具体描述
本书从九个方面展开探讨了以下几个问题：兴起于佛罗伦萨的文艺复兴运动，这场运动究竟对近现代美学的产生与发展提供了什么样的财富，在多大程度上决定着近现代文艺与美学的发展方向？这是本研究的核心问题。这也是对近六百年来文艺发展与美学发展状况的归本溯源。如果说，近代以来艺术与美学所取得的成果是沿着佛罗伦萨文艺复兴的道路而取得的，那么，佛罗伦萨在那个时代从总体文化状态上为文艺复兴，或者说，为新的文明时代的文艺与审美提供了什么样的方向，奠定了什么样的基础？
书稿内容涉及审美的民族性、美感、艺术的公共性、象征、情感等审美现代性的基本问题，把历史与文化拢聚到美学中，把美学问题具体化。
近年来学术的热点问题是关于审美现代性问题，学术界普遍认同的观点是审美现代性的源头在近代的开端处，也就是文艺复兴。这里面包含近代以来审美救赎观的产生、艺术在近代文明中的地位、“艺术家”概念的内涵与艺术家们在近代文化体系中的地位、美的内涵的确立、艺术价值的确立、艺术创造与传承机制的产生等问题。究竟是什么样的文化能够产生这些观念，本书把这种文化追溯到它的源头，也就是文艺复兴时代的佛罗伦萨，来考察这些观念的萌芽是在什么样的文化条件下产生的，反过来也追问，当时的文化如何推动了这种观念的产生。
作者试图对一个时代的艺术观、审美观、美学理论的产生，做一个“社会存在现象学”式的研究，要对某个审美现象或审美理论进行历史还原，寻找这些观念产生的现实基础。在深入地研究了美学与形而上学的关系之后，笔者又通过对文艺复兴的研究试图寻找美学基于现实的文化因素与历史原因。
作者简介
刘旭光，男，1974年生，甘肃武山人，美学博士，上海大学教授，博士生导师，上海市曙光学者。曾为上海世博会中国馆专家组成员，马克思主义理论研究和建设工程重点教材《西方美学史》课题组专家，上海师范大学美术学院执行院长。主要从事中西方美学思想史与艺术学理论、文艺理论研究。主持国家哲学社会科学项目与教育部项目、上海市哲学社会科学项目多项，在CSSCI级刊物发表论文80余篇。
目录信息
绪 论 文艺复兴与城市
一 近代城市的复兴
二 城市复兴的意义
三 城市精神
四 城市生活与艺术
第一章 作为一个美学概念的“文艺复兴”
一 文艺复兴：历史时期还是文明的状态？
二 “文艺复兴”一词的谱系
三 作为一个美学概念的“文艺复兴”
第二章 文艺复兴时期佛罗伦萨的“一般世界情况”
一 “复兴”的提出
二 文艺复兴产生的历史背景
三 新文化的要求
第三章 城市生活与民族文学的确立
一 语言交响中的文学状态
二 城市生活与俗语文学的兴起及其理论奠基
三 市民人文主义与古典拉丁语文学的兴起
四 俗语文学与拉丁语文学之争
五 俗语的胜利
第四章 意义的深度：近代艺术作品意义结构的诞生
一 “观看”的方式
二 深度意义的诞生
第五章 图像的灵性：宗教生活与艺术
一 基督教与城市生活
二 基督教与艺术的纠葛
三 基督教对艺术的需要
四 形象的灵性
第六章 情感与心灵：艺术人文性的起源
一 基督教的情感主义与造型艺术
二 宗教情感在造型艺术中的世俗化
三 艺术情感化的胜利
第七章 艺术公共性的原型：政治、群体与公共生活
一 佛罗伦萨的政治生活
二 佛罗伦萨的城市规划与城市建筑
三 视觉艺术的公共性
第八章 竞争、迪塞诺与艺术自律性的起源
一 佛罗伦萨艺术界的竞争氛围
二 两次伟大的竞争：吉贝尔蒂VS布鲁内莱斯基、达·芬奇VS米开朗琪罗
三 迪塞诺与艺术自律性的萌发
四 艺术家、艺术美、艺术界
第九章 一种唯美主义的城市文化与近代美感的起源
一 美感及其意义
二 佛罗伦萨人的文化与他们的美感
三 美感中的理性内涵
尾 声 关于艺术之“美”的怀旧抑或启示
参考文献
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读后感
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用户评价
这本书最让我印象深刻的，是它并没有局限于对某个具体艺术流派的描述，而是着眼于“精神”这个更宏大的概念，去追溯欧洲近代艺术之所以成为“近代”的根本原因。它让我看到了，从哥特式的对神的虔诚，到文艺复兴对人的发现，再到启蒙运动对理性的信仰，以及浪漫主义对情感的释放，每一个时代的“精神”内核，都在艺术中留下了不可磨灭的印记。它不仅仅是关于绘画、雕塑、建筑风格的演变，更是关于人类思想观念、价值取向、世界观的深刻变革。我开始明白，为什么文艺复兴时期的作品充满了人文关怀，为什么巴洛克艺术充满了戏剧性和感染力，为什么印象派的出现标志着艺术开始走向更加自由和主观的表达。这本书，让我看到，艺术的“精神”是如何如同一条无形的线，将不同时代、不同风格的艺术作品串联起来，让它们不再是孤立的个体，而是同一历史长河中的不同浪花。这种从“点”到“线”再到“面”的理解，让我对欧洲近代艺术的认识，上升到了一个全新的高度，仿佛我看到了艺术背后的灵魂，看到了时代精神的跳动。
评分这本书最让我感到“解渴”的地方，在于它成功地填补了我对于不同艺术流派之间内在联系的认知空白。我之前看待欧洲近代艺术，总感觉它们是一个个独立存在的、风格迥异的“盒子”。比如，我分得清哥特式和文艺复兴，也知道巴洛克和洛可可的区别，但始终无法理解它们之间是如何一步步演变而来，是什么内在的逻辑将它们串联在一起。这本书，则像一个经验丰富的向导，带领我穿越历史的长河，让我看到了这些艺术流派并非突兀出现，而是前一个时代的思想和艺术实践，孕育了后一个时代的萌芽。例如，它清晰地揭示了人文主义思潮如何挑战了中世纪神学的主导地位，为文艺复兴的艺术解放奠定了基础；又如何解释了理性主义的兴起，是如何催生了新古典主义对古希腊罗马艺术形式的回归，以及对秩序和理性的推崇。甚至，当我看到书中描述浪漫主义如何是对启蒙运动理性至上的反叛，是对被工业化和城市化所压抑的个体情感的呐喊时，我恍然大悟。原来，每一次艺术风格的转变，都是对前一个时代精神的继承、修正，甚至是彻底颠覆。这种“追根溯源”的解读方式，让我对艺术史的理解，从静态的欣赏，跃升为动态的洞察，我开始能够预测，甚至感知到下一种艺术精神的到来，这是一种非常奇妙的体验。
评分这本书为我打开了一扇全新的艺术认知大门，它让我明白，艺术的“精神”远比表面的风格更重要。我之前可能更关注艺术家的技法，或者作品的视觉美感，但这本书让我看到了，每一个艺术风格的背后，都蕴含着一个时代最深层的思想、情感和价值观。它让我看到了，哥特式的向上升腾，不仅仅是建筑的结构，更是对超越世俗的渴望；文艺复兴对人体的描绘，不仅仅是对解剖学的掌握，更是对人作为宇宙中心的肯定；巴洛克艺术的奔放，不仅仅是对情感的宣泄，更是对信仰的重塑和对权力的彰显。甚至，当书中描绘到印象派对光影的捕捉，我才意识到，这背后是对客观世界的挑战，是对个体主观感受的解放，这正是近代以来个体意识觉醒的必然结果。这本书，让我看到了艺术的“生命力”，看到了它如何在时代的洪流中汲取养分，又如何反过来塑造和引领时代的精神。我不再仅仅是艺术的欣赏者，更像是一个历史的观察者，一个精神的追随者，去感受那个时代最真实的脉搏。
评分读完这本书，我感觉自己像是经历了一场思想的“洗礼”。它让我重新审视了欧洲近代艺术史，不再是零散的风格标签，而是串联在一起的、有机发展的精神脉络。我之前总觉得，艺术的风格变化，似乎有些随心所欲，或者仅仅是艺术家们为了追求新奇而进行的尝试。但这本书，通过对历史背景、哲学思潮、社会变革的细致梳理，让我看到了艺术精神是如何在时代的大潮中孕育、演变、并最终凝聚成具体的艺术形态。我开始理解，为什么文艺复兴时期对人性的赞美，会直接体现在艺术作品中对人体的关注和对世俗生活的描绘；为什么启蒙运动对理性的推崇，会催生出新古典主义的严谨和秩序感；为什么浪漫主义对情感的强调，会转化为巴洛克艺术的奔放和戏剧性。甚至，当书中描绘到印象派对光影和瞬间的捕捉，我才意识到，这背后是对客观真实性的挑战，是对个体主观体验的解放，这本身就是近代以来个体意识觉醒的必然结果。这本书，让我看到了一种“必然性”，看到艺术精神的演变并非偶然，而是时代精神与艺术家创作之间深刻互动的必然产物。这让我对艺术史的理解，变得更加深刻和系统，充满了“原来如此”的顿悟感。
评分这本书给我带来的震撼，远不止于对“欧洲近代艺术精神”这个宏大概念的浅显理解。它像一把钥匙，解锁了我之前对那些熟悉又陌生的艺术作品背后逻辑的困惑。我一直以为，文艺复兴不过是古希腊罗马的复兴，巴洛克是情绪的张扬，而启蒙运动则只是理性的光辉。但读完这本书，我才明白，这些表面上的风格流派，都只是更深层精神内核的载体。它让我看到了，从哥特式的向上升腾到人文主义的以人为本，再到理性主义的客观审视，以及浪漫主义对个体情感的呐喊，每一个时代的精神气质，是如何如同一条无形的河流，滋养并塑造了当时的艺术表达。我开始重新审视达芬奇的神秘微笑，不是因为它技巧的精湛，而是因为它背后蕴含的对人类智慧的敬畏；我开始理解卡拉瓦乔的戏剧性光影，不只是为了视觉冲击，更是为了展现人性在光明与黑暗中的挣扎。甚至连那些看似激进的印象派，也不再是简单的“对光线的捕捉”，而是对主观感受和瞬间体验的探索，这本身就是近代以来个体意识觉醒的必然结果。这本书，没有给我直接灌输某个主义的好坏，而是通过对历史语境、哲学思想、社会变革的细致梳理，让我自己去感受、去判断、去领悟，艺术精神是如何在时代的洪流中孕育、演变、并最终汇聚成我们今日所见的近代艺术的壮丽图景。这种抽丝剥茧式的分析，让我对艺术史的认知，从碎片化的观赏，上升到了系统性的理解，感觉像是打开了一个全新的维度。
评分这本书的价值，远超于一本单纯的艺术史读物，它更像是一次关于欧洲近代思想史和文化史的深度梳理。我之前可能只知道一些艺术家的名字，或者某些艺术流派的特点，但总是无法理解它们为何会产生，为何会演变成今天的样子。这本书，通过将哲学、宗教、政治、社会变革等各个层面的因素，与艺术精神的演变紧密结合，为我提供了一个完整而深刻的理解框架。我开始明白，无论是人文主义的兴起，还是宗教改革的冲击，亦或是启蒙运动的理性思潮，都如同无形的巨手，推动着艺术精神的不断演进。它让我看到了，从哥特式的神圣光辉，到文艺复兴的人文关怀，再到巴洛克艺术的情感张力，以及新古典主义的秩序回归，每一种艺术精神的转变，都与当时的社会思潮息息相关。我不再是孤立地看待艺术作品，而是将它们置于历史的洪流中，去感受它们所承载的那个时代的精神印记。这种“历史化”的解读方式，让我对艺术的理解，变得更加立体和丰满，仿佛我看到了艺术背后那个时代的心跳和呼吸。
评分我原本以为，这样一本关于“艺术精神起源”的书，会充斥着晦涩难懂的理论和枯燥的历史事件。然而，这本书的出乎意料的“好读”，让我眼前一亮。作者并非堆砌术语，而是用一种充满叙事性和画面感的语言，将历史的演变和艺术的勃兴娓娓道来。在描述哥特式建筑如何象征着对天国的渴望时，我仿佛能看到那些高耸的尖塔直指苍穹；在描绘文艺复兴时期人文主义者如何重新发现古籍，对人本身的价值产生新的认识时，我仿佛能看到那些学者们在昏黄的灯光下孜孜不倦的身影。更重要的是，作者并非孤立地讲述某个艺术流派，而是将它们置于一个动态的、相互关联的大的历史背景下。比如，它会解释为什么巴洛克艺术的戏剧性与反宗教改革的背景紧密相连，为什么新古典主义的复古是为了回应启蒙运动对秩序和理性的追求，以及为什么浪漫主义的激进正是对工业革命带来的异化和压抑的抗争。这种叙事性的处理方式，让复杂的历史变得生动有趣，让抽象的艺术精神变得触手可及。我不再是机械地记忆某个艺术家的名字和作品，而是开始理解他们为什么会在那个特定的时刻，以那种独特的方式去创作，仿佛他们的作品就是那个时代最真实的写照，最鲜活的脉搏。
评分这本书最让我惊喜的地方，在于它如何巧妙地将抽象的哲学思辨与具体的艺术实践联系起来。我之前接触到的艺术史论述，要么过于偏重美学分析，要么过于沉溺于哲学家的理论，总是难以找到一个恰当的切入点来理解艺术作品的“魂”。但在这本书里，无论是笛卡尔的“我思故我在”如何影响了对个体存在的强调，还是卢梭的“自然状态”如何催生了对原始情感和纯粹表现的追求，亦或是康德的“无功利的审美判断”如何为独立艺术的诞生奠定基础，这些哲学思想的脉络，都被清晰地描绘出来，并直接投射到具体的艺术作品上。我开始理解，为什么在理性主义的时代，艺术家会倾向于追求清晰的结构和秩序，为什么在启蒙运动之后，对人权的关注会体现在肖像画中对个体尊严的刻画。甚至当浪漫主义浪潮兴起，艺术家们不再满足于模仿自然，而是开始将内心澎湃的情感，如海浪般汹涌，如狂风般肆虐地倾泻在画布上，这正是哲学上对个体自由和主观体验的极致推崇。这种“思想史”与“艺术史”的交织，让我仿佛看到了艺术家们并非凭空创作，而是站在时代的思想巨人的肩膀上，用他们的画笔、雕塑、甚至是建筑，去回应、去阐释、去升华那个时代最核心的精神诉求。读这本书，就像是在和历史上的思想家和艺术家们进行一场跨越时空的对话，感觉自己也参与到了那场伟大的思想革命之中。
评分读这本书，最大的收获之一，就是让我认识到“精神”这个词的深度和广度。我之前可能只将“精神”理解为某种情感的抒发或者某种思想的表达，但这本书让我明白，“精神”更是一种时代的共识，一种集体潜意识的流动，一种对世界和人生基本态度的认知。欧洲近代艺术精神的起源，不是某一个伟大天才的灵光乍现，而是整个社会在经历了一系列重大的变革之后，思想、信仰、价值观发生深刻转折的集体体现。它从对神权的绝对崇拜，逐渐转向对人本身的关注，从对来世的期盼，转向对现世价值的追求，从对既定秩序的遵守，逐渐走向对个体自由和创造力的解放。这种转变，体现在艺术上，就是从统一、宏大的宗教题材，转向了丰富多彩的世俗生活，从刻板、程式化的表达，转向了更加个性化、情感化的描绘。我开始理解，为什么文艺复兴时期的肖像画会如此强调人物的性格和情感，为什么巴洛克艺术会如此追求视觉的冲击力和情感的共鸣，为什么印象派的出现标志着艺术进入了一个更加主观和多元的时代。这本书，让我看到了艺术与时代精神之间的这种深刻的、不可分割的联系，它不仅仅是艺术史的解读，更是一部关于人类思想解放和文化演进的史诗。
评分这本书不仅仅是关于艺术的，它更是一场关于“人”的探索。近代艺术精神的起源，归根结底，是近代以来人类对自身价值、对个体存在、对自由意志的重新认知和肯定。从哥特时代将目光投向天堂，到文艺复兴将目光拉回到人本身，再到启蒙运动歌颂理性的光辉，以及浪漫主义对个体情感的无限放大，每一个阶段，都标志着人类精神边界的拓展和主体意识的觉醒。这本书让我看到，艺术不仅仅是美的载体，更是人类精神最直接、最真实的表达。那些伟大的艺术家，他们是那个时代的先知，是用画笔和雕塑来记录和引领人类思想的变迁。我开始理解，为什么达芬奇的肖像画会如此关注人物的内心世界，为什么伦勃朗的光影会如此深刻地揭示人性的复杂，为什么德拉克洛瓦的《自由引导人民》会成为一个时代的象征。这本书，让我明白，艺术作品的价值，不在于技巧的炫耀，而在于它是否能够触及人类最深层的情感和思想，是否能够反映和引领那个时代的精神潮流。读完这本书，我对艺术的理解，不再停留在视觉的层面，而是升华到了对人类文明发展和精神觉醒的深刻体悟。
评分文献扎实，陈述详尽。 但什么时候能改掉这种“为了讲某主题，就自己设定一些关于这主题的基础或前提。然后自己叭叭叭强行讲一堆这些基础或前提，其实根本不是自己擅长的领域，徒增笑柄”的操作？作者好像是做海口出身的，可能忍不住还是想讲几嘴现象学，这个可以理解；但也像海口不太了解中世纪，作者把几个重要人名都给套错，令人愕然。
评分南刘北彭。
评分上海学者刘旭光老师今年推出的一部力著，聚焦文艺复兴时期的佛罗伦萨艺术这一学术热门主题，从艺术史的视角切入，以美学的方法展开详细论述。李泽厚先生曾经将美学划分为美的哲学、审美心理学、艺术社会学这三个主要领域，而刘老师这本书里，对这三大领域的理论与方法都有精彩运用。之于美的哲学，他对美感的性质与内涵，艺术的公共性、自律性与象征性等美学核心问题进行深入探讨；之于审美心理学，他详细考察当时与当代受众在阅读文艺复兴时期艺术作品的审美心理异同，并深入分析情感通过艺术作品，在艺术家与受众之间的互动；之于艺术社会学，他对佛罗伦萨当时的艺术界于艺术产业生态，以及艺术与佛罗伦萨城市发展之间的关系，都有生动而精彩的论述。相当出色的一部原创性艺术论著，受益匪浅。
评分根源性写的非常的细致，有一些小的点作者没有一带而过，都举例论证。
评分根源性写的非常的细致，有一些小的点作者没有一带而过，都举例论证。
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