对“过程”的极度推崇，让人读完后，对待自己的日常工作和生活中的挫折感，都有了一种奇特的宽慰。它让你相信，那些暂时没有结果的努力，并非虚耗，而是在为未来那个未知的突破积蓄能量。整本书读下来，感受到的不是一种胜利的凯歌，而是一种漫长旅途中，对坚持本身所怀有的、近乎悲壮的敬意。
评分我必须承认，这本书的语言风格是那种需要耐心细品的类型，它一点也不迎合大众的阅读偏好，反而带着一种近乎哲学思辨的冷峻和疏离感。作者似乎对那些空泛的赞美之词抱有一种本能的反感，用词极为精准，带着一种外科手术般的清晰。它很少使用形容词堆砌来渲染气氛，而是通过对某一特定动作、某一特定材料的微观描述，来反向推导出宏大的情感。比如，描述一个雕塑家在打磨石头时，他用的不是“努力”或“专注”，而是细致入微地描述了砂纸与石材接触时产生的特定频率的摩擦声，以及艺术家手臂肌肉纤维的微妙抽动。这种对细节的执着，使得整本书的文本散发着一种不容置疑的权威感。它不是在“告知”你艺术家的生活，而是在“展示”给你看他存在的物理状态。对于习惯了通俗易懂叙事的读者来说，这可能会构成一定的阅读门槛，但对于那些渴望深入挖掘事物本质的人来说，这种精确到近乎苛刻的语言，反而提供了一种前所未有的洞察力。
评分这本书在探讨“创作的伦理”和“公众的误读”方面，展现了令人惊讶的深度和尖锐性。它没有回避艺术家在名利场中不得不扮演的“角色”与他内心深处的疏离感之间的矛盾。作者大胆地揭示了，很多时候，被市场追捧的“风格”恰恰是艺术家为了自保而设置的一道屏障，是用来抵御外界过于热切和肤浅的目光的。其中有几段关于“被模仿”的段落，读来令人不寒而栗，艺术家对于自身符号被过度消费，最终导致“自我消亡”的恐惧被描绘得淋漓尽致。它不像很多艺术评论那样，将艺术家神化，而是将其置于一个充满焦虑、妥协和自我怀疑的真实境地。这种对行业内部运作机制毫不留情的剖析，让这本书超越了个人回忆录的范畴，上升到了对当代创意生态的深刻批判。它让我们反思，我们所消费的“艺术的真实”，究竟有多少是作品本身，又有多少是我们期望看到的“剧本”。
评分这本书的叙事节奏处理得极其老辣，初读时会让人有点摸不着头脑，因为它似乎刻意避开了传统传记或理论著作那种线性的时间推进。它更像是一部由无数个碎片记忆、灵光乍现的瞬间和突然切入的内心独白构成的蒙太奇。作者似乎并不急于给出一个明确的“答案”或“结论”，而是引导读者进入一种漫长的、近乎沉浸式的体验。有些章节的句子非常短促有力，像突然被按下的快门，捕捉的是最原始的冲动；而紧接着，又会出现大段的、如同意识流般的长句，细腻地描摹着艺术家在创作瓶颈期那种近乎癫狂的内心挣扎。这种忽快忽慢、时而聚焦时而模糊的叙事手法，完美地复刻了灵感与迷茫交替出现的创作心路。读到后半段时，我发现自己已经不再是用“读完”这本书为目标，而是开始学着去“感受”它描述的那个心流状态。它挑战了我们习惯的阅读习惯，迫使我们慢下来，去品味那些被省略的、被跳跃的空白之处，这才是真正体现“真实”的痕迹所在。
评分“你可以确定的一点就是艺术家必需正确地去饿死”
评分第一，这本书是写于罗斯科“色域”风格形成之前，但是思想是与之后的画作相符的；第二，罗斯科的抽象绘画虽然呈现出规整的面貌，却不是康定斯基或纽曼蒙德里安那种冷抽象，而是一种有着冷抽象错觉的热抽象，这从他40年代之前的早期绘画就能理解，就像他所说的“错觉派”和“触觉派”是不可能完全分离的；第三，让一个热抽象画家去写这种类似于辩证哲学口吻的书，真是难为自己，废话太多，逻辑不通，亮点是罗斯科最爱用的四个字：换句话说...要不这本书真是没法看了！
评分当时看的是英文版，在其抽象表现风格出现前写的文本
评分带着嫉妒的眼光去看黄金时代，是对艺术渴求的一种表现。
评分4.6
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