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出版者:山东美术出版社

作者:吴昌硕

出品人:

页数:8 页

译者:

出版时间:2001-1

价格:9.80元

装帧:平装

isbn号码:9787533014643

丛书系列:

图书标签:

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好的，这是一份关于一部名为《中国古代青铜器精粹》的图书的详细简介，这份简介完全不涉及“浙江博物馆册页精品”的内容。 --- 图书名称：《中国古代青铜器精粹》 图书简介 《中国古代青铜器精粹》是一部系统梳理和深入探讨中国青铜艺术发展脉络的权威性著作。本书聚焦于中国青铜文明的起源、鼎盛、转型及其在不同历史阶段所展现出的独特艺术风貌、技术成就和社会意义。全书以考古发现为基础，结合传世器物的精湛工艺，构建了一幅波澜壮阔的青铜艺术画卷。 第一部分：青铜时代的曙光——从二里头到商代早期 本书的开篇追溯了中国青铜冶铸技术的萌芽阶段。详细介绍了河南二里头文化遗址出土的早期青铜礼器，分析了这些器物在形制和纹饰上，如何初步奠定了中国青铜器“礼器化”的初始形态。这一阶段的青铜器尚显粗犷古朴，但已展现出范铸技术的初步成熟。 随后，我们进入商代早期。商代早期（如盘龙城、郑州商城遗址）的青铜器，标志着早期王权对礼器制度的初步规范。本部分通过对曶、爵、鼎等早期标准器型的研究，揭示了青铜礼器在确立社会等级秩序中的关键作用。纹饰上，虽然尚不成熟，但饕餮纹、兽面纹的雏形已经出现，预示着未来辉煌的到来。 第二部分：青铜艺术的巅峰——商代中晚期与“神性”的彰显 商代中晚期，尤其是殷墟文化时期，是中国青铜艺术的第一个高峰期。本部分投入大量篇幅，细致剖析了以司母戊鼎（后称后母戊鼎）为代表的超大型铸件的工程学奇迹。通过对复杂范线的解读和铸造技术的复原分析，展现了当时工匠精湛的失蜡法、分铸法等高超技艺。 纹饰方面，本书深入探讨了商代青铜器上饕餮纹（兽面纹）的演变及其深刻的文化内涵。这些纹饰不再仅仅是装饰，而是被赋予了沟通天地、彰显神威的宗教和政治意义。书中对商代青铜礼器组合（如鼎、簋、鬲的严格配比）进行了详尽的阐释，论证了礼器制度如何成为商代国家治理的核心工具。此外，对少量铭文青铜器的解读，也为我们提供了直接了解当时王室祭祀和战争活动的第一手资料。 第三部分：技术与风格的转型——西周的“礼乐文明”重塑 西周时期，青铜艺术经历了从商代“神性”向周代“德性”的转变。本书详细阐述了周公制礼作乐对青铜器风格的决定性影响。这一时期的器物造型趋于规整、线条更为流畅，威严感取代了商代的狞厉之气。 重点章节集中于西周金文的研究。与商代简短的刻辞不同，西周青铜器上常出现长篇铭文，记录了册命、战争、赏赐等重要历史事件。本书收录了包括毛公鼎、虢季子白盘在内的重要器物，通过对铭文内容和书法的分析，揭示了西周王朝如何通过青铜礼器，构建和巩固其分封制度下的宗法伦理体系。西周晚期，青铜器上开始出现以宴享、田猎为主题的写实性图案，预示着艺术表达的世俗化趋势。 第四部分：变革与融合——春秋战国时期的百家争鸣 春秋战国时期是青铜艺术风格最为活跃和多元化的阶段。随着王室衰微，诸侯争霸，青铜器不再是王权的专属符号，其艺术表达呈现出强烈的地域性和个性化特征。 本书详细对比了吴越、楚国、中原各国青铜器的风格差异。例如，楚国青铜器中浓郁的南方文化色彩、复杂繁缛的蟠螭纹和动物搏斗纹饰；以及中原地区透雕、镂空技术的广泛应用，如著名的“宴乐渔猎攻战纹壶”。这一时期的铸造技术达到了一个新的高度，复合金属工艺、镶嵌工艺（金银错、嵌红铜）的成熟，使得青铜器不再局限于礼器，出现了大量精美的生活用器和兵器。对“升鼎”和“编钟”的研究，展现了战国时期声学与礼仪的完美结合。 第五部分：秦汉的终结与新篇——青铜器的世俗化与衰落 秦汉时期，铁器和漆器的大规模应用，以及新的审美趣味的兴起，使得青铜器的礼器功能逐渐退化。本书探讨了秦汉时期青铜器向实用化、生活化的过渡。虽然礼器地位下降，但镫、壶、镜等生活用具的铸造技术依然精湛。尤其对汉代青铜镜的纹饰（如“仙人”、“博局纹”）的分析，反映了当时社会思想和审美趣味的变化。 本书的结论部分总结了中国青铜艺术在近两千年的发展历程中，如何与政治制度、宗教信仰、技术进步紧密交织，最终完成了从“神权工具”到“历史文献”的历史使命，为后世的金属艺术留下了不可磨灭的遗产。全书配有数百张高清的器物图版和细节放大图，确保了学术的严谨性和视觉的欣赏性。

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如果说有什么缺点，那可能就是篇幅太丰富了，让人有种“贪多嚼不烂”的幸福烦恼。我发现自己常常会因为被某幅作品的细节深深吸引，而花上大半个小时，仅仅去研究那几棵树的皴法或者远山的处理方式。这本书的导览性非常强，它不仅仅是简单地展示作品，更像是配了一位极其博学且耐心的私人导览员，随时在你耳边低语着作品的来历、作者的生平以及它在艺术史上的地位。这种强烈的代入感，让我有一种迫不及待想要拿起画笔自己尝试一番的冲动。它真正做到了激发学习的热情，而不是单纯的知识灌输，是一本值得反复品读，每次都能发现新惊喜的艺术经典。

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说实话，我本来以为这只是市面上常见的那种图录集合，但翻开之后才发现完全不是那么回事。这本书的叙述方式非常引人入胜，它没有采用那种枯燥的、按时间线索排列的传统模式，而是更侧重于主题性的探讨。比如，某一章节可能专门聚焦于“文人画中的写意精神”，另一章节则深入剖析了“青绿山水在不同朝代的嬗变”。这种灵活的组织结构，极大地提升了阅读的趣味性，让人在不知不觉中，就吸收了大量关于中国画技法和审美取向的知识。作者的文笔流畅且富有激情，即便是对于非专业人士来说，那些复杂的绘画理论和鉴赏要点也能被清晰地传达。每次合上书本，都感觉自己的“眼睛”被重新校准了一遍，看世界万物都多了一层艺术的滤镜。

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这套书简直是艺术鉴赏者们的福音，它以一种极其细腻和富有洞察力的方式，带领读者领略了中国古代绘画的精妙之处。我尤其欣赏它在摹本选择上的独到眼光，那些被精心挑选出来的作品，不仅代表了某一历史时期的最高水平，更蕴含着深厚的文化底蕴和时代精神。每一页的展开，都像是一次与古人的心灵对话，你能够清晰地感受到画家在创作时的心境、笔触的力度与情感的流淌。装帧设计也极为考究，那种微微泛黄的纸张质感，配合着高精度的印刷，使得即便是复制品，也散发着原作特有的温润光泽。对于那些希望深入研究宋元明清绘画风格演变脉络的爱好者来说，这套书无疑提供了一个绝佳的、可以随时翻阅和对比的实体资料库。它不是那种冷冰冰的学术堆砌，而是充满了人文关怀的视觉盛宴，让人在沉浸于美的同时，也能体会到历史的厚重。

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我是一个对古代书法艺术有着执着追求的人，但这本册页精选集，却以一种非常出乎意料的方式，拓宽了我的艺术视野。虽然主题聚焦在绘画，但那些大师级的画作中，往往融入了极其高超的书法功底，无论是题跋还是款识，都展现了一种“画中有书，书中有画”的境界。这本书非常巧妙地捕捉并凸显了这种跨媒介的艺术融合。尤其让我印象深刻的是，它对于画作边缘留白的处理和印章的布局讲解，这些细节往往是普通画册会忽略的，但恰恰是这些“非主体”元素，构成了作品整体的完成度和意境。通过对这些细节的细致呈现，我开始理解，古代的艺术家是如何将构图、色彩、笔墨和文字融为一体，创造出那个时代的“完美平衡”。

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这套书的装帧和纸张质量，简直可以称得上是“奢侈品”级别了。我收到的那本，拿在手上沉甸甸的，那种厚实的触感和油墨散发出的淡淡清香，立刻就将我带入了某种仪式感的体验中。我把它放在书房的红木桌上，光是看着它摆放的样子，就觉得整个空间的气质都提升了。更值得称赞的是，许多长卷和大幅作品的还原度，达到了令人惊叹的地步。那些墨色的层次变化，水渍晕染的效果，甚至连绢本上的细微纹理，都清晰可见。这使得即便是没有机会去到博物馆实地观摩真迹，也能获得一种极高保真度的视觉体验，这对无法常驻于文化名城的艺术爱好者来说，简直是无价的宝藏。

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