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出版者:Westview

作者:Norma Broude

出品人:

页数:358

译者:

出版时间:1982-8-11

价格:USD 54.00

装帧:Paperback

isbn号码:9780064301176

丛书系列:

图书标签:

• feminism
• 艺术
• 艺术史
• 女权
• 女性主义
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• 文艺复兴
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《艺术史中的女性力量：打破凝视，重塑叙事》 《艺术史中的女性力量：打破凝视，重塑叙事》并非一本直接探讨“女权主义与艺术史”这一学科名称的书籍。相反，它是一部深刻剖析艺术史叙事中长期被忽视、被边缘化或被误读的女性经验的力作。本书不执着于界定“女权主义艺术史”的边界，而是以一种更为广阔、更具包容性的视角，深入挖掘艺术史长河中女性作为创作者、缪斯、赞助人、鉴赏者以及被描绘者的多元身份，揭示她们如何以各种方式影响、塑造乃至颠覆了艺术的进程。 本书的出发点，是对长期以来占据艺术史话语主流的、以男性为中心的视角进行审视和挑战。长久以来，艺术史的叙事模式，无论是史料的筛选、艺术家的选择，还是作品的解读，都深受特定历史时期社会性别观念的影响。许多杰出的女性艺术家，她们的作品因性别而未能获得应有的认可；许多反映女性真实生活和内心世界的艺术，被视为“次要”或“装饰性”的存在。而女性在艺术史中，更多时候是以被动的、被凝视的客体身份出现，她们的身体、情感和经历，往往被男性艺术家用以构建自身的话语体系和审美理想。 《艺术史中的女性力量》正是要打破这种单一的、压抑的凝视，重新激活那些被遮蔽的声音和视角。本书的论述，并非简单地将“女性艺术家”从既有的艺术史框架中孤立出来，而是将她们放置于更广阔的历史、社会和文化语境中进行考察。它关注的不仅是那些直接以“女性主义”为旗帜的艺术实践，更是那些在不同时代、不同文化背景下，女性如何运用艺术来表达自我、抵抗压迫、构建身份、分享经验，以及与周遭世界互动的方式。 本书的结构设计，并非按时间或地域的传统线性叙事，而是围绕一系列核心议题展开，这些议题贯穿了艺术史的不同时期和不同文化： 第一部分：重读缪斯与主体——女性的被动与主动 这一部分深入探讨了艺术史中“缪斯”这一概念的复杂性。我们审视了那些被男性艺术家奉为灵感的女性形象，不仅揭示了她们在被描绘过程中所承载的男性视角和权力关系，更重要的是，我们开始挖掘这些“缪斯”自身的能动性。她们是如何在被观看的同时，也成为观看者？她们的身体与情感，如何在艺术作品中被转化为符号，又如何反过来影响着艺术家的创作冲动和作品的解读？本书将不再仅仅停留在对女性被动客体化的批判，而是尝试去理解她们在艺术生产和意义生成过程中的参与和协商，甚至是在有限空间内的反抗。 我们将重新审视那些为男性艺术家提供灵感的女性肖像，例如文艺复兴时期那些被赋予神圣光环的圣母玛利亚，或是巴洛克时期那些被描绘成性感尤物的神话女性。本书会超越单纯的“美”或“性感”的解读，去探寻这些形象背后所折射出的社会对女性的期待、压抑以及女性自身可能存在的复杂情感。同时，我们也会关注那些在创作中扮演了更为主动角色的女性，她们可能是艺术家身边的亲友，甚至是与艺术家一同工作、共同构思的合作者。 第二部分：遮蔽的光芒——女性艺术家的探索与实践 在这一部分，本书将大量篇幅用于呈现那些在主流艺术史中被忽视或低估的女性艺术家及其作品。我们不再满足于仅仅提及几位“例外”，而是致力于构建一部更为完整的女性艺术家谱系。这包括不同时代、不同地域的女性艺术家，从早期默默无闻的工匠、修女，到文艺复兴时期的少数职业女画家，再到19世纪和20世纪涌现出的众多充满创造力的女性艺术家。 本书将详细考察这些女性艺术家所面临的独特挑战：缺乏接受正规艺术教育的机会，难以进入男性主导的画廊和沙龙，以及社会对其“女性身份”与“艺术事业”之间关系的质疑。然而，正是在这样的限制中，女性艺术家发展出了独特的创作策略和艺术语言。她们可能会选择女性更为熟悉的题材，如家庭生活、儿童、闺阁场景，但她们的描绘往往蕴含着对这些题材更深层次的洞察和情感表达。她们也可能通过模仿、借鉴甚至挪用男性艺术家的风格，来巧妙地确立自己的艺术地位。 更重要的是，本书将深入分析她们作品的艺术价值，揭示她们在技法、构图、色彩运用以及对主题的创新性处理上所取得的成就。我们将会看到，这些女性艺术家的作品不仅具有独立的艺术魅力，而且在艺术史的发展进程中扮演了不可或缺的角色，她们以自己的方式丰富了艺术的表现力，拓展了艺术的边界。 第三部分：艺术之外的权力——赞助人、收藏家与评论家中的女性 艺术史的建构，不仅仅依赖于艺术家本身，还与社会中的权力结构息息相关，其中赞助人、收藏家和评论家扮演着至关重要的角色。本书将目光投向这些被视为“幕后”的女性，揭示她们在艺术生态系统中的影响力。 我们将考察那些在不同历史时期，通过财富、婚姻或社会地位，成为艺术赞助人的女性。她们如何支持特定的艺术家，影响艺术品的生产方向？她们的收藏偏好，又如何塑造了艺术史的审美倾向？本书将挖掘这些女性背后隐藏的动机、品味和权力运作。 同时，我们也关注那些作为艺术评论家、策展人或艺术机构领导者的女性。在女性进入这些领域相对较晚的背景下，她们如何挑战既有的批评标准，为女性艺术发声，并逐渐改变艺术评论和展览的格局？本书将呈现她们在理论构建、展览策划和艺术推广中的努力，以及她们如何通过自己的专业知识和话语权，来重塑艺术史的认知。 第四部分：身体、身份与抵抗——女性形象的再审视 艺术史中对女性身体的描绘，是一个充满争议和复杂性的议题。本书将从多个维度对这一现象进行深入的剖析。我们不再简单地将女性身体视为被观看的对象，而是将其视为一个多层次的、充满意义的载体。 我们将审视那些被男性艺术家描绘的女性身体，探究其中所折射出的社会性别规范、性观念以及权力关系。同时，本书也会关注那些女性艺术家如何描绘自己的身体，以及如何通过描绘女性身体来表达自我认同、性取向、身体自主权以及对社会压迫的反抗。 这一部分还将探讨女性身体在不同文化背景下的多样性表达，以及艺术如何成为女性探索和定义自身身份的重要途径。我们会看到，艺术不仅能反映女性所处的社会环境，更能成为她们进行自我赋权和身份建构的有力工具。 第五部分：跨越边界与对话——全球视野下的女性艺术实践 《艺术史中的女性力量》力求打破以西方艺术史为主流的局限，将视野拓展至全球。本书将关注非西方文化背景下的女性艺术实践，探讨不同文化如何理解和呈现女性的经验。 我们将审视亚洲、非洲、拉丁美洲等地区的女性艺术家，她们的作品可能受到当地传统、宗教、政治和社会因素的影响，但同样充满了创造力和对自身处境的深刻反思。本书将尝试建立不同文化背景下女性艺术之间的对话，揭示她们在性别、身份、殖民主义、全球化等议题上的共通之处和独特之处。 通过这种跨文化、跨地域的比较研究，本书旨在构建一个更为多元、更为包容的艺术史叙事，让更多被遮蔽的女性声音得以被听到，让更多被忽视的艺术实践得以被看见。 结语：重塑艺术史的未来 《艺术史中的女性力量：打破凝视，重塑叙事》的最终目的，是邀请读者一同参与到重塑艺术史叙事的进程中。本书并非要提供一套新的、绝对的真理，而是希望能够引发更多的思考、更多的讨论和更多的研究。 它鼓励我们以一种更加批判性的眼光去审视现有的艺术史著作，去质疑那些看似理所当然的论断，去发掘那些被遗漏的细节。它倡导我们重新关注那些沉默的艺术家，重新解读那些被误读的作品，从而构建一个更加公正、更加全面、更加贴近真实历史的艺术史。 这本书，献给所有对艺术充满热情、对历史抱有好奇，并渴望看到一个更加包容和多元的世界的人们。它是一次关于艺术史的再发现之旅，一次关于女性力量的深刻致敬。

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不得不提的是，本书在叙事节奏和论证结构上展现出一种令人印象深刻的、近乎音乐般的韵律感。它不是那种平铺直叙、按时间顺序排列的教科书式论述，而是采用了主题式、跳跃式的结构，仿佛是在一个巨大的理论迷宫中穿梭。每一章看似独立，但又通过微妙的理论线索相互呼应，最终汇聚成一个宏大的批判性景观。我特别欣赏作者在引言和结论中那种近乎散文诗般的语言风格，它在高度严谨的学术分析间隙，穿插了极富个人情感色彩的反思，这使得整本书在学术的冷峻之余，多了一份人性的温度和紧迫感。这种风格的切换运用得非常高明，它提醒着读者，艺术史的批判绝非纯粹的智力游戏，而是根植于对当下不公现状的深刻关怀。阅读过程中，我仿佛置身于一位技艺精湛的指挥家执掌的乐队中，时而激昂高亢，时而低回婉转，使得原本枯燥的理论推导过程也充满了戏剧张力。

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这本书带给我最大的挑战，在于它要求我必须不断地自我否定和重构认知框架。它不是在“补充”艺术史中缺失的女性名字，而是在“颠覆”艺术史赖以存在的哲学基础——即关于天才、原创性、以及历史必然性的那些既有假设。作者对“女性创作”与“男性创作”的二元对立进行了极其尖锐的解构，指出即便是在女性主义运动高涨的特定时期，女性艺术家也常常被迫在男性定义的“场域”内进行创作和被评价，从而陷入一种“被赞许的例外”的困境。这种对“解放”本身也进行批判性审视的做法，体现了极高的理论成熟度。读完之后，我发现自己对于任何声称“中立”或“客观”的艺术史陈述都保持了一种本能的警惕。这本书迫使我成为一个更加苛刻和清醒的图像消费者与历史解读人，它提供的不是现成的答案，而是更锋利、更深入的提问，其影响将远远超出艺术史本身，渗透到我对权力、身份构建等所有社会现象的理解之中。

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坦白讲，这本书的阅读体验是相当“硬核”的，它要求读者不仅要有一定的艺术史背景知识，还要对后结构主义和酷儿理论的某些基础概念有所涉猎，否则很容易在深邃的术语迷宫中迷失方向。它不是那种轻松愉快的下午茶读物，更像是一次艰苦的智力攀登。我特别关注了其中关于“凝视”（The Gaze）理论在当代装置艺术评论中的应用章节，作者并未满足于将“男性凝视”作为一个既定标签来使用，而是探讨了在后殖民语境下，屏幕技术如何重塑了观看的主体与客体之间的权力关系，这部分内容的理论推演之复杂，使得我不得不反复查阅参考资料以确保理解无误。书中对“非西方”女性艺术家作品的案例选取，也体现出一种极具批判性的平衡感，避免了将非西方艺术简单地浪漫化或异域化，而是将其纳入到全球资本主义和文化霸权的复杂交织之中进行审视。总体而言，这本书的文字密度极高，逻辑链条环环相扣，对于渴望进行学术深耕的读者来说，它提供了一个极具挑战性和启发性的理论工具箱，但对于初涉此领域的读者，可能需要做好打持久战的心理准备。

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这本《女性主义与艺术史》无疑是一次思想的洗礼，它没有给我提供那些老生常谈的、人云亦云的理论框架，而是以一种近乎挑衅的姿态，将我带入了一个我原以为已经非常熟悉的领域——艺术史，但现在看来，我所认识的那个艺术史是何等的不完整。书中对传统艺术史叙事中“缺席”的女性形象的剖析，细腻得令人心惊。作者似乎不满足于仅仅指出“谁被遗忘了”，而是深入挖掘了这种遗忘是如何通过图像学、机构权力结构乃至观众的凝视机制被系统性建构起来的。例如，书中对文艺复兴时期肖像画中“理想化女性”的解读，不再停留在美学层面，而是将其置于父权社会对女性身体和内在性的意识形态控制之下，揭示了画布背后隐藏的社会契约。我尤其欣赏作者在论述中展现出的跨学科视野，她巧妙地将女性主义理论的辩证法融入到对具体艺术作品的分析中，使得原本僵硬的历史事实变得鲜活而充满张力。阅读过程中，我多次停下来，回溯自己过去观看艺术作品的经验，那种“恍然大悟”却又伴随着深刻的“被欺骗感”，是这本书带给我最宝贵的礼物。它挑战的不是艺术本身的美感，而是我们如何被训练去感知和评价这种美感。

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这本书最让我感到耳目一新的是它处理“媒介”和“物质性”的方式，完全跳脱了传统艺术史对“大师”和“杰作”的痴迷。作者似乎对那些被主流叙事忽略的、介于艺术与非艺术之间的“边缘材料”抱有特殊的偏爱。例如，她对十九世纪末期女性手工刺绣、拼贴画乃至私人信件中图像叙事的分析，就将这些通常被视为“工艺”或“私人记录”的文本，提升到了与油画同等重要的历史批判层面。这种对物质残片和日常实践的挖掘，极大地拓宽了我对“何为艺术史证据”的定义。书中通过对这些低权力媒介的解读，成功地揭示了社会性别规范是如何被日常生活中微观的、重复性的劳动所固化和抵抗的。这种从“高雅”走向“卑微”的视角转换，不仅修正了艺术史的价值体系，更重要的是，它提供了一种全新的、更具包容性的历史书写范式，让我开始重新审视家中那些被遗忘的旧物，思考它们背后可能蕴含的未被讲述的女性主体经验。

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Artemisia and Susannah, pp. 147-172.

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如何避免女性艺术史研究陷入性别中心主义的窠臼？这似乎是一个无解的问题，但重要的是，阿特米西娅在成为一个女人之前必须先是一个人，苏珊娜也如此

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Artemisia and Susannah, pp. 147-172.

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如何避免女性艺术史研究陷入性别中心主义的窠臼？这似乎是一个无解的问题，但重要的是，阿特米西娅在成为一个女人之前必须先是一个人，苏珊娜也如此