具体描述
电影语言，ISBN：9787106006747，作者：（法）马赛尔·马尔丹
作者简介
目录信息
读后感
题目取自鲁迅先生的某本小书集。某年某月某日，拿着这本入门指导理论，看了半天摸不着头脑，于是抛开书胡思乱想了一通。 看一些入门级实务操作指导的书时最大的疑惑：作者会告诉你这样做可以，当然反过来也可以。反正都有理，这个时候就特别想把书扔了，器材拿过来，先胡乱捯饬...
评分电影一开始就是一门艺术，即使到了工业化和商业化高速发展的今天也不失其艺术性。“电影是一项企业，也是一门艺术。” 拍摄一部电影需要诸方良好的配合，而技术和资本的注入使得电影的商业性意味更为浓厚，这也一定程度上影响了电影的艺术性。所幸电影仍保留着自身的美学意蕴，...
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评分题目取自鲁迅先生的某本小书集。某年某月某日，拿着这本入门指导理论，看了半天摸不着头脑，于是抛开书胡思乱想了一通。 看一些入门级实务操作指导的书时最大的疑惑：作者会告诉你这样做可以，当然反过来也可以。反正都有理，这个时候就特别想把书扔了，器材拿过来，先胡乱捯饬...
用户评价
这本书无疑是我近期阅读中最有价值的一本。我一直认为自己对电影有着相当的了解，能够欣赏到影片的精彩之处，但《电影语言》这本书，彻底颠覆了我过去的认知，为我打开了通往电影艺术更深层殿堂的大门。 作者在书中对“画面构图”的讲解，让我明白了镜头不仅仅是捕捉画面，更是艺术家在画布上的创作。书中详细分析了“黄金分割”、“三分法”、“对称构图”等经典的构图原理，以及它们如何影响观众的视觉引导和情绪体验。我开始回想起《教父》中，科波拉如何利用深邃的背景和人物的相对位置，营造出一种权力、欲望和家族史诗般的宏大感。书中还提到了“负空间”的运用，即画面中的空白区域，它并非是多余的，而是能够通过留白来引导观众的想象，增强画面的表现力。 再者，书中对“光影运用”的细致入微的分析，让我惊叹于光影在电影中的魔力。它不仅仅是照明，更是情绪的渲染，是叙事的工具。书中讲解了“明暗对比法”、“逆光”、“侧光”等不同的打光方式，以及它们各自带来的视觉效果和情感暗示。例如，在黑色电影中，强烈的明暗对比营造出了一种阴森、神秘和危险的氛围，而逆光则能勾勒出人物轮廓，赋予角色一种神秘或超然的气质。我开始重新审视那些以光影著称的电影，它们不再只是视觉上的华丽，而是承载着深刻的叙事信息。 让我尤为着迷的是，书中对“色彩叙事”的解读。作者指出，色彩不仅仅是视觉上的感受，更是一种语言，能够直接触动观众的情感。书中详细讲解了不同色彩的象征意义，以及导演如何通过色彩的搭配和运用，来营造影片的氛围，刻画人物性格，甚至预示情节的发展。例如，在《天使爱美丽》中，那些明亮、饱和的色彩，如红色、黄色、绿色，都充满了童趣和生命力，与主人公乐观、积极的性格相得益彰。而一些影片中，单一的色彩运用，如全黑或全白，则能带来强烈的视觉冲击力和象征意义。 《电影语言》这本书，真正让我体会到了电影作为一门综合艺术的魅力。它不仅仅是关于故事的讲述，更是关于如何通过视觉和听觉的协同作用，来触动观众的情感，引发观众的思考。这本书，让我从一个被动的电影观众，变成了一个能够主动去解读、去品味电影艺术的鉴赏家。我毫无保留地向所有热爱电影，渴望更深入理解电影艺术的读者推荐这本书。
评分这本书带给我的，不仅仅是知识的增长，更是一种全新的观影视角。我一直以为自己对电影的理解已经足够深入，但《电影语言》这本书，就像一把钥匙，为我打开了一扇通往电影艺术更深层理解的殿堂。 作者在书中对“镜头运动”的讲解，让我明白了每一个镜头的移动都不是偶然的。无论是缓慢的推轨镜头，还是快速的摇镜头，亦或是令人晕眩的旋转镜头，它们都承载着导演想要传达的特定信息和情绪。书中详细分析了“固定镜头”和“运动镜头”各自的特点和运用场景。我开始回想起《鸟人》中，导演亚利桑德罗·冈萨雷斯·伊纳里图为了营造一种舞台剧般的连贯感和真实感，全程使用了看似一镜到底的技巧，这种大胆的镜头运用，不仅挑战了技术，更深刻地塑造了影片的戏剧张力和人物的内心状态。 再者，书中对“剪辑技巧”的阐述，让我意识到剪辑不仅仅是将画面连接起来，更是影片的“呼吸”和“心跳”。我以前对“跳切”、“叠化”、“淡入淡出”这些术语只是模糊的印象，但读完这本书，我才真正理解它们在叙事和情感表达上的巨大作用。书中以《低俗小说》为例，分析了昆汀·塔伦蒂诺如何运用非线性的剪辑方式，将多个看似无关的故事线索巧妙地串联起来，制造出一种独特的叙事节奏和戏剧张力。这种对剪辑艺术的深入解读，让我对那些看似“随意”的剪辑，有了全新的认识，它们背后往往蕴含着导演深思熟虑的艺术考量。 让我尤为惊叹的是，书中对“声音设计”的讲解。我以前很少关注电影里的声音，总觉得有台词和背景音乐就够了。但《电影语言》让我明白，声音是电影的另一双眼睛，它能够直接触达观众的情绪。书中细致地分析了“拟音”、“音效”、“配乐”和“人声”的运用，以及它们如何共同营造出影片的氛围和信息。例如，在《拯救大兵瑞恩》开头的诺曼底登陆场景中，那些逼真的枪炮声、爆炸声，以及士兵的嘶吼声，营造出了一种令人窒息的真实感和战争的残酷性。书中还提到了“画外音”的运用，有时一句简单的画外音，比角色的对白更能揭示人物的内心世界。 《电影语言》这本书，不仅仅是一本理论书籍，更是一本能够实际指导我观影的“指南”。它让我不再是那个只会欣赏电影表面情节的观众，而是能够开始深入地分析电影的每一个细节，去体会导演的匠心独运。这本书，让我对电影艺术的理解，上升到了一个全新的维度。我毫不犹豫地向所有热爱电影，希望能够更深入地理解电影艺术的读者推荐这本书。
评分这本书，对于我这个曾经的“电影小白”来说，简直是醍醐灌顶一般的存在。我一直以为看电影只是单纯的消遣，但《电影语言》这本书，却为我揭示了电影艺术背后隐藏的深邃世界，让我看到了一个完全不同的电影景象。 作者在书中对“镜头调度”的讲解，让我明白了镜头的运动远不止于记录画面，它本身就是一种强大的叙事工具。书中详细分析了“推、拉、摇、移、跟”等各种镜头运动方式，以及它们如何影响观众的情绪和对空间的感知。例如，一个缓慢的推镜头，能够逐渐拉近观众与人物的距离，营造出一种亲切感或压迫感；而一个快速的摇镜头，则能迅速切换场景，传递出一种混乱或紧张的感觉。我开始回想起《盗梦空间》中，诺兰如何运用复杂的镜头运动，来表现梦境中空间的扭曲和时间的错乱，这种沉浸式的观影体验，正是镜头语言的魅力所在。 再者，书中对“剪辑的节奏”的细致入微的分析，让我意识到剪辑不仅仅是画面的连接，更是影片的“呼吸”和“心跳”。书中详细讲解了“平行蒙太奇”、“交叉蒙太奇”、“跳切”等不同的剪辑技巧，以及它们在叙事和情感表达上的巨大作用。例如，在《教父》中，科波拉将迈克尔在教堂接受洗礼的场景与他手下在外面执行屠杀任务的场景进行交叉剪辑，这种强烈的对比，不仅制造了巨大的戏剧冲突，更深刻地揭示了人物内心的矛盾与蜕变。这种对剪辑艺术的深入解读，让我对影片的叙事结构和情感张力有了更深刻的理解。 让我尤为惊叹的是，书中对“声音的语言”的讲解。我以前很少关注电影里的声音，觉得只要有台词和背景音乐就足够了。但《电影语言》让我明白，声音是构成电影不可或缺的一部分，它能够直接触动观众的情感，营造氛围，甚至推动叙事。书中详细分析了“音效设计”、“配乐”、“音景”的运用，以及它们如何与画面相互配合，共同构建影片的整体感受。例如，在《拯救大兵瑞恩》开头的诺曼底登陆场景中，那些逼真的枪炮声、爆炸声，以及士兵的嘶吼声，营造出了一种令人窒息的真实感和战争的残酷性。 《电影语言》这本书，真正让我看到了电影艺术的无限魅力。它不仅仅是关于故事的讲述，更是关于如何通过视觉和听觉的协同作用，来触动观众的情感，引发观众的思考。这本书，让我从一个被动的观影者，变成了一个主动的“电影解读师”。我毫不犹豫地向所有希望能够更深入地欣赏电影，更全面地理解电影艺术的读者推荐这本书。
评分这本书就像一颗璀璨的明珠，照亮了我对电影艺术的理解之路。我一直以来对电影都怀有一种纯粹的热爱，但总觉得在欣赏层面，自己似乎总是隔着一层纱。《电影语言》这本书，就像一阵清风，将那层纱吹散，让我看到了电影背后更为深邃的灵魂。 作者在书中对于“人物塑造”的讲解，让我明白了仅仅依靠演员的表演是远远不够的。角色的性格、动机、成长，都需要通过镜头语言、剪辑节奏、甚至是场景的布置来共同完成。书中分析了“性格化镜头”和“情感化镜头”的区别，以及它们如何潜移默化地影响观众对角色的认知。我开始回想起《肖申克的救赎》中，安迪在监狱中默默承受冤屈，但导演用大量阴影和压抑的镜头语言，以及他一次次在雨中凝望自由的画面，都深刻地刻画了他内心的坚韧与不屈。书里还提到了“角色弧光”的设计，一个引人入胜的角色，必定有一个清晰的成长或转变过程，而电影语言正是实现这一转变的关键。 让我尤为印象深刻的是，书中对“色彩语言”的深度剖析。我以前只觉得电影中的色彩只是为了好看，但《电影语言》告诉我，色彩是情绪的载体，是叙事的符号。例如，在《辛德勒的名单》中，影片大部分采用黑白画面，但在关键时刻出现的那个红色小女孩的外套，却瞬间打破了画面的沉寂，成为了影片中最令人心碎的象征。作者详细讲解了不同颜色在不同文化语境下的象征意义，以及导演如何运用色彩的搭配和对比，来烘托影片的主题和人物的情感。这种对色彩的精妙运用，让我开始重新审视那些色彩鲜明的电影，它们不再是简单的视觉享受，而是承载着更深层信息的符号。 书中对“空间感”的营造也让我大开眼界。电影画面中的空间，不仅仅是场景的展示，更是情绪的延伸。作者分析了如何通过“景深”、“透视”以及“镜头角度”来制造出空间的层次感和距离感。例如，在一些惊悚片中，导演会故意利用狭窄的空间和压迫性的镜头角度，来营造一种窒息感和不安感，让观众仿佛置身于危险之中。而开阔的空间和稳定的镜头，则可能带来一种舒缓和放松的氛围。这种对空间语言的运用，让我对那些营造出沉浸感和代入感的电影有了更深刻的理解。 《电影语言》这本书，让我从一个被动的观影者，变成了一个主动的“电影解读师”。我不再仅仅是被电影的故事所吸引，而是开始去探究它背后的艺术表达和情感传达。这本书，让我看到了电影语言的无限可能性，也让我对电影艺术的敬畏之心油然而生。我真心推荐这本书给所有希望能够更深层次地欣赏电影，更全面地理解电影的朋友。
评分这本书是一次让我“重塑”观影体验的阅读。我一直以为自己对电影的理解已经到达了一个不错的层次，能够品味出导演的巧思，但《电影语言》这本书，却像一位经验丰富的向导，带我走进了电影艺术更深邃的领域，让我看到了之前从未察觉的精妙之处。 作者在书中对“镜头角度”的讲解，让我明白每一个镜头的高度和角度，都蕴含着导演想要传达的权力关系和心理暗示。书中详细分析了“仰视”、“俯视”、“平视”等不同视角所带来的视觉效果和心理感受。例如，仰视镜头能够将人物显得高大、权威，而俯视镜头则能将人物显得渺小、无助。我开始回想起《教父》中，科波拉如何巧妙地运用仰视镜头来展现家族首领的威严，以及如何用俯视镜头来暗示某些人物的卑微和无力。这种对视角语言的精准运用，让我对电影中的人物关系有了更深刻的理解。 再者，书中对“景深”的运用分析，让我明白了画面不仅仅是平面的，更是具有空间纵深的。景深的运用，能够将观众的注意力引导到特定的焦点上，同时也能在背景中隐藏一些信息，从而增强画面的信息量和艺术表现力。书中以《公民凯恩》为例，讲解了奥逊·威尔斯如何利用深景深镜头，将前景、中景、远景中的人物和事件同时呈现，从而营造出一种宏大、复杂而充满历史感的叙事空间。这种对景深艺术的深入解读，让我开始意识到，电影画面中的每一个细节，都可能隐藏着导演的深意。 让我尤为着迷的是，书中对“叙事节奏”的精妙剖析。它不仅仅是关于剪辑的快慢，更是关于情节的推进、情绪的起伏以及信息量的释放。书中讲解了如何通过“快节奏”来制造紧张感和刺激感，如何通过“慢节奏”来营造沉思和抒情。例如，在《低俗小说》中，昆汀·塔伦蒂诺巧妙地打破了传统的时间线索，将故事碎片化，并通过看似漫无目的的对话来拖延叙事节奏，这种独特的节奏感，正是影片极具魅力的原因之一。书中还提到了“留白”的作用，它能够给观众留下想象的空间，使影片更具回味。 《电影语言》这本书，让我从一个被动的电影观众，进化成了一个能够主动思考、主动解读的“电影鉴赏家”。它让我看到了电影艺术的无限魅力，也让我对电影背后的创作团队充满了敬意。我真诚地向所有希望能够更深入地欣赏电影，更全面地理解电影艺术的读者推荐这本书。
评分这本书无疑是我近期阅读中最具启发性的一本书籍。我一直认为自己是个电影爱好者，但阅读《电影语言》之后，我才意识到自己过去的观影经历，充其量只能算是一场“被动接受”的娱乐。这本书，则教会了我如何“主动地去解读”电影，如何透过表面的影像，去洞悉导演和编剧的深层意图。 作者在书中对“叙事结构”的分析，让我对故事的讲述方式有了全新的理解。我一直以为电影的叙事就是线性进行的，但书中讲解的“非线性叙事”、“插叙”、“倒叙”以及“多线索并行”等手法，让我看到了电影在时间维度上的无限可能性。例如，在《记忆碎片》中，克里斯托弗·诺兰巧妙地运用了倒叙和顺叙两种叙事线索交织进行，并辅以碎片化的画面呈现，完美地模拟了主人公的失忆状态，让观众也一同陷入了寻找真相的迷宫。书中对“开头”和“结尾”的解读也十分精辟，一个引人入胜的开头能够迅速抓住观众的注意力，而一个发人深省的结尾则能让影片的余韵久久不散。 更让我着迷的是，书中对于“象征意义”的探讨。作者指出，电影中的每一个道具、每一个场景，甚至每一个颜色，都可能被赋予特殊的象征意义，它们共同构建起影片的深层内涵。例如，在《阿甘正传》中，那根随风飘动的羽毛，不仅仅是一个简单的道具，更是象征着命运的无常和人生的不可预测性。作者详细分析了电影中如何通过“隐喻”和“象征”来传达更复杂的哲学思考和情感主题，这让我意识到，那些看似简单的情节，背后可能蕴含着作者深远的用意。 书中对“节奏”的把控分析，也让我惊叹不已。它不仅仅是指剪辑的快慢，更包含了情节的推进、情感的起伏以及氛围的营造。快节奏的剪辑能够制造紧张感和刺激感，而慢节奏的镜头则能让观众有更多的时间去体会人物的情感和环境的氛围。我突然想起《低俗小说》中，昆汀·塔伦蒂诺那种独特的叙事节奏，他会在看似漫无目的的对话中穿插一些意想不到的情节，这种“松弛有度”的节奏感，正是他影片魅力的重要组成部分。书中还讲解了如何通过“留白”来制造悬念和激发观众的想象力，这种“不把话说满”的艺术手法，恰恰是电影语言的高级之处。 《电影语言》这本书，更像是一本“电影解码器”，它赋予了我解读电影的“钥匙”。我不再是那个只能被动欣赏电影的普通观众，而是能够开始主动地去分析、去思考、去感受。每一部电影，在我眼中都变成了一个充满奥秘的宝藏，等待我去发掘。我开始主动去寻找那些被誉为“大师之作”的电影，去学习它们是如何运用电影语言来表达思想和情感。这本书，真的让我对电影的热爱，上升到了一个前所未有的高度。我强烈推荐这本书给每一个想要真正“看懂”电影的人。
评分这本书简直太棒了，让我彻底改变了对电影的看法！我一直以为看电影就是打发时间，但读了《电影语言》之后，我才意识到电影原来是一门如此博大精深的艺术，蕴含着如此丰富的表达方式。作者以极其专业又通俗易懂的语言，为我揭示了电影“如何说话”的秘密。从镜头语言的调度，到剪辑的节奏，再到声音的运用，每一个细节都被拆解得淋漓尽致。我以前只关注剧情和演员的表演，现在我学会了去观察光影的流转，去体会蒙太奇的魔力，去感受配乐如何烘托情绪。 比如，书中关于“视线”的分析，让我恍然大悟。原来，镜头看向哪里，观众的目光就会被引导到哪里；人物的眼神交流，不仅仅是情感的传递，更是叙事的驱动力。我突然想起《公民凯恩》里，查尔斯·福斯特·凯恩临死前手中握着的“玫瑰花蕾”特写，那不仅仅是一个道具，更是导演威尔斯利用镜头语言，为观众留下的一个巨大的悬念和解读空间。书里还详细讲解了“空镜头”的作用，什么时候留白更能激发观众的想象，什么时候画面填满反而会显得冗余。这让我对那些看似“无聊”的空镜头有了全新的认识，它们不是多余，而是艺术的一部分，是导演给予观众的呼吸空间。 再比如，剪辑的运用。我以前只觉得剪辑就是把画面连起来，但《电影语言》让我明白，剪辑的快慢、长短、顺序，都能极大地影响观众的情绪和对时间的感知。书中提到的“交叉剪辑”和“平行蒙太奇”，我以前只是模糊地知道，但读完之后，我才真正理解它们是如何在《教父》中同时展现迈克尔·柯里昂在教堂接受洗礼和他的手下在外面屠杀对手的场景，那种强烈的戏剧冲突和道德拷问，就是剪辑的功劳。书中还讲到了“跳切”这种打破常规的剪辑方式，它能在特定情境下制造出一种不安、疏离或者惊悚的效果。我开始回想起很多电影中的一些片段，原来那些看似粗糙的剪辑，背后都有导演深思熟虑的设计。 不得不提的是，书中关于“色彩”和“光影”的讲解，简直是打开了新世界的大门。我以前只觉得色彩鲜艳的电影好看，但《电影语言》告诉我，色彩的运用是如此富有象征意义。比如，红色可以代表激情、危险，蓝色可以代表忧郁、冷静。而光影的运用，更是直接影响到画面的氛围和人物的塑造。那些运用了“明暗对比法”的电影，例如黑色电影，光线只能照亮人物的一小部分脸，剩下的隐匿在黑暗中，这种处理方式本身就充满了神秘感和压迫感。书中举了很多例子，让我对画面构图、景深、焦距这些概念有了更直观的理解。我开始主动去观察电影中的每一个画面，去品味导演如何利用光影和色彩来“绘画”。 除了视觉元素，书中对“声音”的分析也让我耳目一新。我之前很少关注电影里的声音，觉得只要有台词和背景音乐就够了。但《电影语言》让我认识到，声音不仅仅是为画面服务的，它本身就可以成为一种叙事手段。比如，书中提到的“音效设计”，那些看似微不足道的水滴声、脚步声，都能极大地增强电影的真实感和沉浸感。而“画外音”，有时候比人物的对白更能揭示人物的内心世界。更让我惊叹的是，“静默”的力量。有时候，恰到好处的沉默，比任何声音都更能传达情感的张力。我开始回想《肖申克的救赎》里，安迪在雨中张开双臂拥抱自由的场景，虽然没有一句台词，但雨声、风声，以及安迪那种无声的呐喊，已经胜过千言万语。 这本书的结构安排也十分合理，从基础的镜头语言讲到复杂的叙事技巧，层层递进，让读者能够循序渐进地掌握电影的奥秘。每一章都配有大量的经典电影片段分析，这些生动的案例让原本抽象的理论变得触手可及。我印象最深刻的是关于“视角”的讨论，不同的镜头视角，比如主观视角、客观视角，甚至是“上帝视角”，都会给观众带来完全不同的观影体验。书里详细分析了《好家伙》中马丁·斯科塞斯如何运用大量的“画外音”和“第四面墙”的打破，让观众仿佛置身于主人公的视角，和他一起经历了人生的起起落落。这种代入感，正是电影语言的魅力所在。 《电影语言》这本书，不仅仅是一本电影理论的入门读物，更是一本能够提升我们鉴赏能力的“秘籍”。我以前看电影，就像是囫囵吞枣，只知道大概的故事，现在我学会了细嚼慢咽，去品味每一个精心设计的细节。读完这本书，我感觉自己仿佛拥有了一双“电影之眼”，能够穿透表面的光鲜，看到隐藏在画面背后的深刻含义。我开始主动去搜集那些被认为是“影史经典”的电影，去对照书中讲到的各种技巧，去分析导演的创作意图。这种“解剖”式的观影体验，让我对电影的热爱，又上升到了一个新的层次。 作者的叙述风格也十分引人入胜，他不是那种枯燥的学院派学者，而是像一个经验丰富的电影导游，带着我们一步步探索电影的世界。他用充满激情的语言，分享他对电影的热爱，也激发了我的好奇心。我记得书中有提到，电影语言的魅力在于它的“可塑性”和“多义性”。同一个镜头，同一个剪辑，在不同的上下文语境下，可能会产生截然不同的解读。这种开放性，让电影成为了一种永不枯竭的艺术宝库。我开始尝试着去寻找电影中那些“留白”和“暗示”，去自己填补故事的空白，去解读导演留下的“彩蛋”。 我特别喜欢书中关于“人物弧光”的分析，一个好的角色，不仅仅是演员的表演，更离不开导演在剧本和镜头语言上的精心设计。角色如何从一开始的状态，经历一系列事件，最终发生改变，这种“成长”或“堕落”，就是人物弧光。书中通过《阿甘正传》等例子，详细解析了如何通过镜头语言、场景切换、甚至是角色的服装变化，来展现人物的内心转变。我以前只觉得阿甘就是一个傻人傻福的故事，现在我才意识到，他的“简单”背后，其实是导演用极其细腻的镜头语言，刻画了一个时代变迁中，普通人的坚韧与善良。 总而言之，《电影语言》这本书，对于任何一个热爱电影，想要更深入理解电影的人来说，都是一本不可或缺的宝典。它不仅仅是教会了我“看”电影，更是教会了我“理解”电影，甚至“感受”电影。我现在再去观看任何一部电影，都会不自觉地去运用书中提到的理论，去分析镜头、剪辑、声音，去体会导演的匠心独运。这种改变，让我觉得我的观影经历变得更加丰富和有意义。我迫不及待地想要向所有对电影感兴趣的朋友推荐这本书，因为它真的会让你看到一个完全不一样的电影世界。
评分这本书的出现，可以说是我在电影鉴赏道路上的一次“顿悟”。我一直认为自己对电影颇有心得，能够辨别出好坏，但《电影语言》这本书，让我意识到自己之前的认知是多么的肤浅。作者就像一位经验丰富的“电影解剖师”，将电影这具“艺术品”从内到外，从骨骼到毛发，一一细致地展示在我们面前。我最开始被吸引的是书中对“镜头调度”的分析。这不仅仅是关于“拍什么”，更是关于“怎么拍”。 书中详细解释了推、拉、摇、移、跟等各种镜头运动所带来的不同心理感受。例如，一个缓慢的推镜头，能够逐渐聚焦于人物的面部表情，传达一种亲密感或压迫感；而一个快速的摇镜头，则能迅速切换场景，制造出一种混乱或紧张的氛围。我突然想起《盗梦空间》中，诺兰为了营造梦境中层层递进的混乱感，频繁运用各种复杂的镜头运动，配合着画面元素的变形，让观众仿佛身临其境地体验着那种空间的扭曲和时间的错乱。书中还区分了“长镜头”和“短镜头”的应用场景，以及它们分别能为影片带来的叙事效率和情感张力。长镜头营造的连贯感和沉浸感，尤其是在一些需要展现人物心理状态或环境氛围的场景中，简直是神来之笔。 再者，书中对于“构图”的深入讲解，让我对电影画面的“美学”有了全新的认识。它不仅仅是简单地将景物摆放在画面里，更是包含着黄金分割、三分法、对称构图等多种视觉引导方式。作者分析了不同构图方式如何影响观众的视线走向，以及如何利用前景、中景、远景的配合，营造出画面的深度和空间感。我突然联想到《低俗小说》中，昆汀·塔伦蒂诺那些充满风格化的构图，人物常常被放置在画面的角落，而中间留有大片的空白，这种构图方式，既显得人物的孤独和边缘化，又在视觉上制造了一种强烈的戏剧张力。书中还提到了“对称构图”和“不对称构图”在不同类型影片中的运用，以及它们如何塑造人物性格和推动情节发展。 此外，关于“景别”和“视角”的讨论，也极大地拓展了我的视野。景别，从全景到特写，每一个景别的选择都有其特定的意义。一个远景可以交代环境，一个近景可以突出细节，而一个特写，则可以将观众的注意力完全集中在人物的情感爆发上。书中对“主观视角”和“客观视角”的区分，以及它们如何影响观众的代入感，也让我受益匪浅。我开始回想起《低俗小说》中，马丁·斯科塞斯如何通过频繁切换不同人物的主观视角，来构建一个多线索、网状的故事结构，让观众从多个角度去理解事件的真相。 《电影语言》这本书，让我明白电影不仅仅是讲故事的媒介，更是一门能够通过视觉和听觉来“绘画”和“作曲”的艺术。作者用大量的实例，将这些抽象的理论具象化，让我能够轻松理解并运用到实际的观影体验中。我不再只是被动地接受电影呈现给我的信息，而是开始主动地去分析、去解读、去挖掘。这本书为我打开了一扇通往电影世界更深层理解的大门，让我能够真正地“读懂”电影。我推荐这本书给所有想要提升自己的电影鉴赏能力，想要领略电影语言独特魅力的读者。
评分这本书就像一本藏宝图，为我揭示了电影艺术隐藏的无数宝藏。我一直热爱电影，但总觉得自己对电影的理解，只是停留在“看热闹”的阶段。《电影语言》这本书，则像一位经验丰富的船长，带领我驶向了电影艺术更广阔、更深邃的海洋。 作者在书中对“镜头角度”的讲解，让我明白了每一个镜头的选择都饱含深意。书中详细分析了“仰视”、“俯视”、“平视”等不同角度所带来的视觉冲击力和心理暗示。例如，仰视镜头可以将人物塑造成神圣、权威的形象，而俯视镜头则能将人物显得渺小、脆弱。我突然想起《蝙蝠侠：黑暗骑士》中，诺兰如何巧妙地运用仰视镜头来展现蝙蝠侠的神秘与力量，以及如何用俯视镜头来烘托小丑的混乱与邪恶。这种对视角语言的深度解析，让我对电影中的人物关系和权力结构有了更清晰的认知。 再者，书中对“色彩语言”的运用进行了一次全面的梳理。我以前只是觉得电影中的色彩好看，但《电影语言》告诉我，色彩是情感的载体，是叙事的符号。书中详细讲解了不同颜色所代表的象征意义，以及导演如何通过色彩的搭配和对比，来营造影片的氛围，刻画人物性格，甚至预示剧情走向。例如，在《阿凡达》中，潘多拉星球那斑斓绚丽的色彩，不仅仅是视觉上的奇观，更是象征着生命、自然和科技的碰撞。书中还提到了“单色调”的运用，它能够带来强烈的视觉风格和象征意义。 让我尤为着迷的是，书中对“叙事节奏”的精妙剖析。它不仅仅是指剪辑的快慢，更是关于情节的推进、情绪的起伏以及信息量的释放。书中讲解了如何通过“快节奏”来制造紧张感和刺激感，如何通过“慢节奏”来营造沉思和抒情。例如，在《低俗小说》中，昆汀·塔伦蒂诺运用了非线性的叙事结构和看似漫无目的的对话，营造出一种独特的叙事节奏，这种“松弛有度”的节奏感，让影片充满了惊喜和回味。书中还提到了“留白”的作用，它能够给观众留下想象的空间，使影片更具艺术张力。 《电影语言》这本书，真正让我看到了电影艺术的无限可能性。它不仅仅是关于故事的讲述，更是关于如何通过视觉和听觉的协同作用，来触动观众的情感，引发观众的思考。这本书，让我从一个被动的观影者，变成了一个主动的“电影解读师”。我毫无保留地向所有希望能够更深入地欣赏电影，更全面地理解电影艺术的读者推荐这本书。
评分这本书是一本让我“相见恨晚”的佳作。我一直对电影抱有浓厚的兴趣，但总感觉自己在欣赏电影的时候，总隔着一层模糊的面纱。《电影语言》这本书，就像一位经验丰富的向导，为我拨开了迷雾，让我看到了电影艺术背后更为宏大和精妙的世界。 作者在书中对“镜头运动”的讲解，让我明白了每一个镜头的移动都不是随意的，而是承载着导演想要传达的特定情感和叙事目的。书中详细分析了“推”、“拉”、“摇”、“移”、“跟”等不同的镜头运动方式，以及它们所带来的心理感受和视觉效果。例如，一个缓慢的推镜头，能够逐渐拉近观众与人物的距离，营造出一种亲近感或压迫感；而一个快速的摇镜头，则能迅速切换场景，传递出一种动荡或混乱的感觉。我开始回想起《盗梦空间》中，诺兰如何运用各种复杂的镜头运动，来模拟梦境中空间和时间的扭曲，让观众仿佛身临其境。 再者，书中对“剪辑的艺术”的阐述，让我意识到剪辑不仅仅是画面的拼接，更是影片的灵魂。书中详细讲解了“平行蒙太奇”、“交叉蒙太奇”、“跳切”等不同的剪辑技巧，以及它们在叙事和情感表达上的巨大作用。例如，在《教父》中，科波拉将迈克尔在教堂接受洗礼的场景与他手下在外面执行屠杀任务的场景进行交叉剪辑，这种强烈的对比，不仅制造了巨大的戏剧冲突，更深刻地揭示了人物内心的矛盾与蜕变。这种对剪辑艺术的深入解读，让我对影片的叙事结构和情感张力有了更深刻的理解。 让我尤为惊叹的是，书中对“声音的语言”的讲解。我以前很少关注电影里的声音，觉得只要有台词和背景音乐就足够了。但《电影语言》让我明白，声音是构成电影不可或缺的一部分，它能够直接触动观众的情感，营造氛围，甚至推动叙事。书中详细分析了“音效设计”、“配乐”、“音景”的运用，以及它们如何与画面相互配合，共同构建影片的整体感受。例如，在《侏罗纪公园》中，那些逼真的恐龙吼叫声，配合着震撼的画面，营造出了一种令人毛骨悚然的真实感和史诗般的震撼。 《电影语言》这本书，真正让我看到了电影作为一门综合艺术的无限魅力。它不仅仅是关于故事的讲述，更是关于如何通过视觉和听觉的协同作用，来触动观众的情感，引发观众的思考。这本书，让我从一个被动的观影者，变成了一个主动的“电影解读师”。我真心推荐这本书给所有热爱电影，希望能够更深入地理解电影艺术的读者。
评分挺好
评分好多例子很经典，要有大量的看片量，尤其是三四十年代电影，才能更好的把握书中的内容
评分太正统，无趣。
评分蒙太奇占统治地位的时期就是“思维派”胜利的时期，而目前对传统语言的摒弃则标志着“感觉派”压倒一切，他们塑造的形象是完全摆脱概念的束缚的。
评分没有附录...
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