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出版者:上海人美

作者:蒂尔.塞勒

出品人:

页数:394

译者:

出版时间:2006-12

价格:58.00元

装帧:

isbn号码:9787532248872

丛书系列:

图书标签:

• 艺术
• 绘画
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艺术之境：当代绘画的多元探索与技法革新 （约1500字图书简介） 本书并非一部专注于单一媒介或传统素描技巧的训练手册，而是旨在为当代艺术家、设计专业人士以及绘画爱好者提供一个广阔的视野，审视当前艺术语境下，绘画本体如何突破既有的边界，与媒介、观念、技术进行深层次的对话与融合。我们力求呈现的，是一场关于“绘画”概念如何被解构、重塑与延伸的深度考察。 第一部分：观念的转向——绘画在后现代语境下的身份重塑 当代艺术的浪潮已将绘画从其曾经的核心地位推向了一个更加多元、更具批判性的视角。本书首先探讨了绘画的本体论危机与复兴。我们不再将画布视为唯一的载体，而是关注绘画行为本身所承载的意义——它如何记录、批判或赞美我们所处的时代？ 图像的消解与重构： 剖析数字时代信息爆炸对传统视觉符号的影响。从波普艺术对大众图像的挪用，到后现代对“原创性”的质疑，我们深入分析了艺术家如何利用现成品（Found Imagery），通过拼贴、叠印、分解等手法，在画面中建立起新的叙事结构。这要求创作者具备高度的媒介敏感性，理解图像流动的逻辑，而非仅仅停留在物体的描摹上。 时间性与过程美学： 现代绘画愈发强调创作过程的痕迹与时间的介入。我们详细介绍了“过程艺术”（Process Art）对绘画的启示，例如材料的不可控性、颜料的滴溅与流动如何成为作品不可分割的一部分。这与传统要求“精确控制”的素描观念形成鲜明对比，强调的是对偶然性的接纳与引导。 身体、空间与在场感： 探讨大型装置艺术和场地特定艺术（Site-Specific Art）对传统二维绘画空间观的挑战。如何通过材料的物理特性（如厚度、纹理、光反射），在二维平面上营造出强烈的三维感知与身体的介入感？这要求创作者超越视觉上的模仿，深入理解空间几何与观众体验的关系。 第二部分：材料的革命——非常规媒介的试验与运用 摒弃对铅笔、炭条的固守，本书将重心放在当代艺术家如何拓展绘画的材料边界，以及这些新材料如何反过来塑造作品的观念内核。 非常规颜料体系的构建： 深入研究了非传统涂料在艺术创作中的应用，如工业树脂、沥青、粉末颜料、甚至有机物（如咖啡、血液替代品）。分析了这些材料在干燥时间、附着力、以及长期稳定性上的挑战，以及艺术家如何利用它们的化学特性实现独特的视觉效果。例如，探讨了热敏材料在绘画中引入“时间变化”的实验。 混合媒介的策略性整合： 混合媒介不再是简单的材料堆砌，而是有目的的策略选择。我们详细分类了不同材料组合的逻辑：结构性支撑（如将金属网格或木材嵌入画面）、光效性介入（如使用反光材料或荧光颜料）、以及声音/触觉的暗示（如通过粗粝的表面质感引发听觉或触觉联想）。 数字化介入与“后绘画”材料： 分析了数字打印技术、投影映射（Projection Mapping）如何与传统油画或丙烯表面进行叠加。研究了艺术家如何利用高精度打印的图像作为基础，再用传统笔触进行“修正”或“破坏”，以此探讨模拟与真实的界限。 第三部分：跨界对话——绘画在设计、叙事与互动中的新角色 当代绘画的疆域已延伸至多个应用领域，本书着重考察绘画语言如何成为复杂叙事和互动体验的一部分。 叙事图景的构建： 探讨当代插画、概念艺术与严肃绘画之间的张力。分析艺术家如何利用非线性叙事（Non-linear Narrative）的绘画手法，构建出多层次、需要观众主动“解码”的视觉故事。这要求创作者精通场景设计（Environmental Storytelling）的原理。 从平面到虚拟空间： 考察了绘画元素在虚拟现实（VR）和增强现实（AR）环境中的应用。如何将二维的构图原则转化为三维空间中的引导线索？探讨了绘画的笔触和色彩如何在沉浸式体验中与观众的移动路径产生关联。 纹理与触觉的语言学： 强调触觉在当代视觉艺术中的回归。通过对雕塑性绘画（Impasto）、浮雕效果的深入研究，指导读者理解如何通过材料的厚度、颗粒度来传达情感重量，使画面不仅仅是“被观看”，更是“被感知”。 本书旨在引导读者跳出传统技法训练的框架，进入一个更具思辨性、实验性和跨学科视野的创作领域。它提供的不是标准答案，而是思考的工具和广阔的参照系，鼓励创作者基于自身的观念和时代背景，重新定义“绘画”的边界与可能性。

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坦白说，我一开始拿到《当代素描新概念训练教程》这本书，是抱着一种探索的心态，因为我之前对“新概念”这种说法有些模糊。但随着阅读的深入，我发现这不仅仅是一本普通的素描教程，它更像是一本关于如何“重新思考”素描的书。作者并没有回避素描在当代艺术语境下的挑战和变化，而是积极地将其与新的创作理念相结合。我特别欣赏书中关于“意念图式”和“情感表达”的章节，它打破了我之前对素描仅仅是“客观记录”的认知，让我意识到，即使是寥寥数笔，也能够蕴含丰富的情感和个人化的表达。书中的案例选取非常大胆，包括一些装置艺术、行为艺术中的速写元素，甚至是一些实验性的视觉记录方式，这让我看到了素描的无限可能性。我发现自己不再仅仅关注对象的形体，而是开始思考如何通过笔触、线条的节奏和力度来传达我的感受。这种转变让我觉得，我的素描创作变得更加有趣和有意义了。它鼓励我去尝试不同的材料和工具，去打破固有的思维模式，去拥抱那些不完美的、具有个人风格的痕迹。

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这本书的到来，彻底改变了我对传统素描训练的看法。过去，我总觉得素描就是枯燥的线条和明暗关系，是对物体精准的模仿。但《当代的素描：从概念到实践》这本书，却向我展示了一个完全不同的维度——素描可以是一种思考工具，一种概念的表达方式。作者并没有提供死板的套路，而是通过一系列引人入胜的案例和思考题，引导读者去发掘速写在当代艺术创作中的潜能。我特别喜欢书中关于“情境速写”和“动态捕捉”的探讨，它让我明白，速写不仅仅是停留在纸上的静态画面，更是对瞬间的感知和对环境的理解。我开始尝试在日常生活中，用更开放的心态去观察和记录，不再纠结于每一个细节的完美，而是注重捕捉事物的本质和氛围。书中对不同视角、不同构图的处理方式也有非常独到的见解，让我学会了如何在看似杂乱的场景中找到视觉的重点，并且用简洁的语言将其呈现出来。这本书的价值在于，它不仅仅教授绘画技巧，更重要的是，它点燃了我对艺术创作的热情，让我看到了素描背后更深层的意义。

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这本《当下的速写，不止于勾勒》读起来有一种奇妙的体验，仿佛是和一位经验丰富的艺术家进行了一场私密的对话。我一直对速写抱有好感，觉得它是一种直观而充满生命力的绘画方式，但总觉得自己的作品缺乏一种“味道”，不够生动，或者说，不够“当代”。这本书恰恰抓住了我这种困惑，它并没有一开始就陷入枯燥的技法讲解，而是从一种更宏观的角度切入，探讨了“什么是当代速写”这个核心问题。作者从不同艺术流派、不同文化背景下速写的演变入手，用大量鲜活的案例，比如街头艺术家的即兴创作、概念艺术家对日常物件的快速捕捉、甚至一些跨媒体艺术家的实验性速写实践，让我看到了速写在今天早已不再局限于传统的素描训练，而是延展到了更广阔的创作领域。书中对于“概念”的解读尤其打动我，它不再强调单纯的形体准确，而是引导我去思考速写背后的意图、情感和思想。我印象最深的是其中关于“随机性”和“不确定性”的讨论，作者鼓励我们拥抱绘画过程中的意外，将错误转化为新的可能性，这对于我这种习惯于小心翼翼描摹的我来说，简直是醍醐灌顶。整本书的阅读体验非常流畅，语言也很有启发性，不是那种冰冷的学术论述，而是充满了艺术家的热情和对创作的理解。

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我之前一直对素描感到一种莫名的畏惧，总觉得自己的手不够稳，眼睛不够准，画出来的东西总是不尽如人意。但《当代的素描：从概念到实践》这本书，就像一位耐心而富有智慧的导师，一步一步地引领我走出了阴影。它并没有上来就讲那些高深的理论，而是从最基础的线条、形体开始，用非常直观和易懂的方式进行讲解。我尤其欣赏书中关于“观察的逻辑”和“表达的语言”的论述，它让我明白，素描不仅仅是技巧的堆砌，更是一种与对象建立联系、并将其转化为视觉语言的过程。书中大量的写生范例，从简单的静物到复杂的场景，都充满了灵动和生气，让我看到了素描的魅力所在。而且，这本书还非常注重引导读者去思考，去尝试，去发展自己的个性化风格。我不再拘泥于画得像不像，而是开始关注如何通过自己的笔触和构图来传达我所感受到的情绪和信息。这种转变让我觉得，素描突然变得有趣起来，我不再是为了完成作业而画，而是真正享受这个创作的过程。

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从一个非常实际的角度来说，我一直以来都在寻找能够系统性地提升我素描能力的教程，毕竟，扎实的基本功是任何创作的基础。而《当代的素描：从概念到实践》这本书，给我的感觉就像是在我漫无目的的探索中，突然出现了一盏指路明灯。它并没有一味地强调“画得像”或者“画得快”，而是非常有条理地拆解了素描的构成要素，并且引入了“概念”这一核心维度，让我明白，即便是在看似写实的描绘中，也需要有清晰的创作意图和想法作为支撑。书中对不同材质、不同光影的处理方法有非常细致的讲解，特别是关于如何捕捉物体体积感和空间感的技巧，真的非常实用。我尤其喜欢它在讲解过程中，不断地引用一些著名画家的作品作为范例，并且深入剖析这些作品的创作思路和表现手法，这让我不仅学到了技巧，更学到了如何“看”。而且，这本书的练习设计也非常合理，从基础的线条练习，到复杂的物体组合，再到场景的速写，层层递进，让我感觉每一步都在稳步提升。最重要的是，它教会了我如何带着“问题”去画，而不是机械地重复练习。

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比較深入和專業的素描教材，不太適合初學者。

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导师推荐的！很棒的书！

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比較深入和專業的素描教材，不太適合初學者。