中国绘画全集.24，清代.第6卷 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:文物出版社，浙江人民美术出版社

作者:中国古代书画鉴定组 编

出品人:

页数:254

译者:

出版时间:2000-1

价格:380.00元

装帧:简裝本

isbn号码:9787501012060

丛书系列:中国绘画全集

图书标签:

• 图录
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鉴古知今：中国古代书画艺术瑰宝赏析 本书系为一部宏大而精深的艺术典籍，旨在全面而系统地梳理和呈现中国历代绘画的辉煌成就。它并非聚焦于单一朝代或某一地域的局部图景，而是以时间为轴，以风格流变为脉络，力求为读者构建一幅跨越数千年、气象万千的中国绘画发展全貌。 全书之立意，在于“集大成”与“细致辨析”的结合。 它摒弃了对某一特定时间段（如清代）的深入挖掘，转而采取更宏观的视角，对中国绘画史进行通盘考察。 第一至二十三卷：史前曙光至宋元高峰的精粹回溯 本书的开篇部分，即第一卷至第二十三卷，着重于追溯中国绘画艺术从萌芽至鼎盛的发展历程，为理解后续朝代的演变奠定坚实的基础。 卷一至卷五：远古的图腾与先秦的稚拙 这部分内容深入探讨了中国艺术的源头——新石器时代的彩陶纹饰、岩画遗存，以及商周青铜器上的饕餮纹与神怪形象。重点分析了早期图像所蕴含的宗教信仰、社会结构与朴素的审美意识。先秦时期，随着礼乐制度的建立，绘画开始从纯粹的装饰性中抽离，逐步向叙事性和教化功能靠近。我们详细考察了帛画的出现及其初步的写实尝试，特别是楚文化对神灵世界的独特想象。 卷六至卷十二：汉魏晋南北朝的转型与精神觉醒 这一阶段是中国绘画史上的重要转折点。本书系统梳理了汉代画像石、画像砖中的世俗生活与历史演义场面，展示了早期线描艺术的成熟。进入魏晋南北朝，随着玄学和佛教的兴盛，中国绘画的主题和精神内涵发生了深刻的转变。 我们投入大量篇幅，研究了顾恺之、陆探微等早期画家的理论贡献（如“传神写照”），并以大量的摹本和传世作品为例，解析了“秀骨清像”的审美风尚。对于佛教造像和壁画的分析，则侧重于外来艺术如何被本土化，最终融入中国笔墨的体系之中。 卷十三至卷十八：隋唐气象的恢弘与盛世气派 隋唐五代时期，社会稳定，经济繁荣，为艺术的空前发展提供了沃土。本书对这一时期的绘画成就进行了立体化的呈现。 人物画的巅峰： 重点剖析了吴道子“吴带当风”的笔法革新，以及张萱、周昉所代表的唐代仕女画中，对宫廷生活和女性美的精致刻画。对壁画的分析，如敦煌莫高窟中期的作品，展示了色彩的饱满与叙事的宏大。 山水画的萌芽： 追溯了李思训、李昭道“金碧山水”的技法与意境，并详述了王维对水墨画的先导性探索，为后世文人山水画的兴起埋下了伏笔。 花鸟画的独立： 梳理了以徐熙为代表的“野逸派”与宫廷院体的风格差异，展现了对自然生命的细致观察。 卷十九至卷二十三：宋元的格局与文人画的崛起 宋代是中国绘画的黄金时代，艺术体制空前完备。本书以严谨的学术态度，区分了北宋的雄浑壮阔与南宋的内敛精致。 北宋的巨碑式山水： 详尽解读了范宽、郭熙的“高远”、“深远”构图法，分析了其作品中对宇宙秩序的哲学思考。对张择端的《清明上河图》等风俗画的分析，则深入到社会史层面。 院体画的规范： 探讨了徽宗朝对院体的严格要求，以及马远、夏圭“一角半边”的意境营造，揭示了宋代院画如何将写实推向极致。 元代的文人画革命： 这一部分是全书的重点之一。本书详细阐述了赵孟頫倡导的“复古”思潮，以及“元四家”（黄公望、吴镇、倪瓒、王蒙）如何通过对笔墨的自觉运用，将山水画从描摹对象转向抒发主体心性的媒介。对水墨语言的抽象化和符号化进程，进行了深入的个案研究。 --- 本书的独特价值与涵盖范围（不含清代聚焦内容）： 本书的价值在于其对“通史”脉络的梳理，它完整展现了绘画从图腾到程式，再到抒性表达的逻辑演变。全书的插图和图录选材广泛，囊括了从墓葬壁画、石窟造像、传世绢本到重要手卷、册页等多种载体。 它着重于 “如何画”（技法发展，如皴法、设色、章法演变）与 “为何画”（时代精神、哲学思潮、社会功能）的相互映证。读者将通过此系列，清晰地看到唐代院体对宋代院体的深刻影响，以及文人画的出现对后世审美趣味的决定性作用。 全书的叙事线索，清晰地终止于元末明初文人画体系的定型，或对明代早期（如吴门画派的早期风格）的梳理与评述，但其核心视野与笔墨聚焦并未深入至清代中后期的具体流派纷呈与风格重塑，而是着眼于前朝奠定的基础与成熟的典范。 本书的叙述结构旨在建立一个坚实的古代绘画知识体系的“前清”框架。

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说实话，我这次主要关注的是对画作背后文化背景的深度挖掘。这部全集在阐释某些特定时期绘画风格的形成原因时，做得相当到位。比如，在研究明代文人画对士大夫阶层内心世界的表达时，我发现书中引用的相关史料和文学作品的相互印证非常扎实。它不是简单地罗列作品，而是将每一幅画都置于其诞生的社会、政治、思想环境中进行剖析。我尤其欣赏那种不迎合大众、坚持学术严谨性的态度。有些画派的争议性很强，但编纂者并未回避，而是提供了多方位的论证，这使得读者在欣赏画作的同时，也能对当时的艺术思潮有一个全面的认识。这种深度挖掘，远超出了普通画册的范畴，更像是一套详尽的学术专题研究资料集。对于想要真正理解中国艺术精神内核的人来说，这套书的价值是无可替代的。

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这部画集的装帧和印刷质量，简直是业界良心。我们都知道，古代的绢本和纸本在光线下呈现出的微妙质感，是复制品最难捕捉的部分。然而，这套全集在色彩还原度和细节保留上做到了极致的精准。特别是对于那些使用矿物颜料的重彩画，那种宝石般的厚重感和光泽度，即便是通过现代印刷技术，也依然能感受到原作的震撼力。我对比了手头其他一些版本，明显能看出这部在墨色层次过渡的细腻处理上要高出一筹。这种对原作精神的敬畏，体现在了从纸张的选择到油墨的渗透，每一个环节都体现了对中华国粹的尊重。可以说，光是触摸和翻阅的过程，本身就是一种对艺术的虔诚朝拜。

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这部鸿篇巨制，光是看到“中国绘画全集”这几个字，就让人心潮澎湃，想象着其中汇集了千年华夏丹青妙手的精华。我特地翻阅了其中几卷，尤其是在探究那些已经湮没在历史长河中的画派和风格时，那种感觉简直是穿越时空的对话。例如，在研究早期山水画的笔墨演变时，那些看似简单的线条和墨色的浓淡变化，实则蕴含着对宇宙万物的深刻理解和哲学思辨。书中的编排逻辑性极强，从早期的摹本到宋元的成熟体系，再到明清的流变，脉络清晰得如同清晰的江河水系，让人在浩如烟海的画作中找到了可靠的航标。每一幅作品的清晰度都令人赞叹，即便是细节处的皴法和点苔，也纤毫毕现，这对于我们这些业余爱好者或是专业研究者来说，都是极大的便利。我甚至可以想象当时画家作画时的情景，那份对自然、对人生的独特感悟，通过这些凝固的墨痕，得以永恒流传。这本书绝非一般的图录，它更像是一部活生生的中国艺术史教科书，让人欲罢不能地沉浸其中。

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我最近花了不少时间研究卷帙浩繁的古代画论和题跋。这部全集的精妙之处在于，它并没有将理论与实践割裂开来。在展示完一幅关键作品后，往往会紧接着引用与之相关的历代名家的题跋或画论节选。这种对比阅读的体验非常棒。比如，当我看到某位大家对“气韵生动”的阐述时，马上就能在旁边的画作中找到具体的实例来验证或反思这种理论。这种即时反馈的学习模式，极大地增强了理解的深度和趣味性。我发现，很多看似玄妙的艺术概念，在具体的作品面前，其实都有着非常扎实的技法支撑。这套书成功地架起了理论家和实践者之间的桥梁，让古代的智慧得以在现代读者的手中重新焕发生命力。对于想要提升自己鉴赏能力的朋友，这是最好的“导师”。

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令人振奋的是，这套《中国绘画全集》在选材的广度和跨越的时间尺度上，展现出了惊人的雄心和执行力。它不仅仅局限于宫廷和官方认可的主流画派，很多地方志中记载的、或是鲜为人知的地方性艺术流派和民间艺术的精品也被悉心收集并收录其中。这种“不遗余力”的搜集态度，极大地丰富了我们对中国艺术多元性的认知。它打破了以往一些固定化、标签化的艺术史框架，让我们看到了不同地域、不同阶层人群的审美情趣是如何交织、碰撞，共同构筑起中国绘画的宏大图景。对于那些已经厌倦了千篇一律的“四王”或“四僧”研究的人来说，这部全集提供了一个广阔的探索空间，里面充满了待发掘的宝藏。

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吴歷（li，四声）的树很有灵性。

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