中国绘画全集.22，清代.第4卷 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:文物出版社

作者:中国古代书画鉴定组 编

出品人:

页数:208

译者:

出版时间:2000-1

价格:380.00元

装帧:精裝本

isbn号码:9787501011940

丛书系列:中国绘画全集

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中国绘画全集·第十九卷：宋元之际的艺术变革与风格流变 本卷《中国绘画全集·第十九卷》聚焦于中国艺术史上一个至关重要的转折时期——宋代（960-1279）与元代（1271-1368）交替前后的绘画艺术。这一时期，中国绘画经历了从院体的高峰走向士人精神性表达的深刻变革，为后世明清绘画的格局奠定了基础。本卷以宏大的视野和精微的个案分析相结合的方式，系统梳理了这一复杂而辉煌的艺术图景。 第一部分：北宋末年的院体高峰与文人画的勃兴（约1070-1127） 本部分深入探讨了北宋末年，特别是徽宗朝（1100-1126）皇家画院所达到的技术与审美巅峰。 一、徽宗朝的画院制度与院体艺术的集大成： 对“格物致知”的极致追求： 详细考察了宋徽宗亲自主持下的“画学”制度，以及其对“格物致知”理论在绘画实践中的要求。分析了院体画家如何将对自然细致入微的观察转化为具有高度形式美感的作品。 花鸟画的“写生”典范： 重点呈现以赵佶本人、崔白、刘寀为代表的花鸟画家的成就。分析了他们如何超越唐代的富丽堂皇，转向对生命瞬间状态的精准捕捉，如对飞禽动态、花卉凋零之态的细腻刻画，以及在构图上追求的疏密对比与空间经营。 山水画的“界画”与“巨制”： 探讨了以王诳、李成（遗风）为代表的山水画发展脉络，尤其关注界画（使用尺规绘制的建筑或山水）在北宋末期如何服务于宏大叙事的需要。通过分析现存的巨幅山水作品，揭示其对“可游、可居、可观”的理想山水境界的营造。 人物画的“史事”与“写真”： 考察了院体人物画在表现历史题材和肖像方面的世俗化倾向，以及对人物心理状态刻画的深入。 二、苏轼与文人画理论的奠基： “论画”的转向： 详细梳理苏轼关于绘画的理论，特别是他提出“论画以形似，见与儿童邻；论画以神似，见与古人同”的观点，标志着绘画评价标准从技法转向了主观精神与学养的回归。 “墨戏”的初步实践： 探讨了以苏轼、文同（竹）为代表的士大夫阶层，如何将书法的笔墨技法引入绘画，确立了“以书为画”的基本原则，开启了后世水墨写意画的先河。 第二部分：南渡后的格局重塑与画派林立（1127-1279） 靖康之变后，宋室南迁，绘画中心转移至临安，艺术风格也随之发生了显著变化。 一、南宋院体的转型与院外画家的崛起： “意境”的强化： 分析南宋院画家（如李唐、刘松年、马远、夏圭）如何面对北宋遗风的消亡，转而强调情感的抒发和意境的营造。 “一角半边”的构图革命： 深入剖析马远与夏圭的“边角构图法”（或称“留白”法），探讨这种构图如何通过对画面元素的截取和大量空间的虚化处理，增强画面的空灵感和哲理意味，体现了宋人对“未尽之意”的追求。 院外画家的独立性： 考察如梁楷的“减笔”风格，他彻底打破了院体的工整细腻，以高度概括、近乎禅宗顿悟式的笔法，表达对现实的不满与精神的超脱，成为写意画发展的重要节点。 二、民间与地方画派的蓬勃发展： 浙派的孕育： 初步介绍南宋末期在浙江一带出现的、以金大渊等为代表的，承袭院体风格并开始融入民间审美趣味的地域性画风。 界画的世俗化： 观察界画在江南地区，尤其是在建筑、园林题材上的应用，显示出绘画服务于市民阶层生活审美的趋势。 第三部分：元代书画的独立与文人画的成熟（1271-1368） 元代是传统中国绘画史上文人画全面超越院体、确立主导地位的关键时期。 一、元初“遗民”的文化坚守与艺术避世： “不合作”的艺术宣言： 分析元初画家（如赵孟頫、钱选）在异族统治下面临的身份困境。他们的绘画不再是为朝廷服务，而是成为寄托民族情感和知识分子气节的载体。 “复古”思潮的理论构建： 重点研究赵孟頫提出的“作画贵有古意”的主张。阐释他如何强调笔墨的“书写性”，主张回归晋唐，尤其是董源、巨然的笔法，从而为元四家的山水画体系建立了理论基础。 二、元四家的并峙与山水画的“文人化”定型： 本部分是本卷的核心，详细区分了“元四家”各自的艺术道路和风格贡献： 黄公望（“平淡天真”）： 分析其山水画对董源、巨然笔法的继承与发展，尤其注重用笔的“皴法”变化和墨色的渗透，追求“浑厚平淡”的自然意境。 吴镇（“墨戏之极”）： 探讨吴镇将禅宗思想融入山水画的实践，其作品中强烈的象征意义、苍劲的笔法，以及对竹石题材的独特处理，展现了文人画的“拙”趣与傲骨。 倪瓒（“孤高清简”）： 重点剖析倪瓒“折松过江”式的构图特征，极简的笔墨语言，以及对空旷、萧瑟氛围的营造。他的画作被视为文人画中“逸品”的最高典范，是精神洁癖的艺术体现。 王蒙（“繁密幽深”）： 分析王蒙如何集前人之大成，以极其复杂而细密的皴染技巧，构建出层峦叠嶂、烟岚缭绕的“江南山水”，为明初的“院体复兴”埋下伏笔。 三、元代院体人物与花鸟画的别开生面： “院体”的衰落与“士人”的介入： 考察元代官方画院的影响力式微，但仍有如王渊等画家在花鸟画领域延续宋代的工笔传统，并开始融入文人画的写意趣味。 写意花鸟的成熟： 关注滕 কেন্দ等画家，他们将水墨技法广泛应用于花鸟题材，以简练的笔墨表现花卉的生命力和士人的情操，进一步拓宽了写意画的疆域。 结语：宋元绘画对后世的深远影响 本卷最后总结了宋元两代绘画对后世中国艺术的决定性贡献：宋代确立了写实与写意的两极，元代则确立了文人画的主导地位，将绘画彻底从对“物”的描摹，升华为对“心”的表达。本书汇集的摹本、拓本与传世真迹，将直观展现这一复杂而伟大的艺术转型过程。

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最近沉迷于这套《中国绘画全集》中对明代中晚期文人画流派的梳理，感觉就像是走进了一场关于“自我表达”的盛大辩论会。不同于早期院体画那种对格律的严苛遵循，明代画家们对个人性情的释放显得尤为真挚和坦率。我特别喜欢它对吴门画派的侧重分析，那种温润秀雅中蕴含的士大夫的清高与孤傲，被文字和图像结合得淋漓尽致。书中对唐寅几幅山水画的解读，没有把他简单地塑造成一个风流才子，而是深入剖析了他仕途不顺后，借笔墨来排遣郁结的复杂情感。那种“寄情于景，托物言志”的精髓，在书中的论述里变得清晰可见。而且，这本书在引用古代画论时，总能恰到好处地穿插现代艺术理论的视角，使得传统的美学概念更容易被当代人理解和接受，这是一种非常高明的处理方式，体现了编纂者的深厚学养和广阔的视野。读完这部分，我对自己平日里临摹的那些小写意，似乎都有了新的理解和方向，不再是盲目地模仿笔触，而是开始思考笔触背后承载的情感重量。

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这套画集给我最大的感受是“包罗万象”的震撼感，它就像一个巨大的时间隧道，将中国绘画史上的主要流派和代表人物都囊括其中，展现了一种无与伦比的宏大叙事。我平日里对民间艺术和地域画派也颇有兴趣，书中对非主流画派的收录和论述，也展现了编纂团队的广阔视野和学术担当。比如，对清代地方性画派中那些充满烟火气的题材的关注，就显得非常人性化和立体化，避免了将中国绘画史写成一部“精英艺术史”的偏颇。这本书的索引和注释系统也做得非常专业，当你对某个概念或某位画家产生疑问时，总能快速找到深入阅读的线索，极大地提高了研究效率。可以说，它已经超越了一般工具书的范畴，更像是一部精心策划的艺术史纪录片，只是载体变成了纸张和油墨。它让我清晰地看到了中国艺术精神如何随着朝代更迭而不断吸收、转化和重生，这种连续性和生命力，是任何单一的断代史研究都难以比拟的。

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说实话，一开始我以为这套书会是那种枯燥的学术大部头，只有博物馆的研究员才需要。但实际体验远超预期！它对清初“四王”的论述部分，简直是一场关于“继承与超越”的精彩对谈。书中详尽对比了石涛和“四王”在摹古上的不同路径，石涛那种近乎“狂放不羁”的个人面貌，与“四王”那种“集大成”的内敛雅致形成了鲜明的对比。我尤其欣赏编纂者没有简单地进行褒贬，而是客观地分析了在特定历史背景下，不同画家所面临的选择与限制。书中的版式设计也很用心，图文布局疏密有致，既保证了阅读的流畅性，又突出了核心图像的视觉冲击力。我常常是抱着一杯清茶，在傍晚时分，对着那些细腻的设色稿出神，仿佛能穿越时空，与这些跨越了数百年历史的灵魂进行无声的对话。这本书的价值，绝不仅仅是资料的汇编，它更像是一部引人入胜的艺术史叙事诗，将中国绘画的脉络梳理得清晰而富有张力。

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这部鸿篇巨制，光是书名就透着一股庄重肃穆的气息：《中国绘画全集》。我拿到手的时候，那种厚重感和纸张特有的微涩感，简直让人心头一震。我主要关注的是卷帙浩繁的古代艺术史部分，尤其是对宋元时期那些山水画大师的技法解析。这本书的厉害之处在于，它不仅仅是简单地罗列作品图片，而是深入到笔墨的肌理、皴法的演变，甚至能触摸到画家长期的心境变化。比如，对范宽《溪山行旅图》的剖析，不是泛泛而谈其雄伟，而是细致到墨色的层次变化，如何用“雨点皴”来表现北方山石的坚硬与苍茫，那种对细节的把握，简直令人叹为观止。我花了好几个下午，对着那些高清复制品，试图理解古人是如何在有限的宣纸上，构造出无限的宇宙感的。这本书的装帧和印刷质量也绝对是顶级的，色彩还原度极高，仿佛能闻到宣纸上淡淡的松烟味。对于任何想深入研究中国古典美学的同好来说，这套书简直就是一座无法逾越的知识宝库，每一次翻阅都是一次精神的洗礼，让人对“气韵生动”有了更深一层的体会。它让我不再只是一个欣赏者，更像是一个试图解码古老密码的探寻者。

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我是一个痴迷于细节的人，而这套《全集》在细节处理上的考究程度，简直令人咋舌。我最近在研究明代中期的江南文人画派，书中对董其昌的理论体系进行了极为详尽的梳理，尤其是关于“南北宗论”的形成与演变，简直是教科书级别的分析。作者不仅引用了大量一手文献，还用图表清晰地展示了董氏理论如何影响了后世的审美标准。最让我感到震撼的是，书中对一些传世名作的局部放大图的处理，那些墨韵的变化，那些题跋的书法神态，都清晰得仿佛触手可及。这对于我们这些业余爱好者来说，是极其宝贵的学习资源，因为很多真迹在博物馆中往往不能近距离观察这些微妙之处。这本书的学术严谨性毋庸置疑，但它的阅读体验却丝毫不沉闷，反而因为这种对“真”的极致追求，而充满了阅读的乐趣。它让我意识到，欣赏一幅画，远不止于“好看”这么简单，背后是深厚的文化积淀和精妙的技法支撑。

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