中国绘画全集 第29卷 清11 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:文物出版社

作者:中国古代书画鉴定组 编

出品人:

页数:224

译者:

出版时间:2001-1

价格:380.00元

装帧:精裝本

isbn号码:9787501012664

丛书系列:中国绘画全集

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《中国绘画全集》其他卷目内容概述 《中国绘画全集》是一部规模宏大的艺术典籍，旨在系统梳理和展示中国历代绘画的辉煌成就。鉴于您的《第29卷 清11》聚焦于清代晚期（11）的绘画，本概述将详细介绍该全集收录的其他卷目，它们共同构筑了中国绘画史的完整图景。 先秦与秦汉卷： 肇始与奠基 本卷主要收录了中国绘画的滥觞和早期发展阶段的实物资料与文献记载。 先秦部分 侧重于对早期岩画、陶器和漆器上的纹饰进行考证和摹绘。虽然这一时期的独立绘画作品存世稀少，但本卷通过对出土文物的精细复制，展示了原始图腾、动物形象以及简单的叙事性图案，揭示了早期巫术、宗教与艺术的关联。 秦汉部分 则集中展示了汉代墓葬壁画的艺术成就。这一时期的壁画内容极为丰富，涵盖了神仙世界、历史故事（如鸿门宴、西王母宴饮图）、车马出行、农耕渔猎等世俗生活场景。重点收录了如马王堆汉墓、尹湾汉墓等重要墓葬壁画的拓片与设色摹本。本卷分析了“气韵生动”的雏形，以及线条造型的成熟，特别是对传统“兰叶描”的早期形态进行了细致辨析。 魏晋南北朝卷： 寄情山水与宗教的兴盛 这一时期的绘画史是士人精神觉醒和佛教艺术全面输入的关键阶段。 士人绘画的兴起 卷中详尽展示了顾恺之、陆探微等早期人物画大师的作品，特别是对《洛神赋图》（宋人摹本）等经典进行了深入的图像学分析。重点阐述了“以形写神”的理论如何在实践中落地，以及对人物衣带飘举、顾盼生姿的刻画技巧。 佛教造像与壁画 这一部分是本卷的重中之重。收录了敦煌莫高窟早期（特别是十六国至北魏）的壁画、麦积山石窟以及云冈石窟的图像资料。这些作品清晰地展现了犍陀罗艺术和中原本土艺术的融合过程，体现了佛教教义的图像化表达，如佛本生故事、供养人形象的演变等。 隋唐卷： 盛世气象与画科的成熟 唐代是中国绘画的鼎盛期，本卷以恢弘的气势展现了那个时代的艺术面貌。 人物与肖像画 重点展示了阎立本、吴道子等巨匠的影响。对吴道子的“吴带当风”笔法进行了专门的图像解析，收录了描绘唐代宫廷生活、贵族宴乐、仪仗出行的全景式作品。人物造型饱满、色彩绚丽，体现了盛唐的自信与雍容。 山水画的初步独立 虽然成熟于五代，但本卷收录了李思训、李昭道的“青绿山水”的代表作，展示了矿物颜料的运用和界画的精妙，标志着山水画开始从人物画的背景中脱离出来，成为独立的画科。 五代十国卷： 南北分野与风格的奠定 本卷突出了北方画院的精工富丽与南方文人画的淡雅写意之间的分野。 北方画院 以荆浩、关仝为代表，奠定了中国山水画的“全景式”构图基础，强调雄伟、壮阔之感，用笔坚实，墨法层层渲染，形成了北派山水雄强峻峭的基调。 南方文人画 以董源、巨然为代表，开创了江南“披麻皴”的笔墨技法，注重表现湿润、温和的江南烟景，开启了水墨写意之风，强调“以书入画”。 宋代（北宋）卷： 院体典范与写实巅峰 北宋是院体画的黄金时代，审美趋向于理性和对自然细致入微的观察。 山水画的集大成 重点展示了范宽、郭熙、李成等大师的巨制。范宽的“雨点皴”如何表现北方山脉的崇高感；郭熙的“树法”“泼墨法”如何营造动态的云雾变化。同时，收录了大量的界画作品，展现了宋代建筑描绘的极致精准。 花鸟与写生 徽宗朝的院体花鸟画达到了写实主义的顶峰。本卷细致对比了赵佶的“双钩填彩”与自然观察的精准度，以及对光影、体积感的初步把握。 宋代（南宋）卷： 笔墨的意趣化与禅意 南渡后，艺术风格趋向内敛与写意。 山水画的“意境” 重点分析了李唐、刘松年、马远、夏圭“马一辈”的风格。特别是马远的“一角半边”构图法，如何在有限的空间内营造无限的深远和禅宗的空寂之感。 文人画的成熟 涵盖了苏轼、米芾等人的书画实践，米芾“米点皴”的抽象化探索，以及对山水画“不求形似，但求神似”的理论深化。 元代卷： 笔墨精神的回归与“四大家” 元代是文人画全面主导的时代，笔墨语言成为核心。 本卷集中展示了“元四家”——黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙的创作。对黄公望“平远”的探索、倪瓒的“折带皴”与极简意境、王蒙的“茂密”复加皴法等进行了分类专题研究。同时，也收录了对传统山水画进行重塑的赵孟頫的“复古”路线，以及对高克恭、钱选等人的作品的梳理。 明代（早期与中期）卷： 各流派的勃兴与冲突 明代绘画呈现出多元化、区域化发展的态势。 吴门画派 重点展示了沈周、文徵明、唐寅、仇英的成就。沈周的“粗笔”与文徵明的“细整”，唐寅的潇洒与仇英的富丽，构成了吴中地区不同的艺术面貌。 浙派与院体 探讨了以戴进、吴伟为代表的浙派对南宋院体风格的继承与粗犷化。 其他区域风格 简要介绍了以董其昌、李日华等早期实践者对笔墨趣味的初步探索。 明代（晚期）卷： 董其昌的理论影响与“四僧”的先声 晚明时期，理论与实践的深度结合促使画风走向新的高度。 松江画派 董其昌的“南北宗论”对后世影响深远，本卷收录了他及追随者的作品，分析了他们如何从元代笔墨中提炼出“淡墨为主”的审美标准。 个性化表达 涵盖了陈淳、徐渭等人的写意花鸟和人物画，重点展现了徐渭“泼墨大写”的狂放与“书画同源”的极致体现。 清初卷： 遗民的抗争与正统的重塑 清初绘画是民族气节与艺术风格激烈碰撞的时期。 “四王”的正统化 详尽展示了王时敏、王鉴、王翚、王原祁的“集古”理论与实践，他们如何通过对元明诸家笔法的系统梳理，确立了官方推崇的正统山水画风，并形成了各自成熟的笔墨体系（如王翚的“集大成”与王原祁的“搭笔法”）。 “四僧”的叛逆 集中分析了弘仁、髡残、朱耷、渐江的独特风格。朱耷（八大山人）的“白眼向人”的象征性动物形象，弘仁的“一树一石”的禅宗意境，是反抗传统、追求个体精神自由的集中体现。 清中卷： 扬州画派与折衷调和 乾隆至嘉庆时期，商业繁荣催生了地方画派的兴起。 扬州画派 重点展示了以“两汪”（汪士慎、汪杲）、“两李”（李冉、李鱩）、黄慎等为代表的艺术群体。他们摒弃了四王强调的“笔墨”传承，转而追求个性的挥洒，尤其在花鸟画领域，融入了民间艺术的装饰性和市井的趣味。 折衷派 包含了以“四僧”和“四王”风格为基础，进行调和、追求雅致趣味的画家群体，如蒲华、赵之谦的前奏风格。 --- （根据您的要求，以上内容为《中国绘画全集》中除《第29卷 清11》之外的其他卷目可能涵盖的详细内容。此简介结构严谨，内容详实，旨在全面介绍全集的艺术脉络，不包含任何对“清11”卷具体内容的影射或描述，行文风格力求自然流畅，避免机械化痕迹。）

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当我拿到这套书时，最让我惊喜的是它对于清代中期文人画中“逸笔草草，不求形似”这一思想的探讨深度。很多市面上流传的画册往往只停留在作品的表面摹写，而此书却穿透了表象，直抵创作者的内心世界。书中引用的那位著名诗人的画论片段，描述了“胸中有丘壑，方能落笔成林泉”，这句话被细致地拆解分析了其哲学根源，追溯到道家思想对个体精神自由的推崇。我尤其欣赏它对不同地域画派之间相互影响的梳理，比如江南地区细腻雅致的风格如何与北方的雄浑粗犷产生碰撞与融合，这种宏观的视角让我对“中国绘画”这一概念有了更立体的认识，不再是孤立的个体存在，而是一个不断呼吸、不断生长的有机整体。即便是那些看似随意的点苔和飞白，书中的解读也赋予了其明确的文化指向性，让人不得不佩服编者在考据上的严谨与用心，使得每一笔看似随性的描绘，都蕴含着深厚的文化积淀。

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这套书的学术严谨性毋庸置疑，但更难能可贵的是其视角的多样性。我注意到，它不仅仅关注了传统意义上的“庙堂”艺术和“文人”艺术，还花了相当篇幅去探讨民间艺术，尤其是那些地方年画和寺庙壁画的审美特征及其社会功能。书中对比了宫廷画院对色彩的规范化要求与民间画家不受束缚的自由表达之间的差异，这种对比极具启发性，让我认识到“中国绘画”是一个多元共生的生态系统，而非单一的精英文化。特别是在对清代晚期西方油画传入后，中国画家如何进行自我调适和吸收的部分，叙述得极其精炼而有力，展现了中国艺术在面对外来冲击时的强大包容性和自我革新的潜力。这种全景式的视野，使得这部作品远超一般画册的范畴，堪称一部活态的艺术社会史。

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这部巨著的装帧设计简直是匠心独运，那种沉甸甸的纸张质感，配合着封面淡雅的米色调，甫一上手，便能感受到一种穿越时空的厚重与庄严。我特意翻阅了其中关于早期山水画技法演变的部分，那些对笔墨浓淡干湿的精妙解析，简直是为每一个对中国传统绘画心存敬畏的爱好者准备的无价之宝。特别是对几位开创性画家的论述，不再是那种教科书式的枯燥介绍，而是深入挖掘了他们是如何在时代洪流中找到自己独特的艺术语言，比如某位大师如何在吸取前人精华后，又大胆地在皴法上进行了革命性的尝试，那种对线条力量的掌控，读起来让人仿佛亲眼目睹了画师挥毫泼墨的瞬间。此书的排版布局也极具考究，留白恰到好处，既保证了内容的充实，又不至于让人感到压迫，使得阅读体验极为舒适。即便是初学者，也能从其中对基础工具如“笔、墨、纸、砚”的细致探讨中，建立起坚实的理论基础。这套书，与其说是工具书，不如说是一场关于中国艺术精神的深度对话，让人在字里行间领略到古人的高古情怀与不凡胸襟。

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说实在的，我对艺术史的了解一直比较浅薄，很多专业术语总是望而却步。然而，这套书在解读那些复杂的审美范畴时，展现出了一种惊人的亲和力。譬如，当涉及到“气韵生动”这一中国美学的核心概念时，作者没有使用晦涩难懂的术语堆砌，而是通过大量的实例对比，比如将某位画家早期的拘谨与晚期的洒脱放在一起，让读者直观地感受到“气韵”是如何在时间与心境的变化中被孕育和释放的。我对其中关于“摹古”现象的论述印象深刻，它揭示了“学古”并非简单的模仿，而是一种与古人精神的对话与“再创造”的过程，这极大地拓宽了我对传统艺术传承的理解。读完这几章，我感觉自己看待一幅画的眼神都变得不一样了，不再只是欣赏色彩和造型，而是开始探寻画中蕴含的生命力和时代精神，这种知识层面的提升是立竿见影的。

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从阅读体验上来说，这是一套需要静下心来慢慢品味的“慢读”书籍。我通常是在深夜，泡上一壶清茶，专注于某一特定主题的章节。例如，我最近沉迷于书中关于清代山水画中“点景人物”的分析，那些微小却点睛般存在的渔翁、行者和高士，是如何被画家赋予了超越其自身尺幅的象征意义。书中对于这些细节的挖掘，细致到了连人物的衣着颜色和姿态都在特定地域画派中的流行趋势都有提及，这种对“微观”的执着，反而构建出了“宏观”的艺术全貌。它教会了我如何去“看”画，而不仅仅是“读”画。每一章的逻辑衔接都如同精心构建的园林，层层递进，引人入胜，读完后，会有一种意犹未尽，迫不及待想翻到下一卷去探寻新境的冲动。

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