当代西方剧场艺术 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:广西师范大学出版社

作者:李亦男

出品人:

页数:360

译者:

出版时间:2017-2-28

价格:54.00元

装帧:平装

isbn号码:9787549590032

丛书系列:

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《古典诗词鉴赏与创作》 图书简介 本书深入探讨中国古典诗词的悠久历史、丰富内涵及其审美价值，旨在为读者提供一套系统而精妙的鉴赏与创作指南。全书结构严谨，内容详实，力求在宏观把握发展脉络的同时，兼顾对具体名篇、流派和艺术手法的细致剖析。 第一部分：溯源与脉络——古典诗词的历史长廊 本部分首先追溯中国诗歌的源头，从《诗经》的质朴淳厚，到《楚辞》的浪漫瑰丽，勾勒出早期文学的奠基性地位。重点分析了《诗经》中“赋、比、兴”三大表现手法在后世文学中的传承与演变。 接着，我们进入汉魏六朝时期。汉乐府的民歌传统与文人五言诗的兴起构成了这一时期的双重景观。魏晋风骨的形成，尤其受到玄学思潮的影响，使得诗歌在情感表达上更加深沉内敛。曹植、阮籍、嵇康等人的作品，展现了士人阶层在乱世中的精神挣扎与艺术追求。六朝宫体诗的精致与颓靡，也为唐诗的革新提供了反面教材与借鉴基础。 第二部分：巅峰与高峰——唐诗的辉煌成就 唐诗是中国古典诗歌的最高峰，本书用大量篇幅系统梳理了唐诗的演变轨迹： 初唐的过渡与奠基： 探讨陈子昂等人在复古思潮中对盛唐气象的初步酝酿。 盛唐的恢弘气象： 重点剖析“开元盛世”下，王维的禅思入画、李白的豪迈飘逸、杜甫的沉郁顿挫。对“诗仙”和“诗圣”的艺术风格进行对比分析，深入解读其在题材选择、意象运用和格律掌握上的独到之处。例如，解析李白如何运用夸张、浪漫的想象力构建其“谪仙”形象；而杜甫的“三吏三别”，则体现了儒家“兼济天下”的情怀与现实主义的深刻刻画。 中晚唐的转折与深化： 关注白居易的新乐府运动及其对通俗易懂的追求，以及韩愈、柳宗元在古文运动背景下对诗歌语言的革新。晚唐的李商隐与杜牧，则将诗歌推向了唯美、典雅的极致，其晦涩的意象与深沉的慨叹，成为后世解读的难点与乐趣所在。 第三部分：格局的拓展——宋词的婉约与豪放 宋代文学的核心标志是“词”的成熟与繁荣。本书详述了词从“艳科小令”到可以载负宏大主题的转变过程。 北宋词坛的多元探索： 重点分析以苏轼为代表的“豪放派”，如何将诗歌的笔法融入词中，拓展了词的境界；以及柳永在市民文化中的流行，他“凡有井水处，皆能歌柳词”的现象，揭示了词体与音乐性的紧密关系。 两宋之变的沉郁： 考察李清照在国破家亡背景下，词风由早期的清丽转向晚期的凄婉与沉郁。同时，对辛弃疾的“以文为词”，以及姜夔等格律派的精工细致，进行详细对比分析，阐明宋词在抒情深度和形式美学上的双重成就。 第四部分：精微的提炼——古典诗词的艺术技法与审美范式 本部分从技术层面入手，解析古典诗词之所以动人的核心艺术要素： 格律与音韵： 详细讲解近体诗（律诗、绝句）的平仄、对仗、粘对规则，以及词牌的韵脚要求。解释音律之美如何服务于情感的抑扬顿挫。 意象的构建与象征： 探讨月亮、流水、杨柳、落花等常见意象在不同时代和语境下的象征意义的流变。分析如何通过情景交融的手法，达到“一切景语皆情语”的境界。 用典与炼字： 阐述典故的运用如何在有限的篇幅内承载深厚的历史文化信息，以及诗人对动词、形容词的“炼字”工夫，如何赋予诗句以不朽的生命力。 审美范式： 剖析中国古典诗学中“风骨”“意境”“气象”等核心审美概念的内涵，使读者能够超越表层的字句，把握作品的精神内核。 第五部分：临习与创作——诗词格律入门与实践 针对有志于尝试创作的读者，本部分提供了实用的入门指导。首先以浅显易懂的方式讲解平仄转换的基本原则，拆解不同体裁的固定格式。随后，通过大量的示范性练习，引导读者从模仿名家起句、对仗入手，逐步过渡到独立构思。强调创作应基于对传统文化的深刻理解，而非单纯的格式堆砌。 本书力求语言流畅、分析深入，既是古典诗词爱好者研习的工具书，也是对中国传统文化感兴趣的普通读者的入门向导。通过阅读本书，读者将能更好地领略古典诗词穿越千年的艺术魅力与永恒的人文关怀。 --- 《欧洲文艺复兴的社会思潮与人文精神重塑》 图书简介 本书聚焦于14世纪至16世纪在欧洲，尤其是在意大利城邦兴起的文艺复兴运动，重点分析其在社会结构、思想领域、艺术创作中引发的深刻变革。本书旨在超越对艺术作品风格的简单罗列，深入挖掘推动这场变革的社会经济基础、关键的哲学思潮，以及人文主义如何系统性地重塑了中世纪以来的西方世界观和人的自我认知。 第一部分：中世纪的黄昏与城邦的崛起——变革的土壤 本部分首先勾勒了中世纪末期欧洲的社会背景，包括黑死病对人口结构和社会等级的冲击，以及商业贸易的复兴如何催生了新兴的市民阶层和强大的商业精英群体。 佛罗伦萨的独特地位： 详细分析了佛罗伦萨作为文化与经济中心的形成过程，美第奇家族等商业巨头的赞助模式（Patronage）对艺术和学术的直接推动作用。探讨了城邦政治结构中的共和理想，如何为世俗思想的传播提供了实验场。 经院哲学的松动： 分析了托马斯·阿奎那调和信仰与理性的努力，以及后期经院哲学在面对新发现和新问题时日益显现的局限性，为世俗理性的回归创造了空间。 第二部分：人文主义的诞生与核心诉求 人文主义（Humanism）是文艺复兴的灵魂。本书将其定位为一场以“人”为中心的知识与伦理运动。 语言学的转向： 重点分析了对古典拉丁文和希腊文的“回归原典”（Ad fontes）运动。洛伦佐·瓦拉对君士坦丁“捐赠”文献的语言学批判，展示了世俗理性对权威文本的挑战。 教育理想的重塑： 探讨人文主义者如何反对中世纪僵化的“七艺”教育，提倡“博雅教育”（Studia Humanitatis），强调修辞学、历史学、诗歌等学科对培养完整公民的重要性。 从神性到人性： 深入解析彼特拉克对个人情感的抒发，以及皮科·德拉·米兰多拉《论人的尊严》中关于人作为自由创造者的哲学定位。讨论了这种思潮如何将关注点从彼岸的永恒转向现世的成就与潜力。 第三部分：政治哲学与世俗权力观的颠覆 文艺复兴时期，人们对国家治理和道德伦理的思考也发生了剧变，不再完全依附于神权叙事。 马基雅维利的现实主义： 全面分析《君主论》的写作背景和核心论点，特别是“目的证明手段”的实用主义伦理观，以及他如何首次将政治学视为一门独立于神学和伦理学的经验科学。 乌托邦思想的萌芽： 考察莫尔的《乌托邦》等作品，分析在社会矛盾加剧的背景下，知识分子对理想社会形态的想象，这标志着政治批判的成熟。 第四部分：艺术的革新与科学的萌芽 艺术领域是文艺复兴成果最直观的体现，本书将艺术视为社会思潮的视觉化表达。 透视法的革命： 详细分析了布鲁内莱斯基等人对线性透视的发现，这不仅是技术的突破，更是世界观的体现——即世界可以被理性地测量和组织。 人体与世俗英雄： 探讨米开朗基罗和达·芬奇如何通过对人体解剖的精确研究，展现人的完美比例与内在力量。分析了肖像画的兴盛，标志着个人身份和世俗荣耀被推向艺术的中心。 印刷术的普及： 评估古腾堡印刷术对思想传播速度和广度的革命性影响，它打破了教会对知识的垄断，成为人文主义和后来的宗教改革得以迅速传播的物质基础。 第五部分：北方文艺复兴的独特路径 本书随后将视野转向阿尔卑斯山以北，分析北方文艺复兴的特点——更注重宗教改革的契机和对基督教经典的“回归原典”的宗教伦理层面。重点介绍伊拉斯谟的基督教人文主义，以及其对宗教腐败的批判，并简要概述其与意大利文艺复兴在关注点上的差异与互补。 通过以上五个维度的深入剖析，本书旨在揭示文艺复兴并非简单的“复古”，而是一场全方位的现代性开端，它确立了西方文明中理性的、以人为本的、注重世俗成就的核心价值体系。

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对于像我这样，主要从事戏剧教育工作的人来说，寻找能够连接经典与前沿的桥梁性著作至关重要。这本书在这方面做得非常出色。它没有仅仅满足于介绍那些已经被载入史册的大师们，而是将笔触延伸到了那些常常被教科书忽略的支流——比如女性主义剧场对权力结构的解构，以及拉丁裔艺术家在西方舞台上如何进行身份政治的表达。作者在阐述这些边缘化声音时，引用了大量的访谈资料，那些艺术家的原话充满了力量和切肤之痛，使得原本抽象的“后殖民理论”或“性别研究”变得鲜活可感。我发现自己可以很自然地将书中的观点融入到我的课堂讨论中，学生们对那些鲜活的个体故事的反应，远比我单纯讲解理论要热烈得多。这本书的价值在于，它不仅告诉我们“发生了什么”，更重要的是，它引导我们思考“为什么会发生”，以及“我们应该如何应对”。它是一份既有历史纵深感，又具现实关怀的深度阅读体验。

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说实话，这本书的装帧和定价让我犹豫了一下，但翻开第一页，那种沉稳的、带有研究气息的排版就让人觉得物有所值。我是一位戏剧评论人，平时最头疼的就是理论书籍读起来晦涩难懂，但这本《当代西方剧场艺术》的叙事节奏掌握得非常好。它不像某些著作那样堆砌术语，而是采用了一种类似“案例研究”的叙事结构。比如，它用一个下午的篇幅详细剖析了彼得·布鲁克对不同文化元素进行杂糅的尝试，从印度神话到非洲口述史，作者清晰地勾勒出布鲁克是如何在消解西方中心主义的同时，建立起一种普世性的剧场语言。这种“拆解—重构”的分析方法，对我撰写当下的剧评非常有启发性，让我能够更精准地指出一部作品在继承与创新上的平衡点。总体感觉，这本书非常扎实，适合作为专业院校的参考教材，或者资深剧迷的案头工具书，它提供了坚实的理论支撑，让你在批评时更有底气。

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这部厚重的《当代西方剧场艺术》简直是打开了我对戏剧界全新世界的一扇窗户，我原本以为对现代戏剧多少有些了解，读了这本书才发现自己知识面的狭隘。书中对二战后欧洲，尤其是法国和德国先锋戏剧的梳理极其细致，像是一份详尽的田野调查报告。作者似乎对阿道夫·阿皮亚的舞台空间理论有着深厚的感情，反复探讨了光线、符号和非写实主义场景如何在打破传统“第四堵墙”的过程中发挥作用。我特别喜欢它对“疏离效应”的深入剖析，不仅仅停留在理论层面，还引用了大量的剧作片段和导演阐述来佐证观点，比如对贝克特《等待戈多》中极简舞台的处理，那种荒诞感和象征意义的交织，被阐释得入木三分。阅读过程中，我常常需要停下来，在脑海中构建那些文字描述的舞台画面，感受那种扑面而来的陌生化冲击力。这本书的学术深度毋庸置疑，但行文又不失一种知识分子的洞察力，它迫使我重新审视那些我习以为常的戏剧观看模式，推荐给所有对戏剧史脉络有兴趣的同行者。

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我本来以为这会是一本枯燥的学术专著，毕竟“当代西方剧场艺术”这个标题听起来就足够严肃。但这本书的妙处在于，它成功地将宏大的理论框架，植入到一个个具体的人物命运和作品细节之中。我尤其欣赏作者在讨论美国剧场的章节里，对后严肃戏剧（Post-dramatic Theatre）的界定时，那种略带批判性的观察视角。它没有一味赞美实验性，而是直面了许多先锋作品在追求形式突破时可能带来的叙事断裂和观众疏离问题，这种平衡的观点让我感到非常受用。阅读过程中，我仿佛跟随作者的脚步，穿梭于纽约的地下排练室和伦敦的皇家宫殿剧院之间，感受着不同地域、不同经济背景下的艺术家们为突围所做的挣扎与探索。作者的文字如同摄影镜头，精准捕捉到每一个转折点上的微妙情绪，让人在理解复杂理论的同时，依旧能感受到艺术家的赤诚与激情，读起来毫不费力，但回味无穷。

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拿到这本书时，我主要抱着找点灵感的态度，毕竟近年来舞台实践越来越趋向碎片化和跨媒介融合，传统的戏剧理论似乎有些滞后。然而，让我惊喜的是，这本书并没有沉溺于对历史名家的回顾，而是将大量的篇幅聚焦于1980年代之后，欧美剧场如何应对大众传媒和后现代思潮的冲击。作者对于“身体剧场”的论述尤其精彩，他将波依斯的影响力与当代舞蹈及肢体剧的结合点分析得鞭辟入里，那种对“在场感”的执着探求，简直就是对数字时代虚假拟像的有力反击。我印象最深的是关于德国导演卡斯帕·哈勒布鲁赫如何运用科技手段重构叙事空间的章节，那种冰冷、精确的机械美学，与剧中人物极度私密的情感冲突形成了强烈的张力，读完后感觉自己的创作思维都被拓宽了不少，不再局限于文本中心主义的窠臼。这本书更像是一份关于剧场未来的路线图，而不是一份简单的回顾录。

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之前为了应对思考题在豆瓣阅读花了18块买的，没看。今天看了，李亦男还钱！又听说李老师现在在德国养病，那也还是没烂到要去海外追债的地步。

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75/100

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很详尽的西方当代剧场教科书。终于不耐烦时被附录里关于“剧场史”教学的文章戳到，历史地讲述历史，是一件基本而必要的事。（然而通过宅在学校读书来学当代剧场也很荒谬啦！迈开腿，去耍啦！

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很好的入门书

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在国内剧本戏剧主流的时候 给大家打开新的视野 可以说是很棒了 由这本书延伸向不同的方向 希望这几年能学到更多