中国绘画全集.21，清代.第3卷 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:文物出版社

作者:中国古代书画鉴定组 编

出品人:

页数:224

译者:

出版时间:2001-1

价格:380.00元

装帧:简裝本

isbn号码:9787501012442

丛书系列:中国绘画全集

图书标签:

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《中国绘画全集·宋代·第1卷》 本书聚焦于宋代（960年—1279年）绘画的辉煌成就。宋代是中国艺术史上的一个高峰期，其绘画艺术在思想、技法和题材上都达到了前所未有的高度，对后世产生了深远的影响。本卷精选了这一时期最具代表性的作品，旨在系统梳理宋代绘画的风格流变、主要流派及其艺术特色。 一、 时代背景与艺术思潮 宋代是中国封建社会高度成熟的时期，政治稳定，经济繁荣，尤其是在理学兴起和文人阶层壮大的背景下，艺术追求的重心从唐代的富丽堂皇转向内敛、精微、注重“意趣”和“格物致知”。这种时代精神深刻地影响了绘画的创作方向，使得山水画和花鸟画的写实技巧和哲学内涵空前提高。士大夫阶层开始将绘画视为修身养性、表达个人情感和学识的重要媒介，这为文人画的成熟奠定了基础。 二、 北宋的鼎盛与格局的建立 北宋（960年—1127年）是宋代绘画的奠基和鼎盛时期。 山水画的巨匠： 本卷重点展示了范宽、郭熙、李成等早期山水画大师的作品。范宽的《溪山行旅图》以其雄伟壮阔的构图、皴法老辣的笔触，展现了北方山川的磅礴气势，达到了“崔巍”的境界。郭熙则在《早春图》中，开创性地提出了“卧游山水”的理论，其“春雾漫漫，水光接天”的笔法，将山水画由单纯的写景提升到哲思的高度。李成的“如蟹爪”皴法，则以其特有的萧瑟清寂之美，影响了后世北方山水画派。 此外，李唐、刘松年等“南渡画家”的作品也收录其中，他们承接了北宋的衣钵，并开始孕育新的变革。 花鸟画的精微： 北宋花鸟画追求写实与意趣的完美结合。徽宗赵佶无疑是这一领域的集大成者。他的审美趣味对宫廷花鸟画产生了决定性的影响。本卷收录了多幅具有“院体”风格的作品，这些作品用笔细腻，设色艳丽，对物象的描摹达到了“格物”的极致，仿佛能感受到花瓣的纹理和鸟儿的呼吸。例如，对动植物的生态、光影的把握，都体现了高度的写生能力和科学精神。 人物画的转型： 张择端的《清明上河图》是不可或缺的精品。它不仅是描绘都市风俗的百科全书，更在叙事性、构图的复杂性和对社会生活的观察深度上，树立了后世界画（以尺规作画）的典范。 三、 南宋的转变与院体艺术的精致化 靖康之变后，宋室南迁，艺术中心转移到临安（今杭州）。南宋绘画在继承北宋技法的基础上，展现出更加注重抒情性、灵动与雅致的特征。 院体画的成熟与风格分化： 南宋的宫廷画院承接了徽宗的审美遗产，将写实技巧推向新的高峰，但同时，在山水画中也开始注入更加强烈的“禅意”和“空灵”。马远和夏圭是这一时期的代表人物。马远以其“一角”构图，善用“留白”营造深远意境，画面往往是“马一角”“夏半边”的标志性风格。夏圭则以其阔大简练的笔墨，追求水墨的韵味和气势，画面气象开阔而又不失雄浑。他们的风格被称为“院体新风”，以精炼的笔墨表达深邃的内涵。 文人画的兴起与独立： 与院体画的工致相对，文人画家群体开始崛起。他们以“逸”为尚，强调自我表现和笔墨趣味，反对院体的过度写实。苏轼、米芾父子是这一思潮的早期倡导者。米芾的“米点皴”和对水墨淋漓的探索，为后世文人山水画开辟了道路。本书探讨了文人画如何从精英的私人消遣逐渐发展为独立的艺术流派。 四、 技法与理论的梳理 本卷附录了对宋代绘画重要理论文献的解读，包括北宋沈括《梦溪笔谈》中对绘画技法的记述，以及宋代画家们在师承关系和创作理念上的交流。重点剖析了宋代确立的几种主要皴法（如披麻皴、斧劈皴、解冻皴等）的演变及其所表达的物象质感。 总结 《中国绘画全集·宋代·第1卷》全面展现了宋代绘画在写实主义高峰下所蕴含的哲学深度和审美追求。它不仅是技术的展示，更是对中国文人士大夫精神世界的探索。通过对这些杰出作品的细致考察，读者可以深入理解宋画如何确立了中国传统绘画的基本规范和审美理想，为后世的元、明、清绘画发展奠定了不可逾越的基石。

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这部《中国绘画全集》的第二十一卷，聚焦于清代的第三卷，简直是为我这种痴迷于晚期帝制时期艺术的“老古董”量身定做的宝库！我得说，光是翻阅那些摹本和高清图录，就能感受到康熙、雍正乃至乾隆朝那股子繁复、精致到近乎炫技的宫廷审美风潮。特别是那些描绘江山永固、万寿无疆题材的作品，那叫一个层层叠叠，工笔的细腻程度，简直让人怀疑画师是不是用了放大镜。我特别留意了恽寿平一脉的没骨花鸟，虽然这一卷的重点可能偏向院体画或某些特定画派，但即便是作为配角的那些花鸟小品，也透露出文人画在宫廷审美压力下如何挣扎着保留一丝雅致。有一幅描绘苏州园林景色的山水，那远景的云雾处理得极其空灵，完全不是北方山水那种雄浑霸气，而是一种江南士大夫阶层特有的那种婉约和闲适，色彩的运用上，似乎比前几卷的明代晚期要更为克制和典雅，少了一些晚明那种放浪形骸的恣意，多了几分规矩，但也正是这份规矩，成就了清初“四王”的成熟与巅峰。对于研究清代士大夫阶层对“古意”的追求和“格调”的维护，这卷书的参考价值是无可替代的。

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说实话，作为一名主要研究明代中晚期吴门画派的学者，我对清代绘画的兴趣一直不算太大，总觉得少了一股子“野气”和那种对抗主流的激情。但是，捧起这本清代·卷三，我不得不承认，我的看法有所动摇。这里的几幅“四僧”后学（当然，可能不是直接的传人，而是受到其影响的画家）的作品，虽然在整体风格上被院体画所主导，但仍能捕捉到一丝丝对传统程式的反叛意图，尤其是在笔墨的“生辣度”上。对比前朝那种追求“润合”的画风，这里的某些作品，在处理苔点和树皮时，用了更重的笔触和更快的速度，虽然被宫廷的整体基调所抑制，但那种内在的张力是显而易见的。此外，这本书的装帧和索引编排极其专业，对于查找特定时期、特定流派的作品关联性提供了极大的便利，不像有些图集，光是找一幅画的出处就得花上半天时间。这套工具书的价值，绝不仅仅是图片集合那么简单。

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我这次借阅这套书，主要目的是想深入探究清代中期以后，那些所谓的“程式化”绘画是如何一步步走向衰落的，而这第三卷的内容，正好提供了绝佳的切片样本。不得不说，印刷质量是令人赞叹的，即便是那些墨色层次极其微妙的皴法，也能在纸面上得到相当忠实的再现。让我印象深刻的是其中收录了几幅描绘边疆战事和民族风情的“风俗画”，这类作品往往不被主流艺术史过多提及，但在研究清代“大一统”观念的视觉构建上却至关重要。这些画作的构图往往非常饱满，人物众多，细节繁复，虽然在艺术性上可能不及那些纯粹的文人水墨，但它们清晰地展示了官方意识形态如何通过绘画来记录和宣扬“盛世气象”。对比前两卷的明代作品，清代画家在人物动态捕捉上似乎更为写实，少了些许的含蓄，多了几分直接叙事的功能性，这或许也是时代变迁，画师身份从“士人”向“供奉”转变的必然结果。我对那几幅乾隆皇帝的御笔行乐图摹本尤其感兴趣，那种将个人生活与国家权力完美融合的展现方式，真是令人叹为观止。

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我是一名国画爱好者，主要是临摹练习。对我来说，最核心的需求就是清晰的细节和准确的笔法示范。这套《全集》的第21卷，在这一点上做得非常出色。我专门研究了其中几位擅长画松的画家，那些虬曲的松针和老皮的皴法，即便是缩小后印制，其笔法的提按顿挫依然能大致看出来。我尤其喜欢其中一幅山水画中小景的布局，那个“S”形的河流处理得极其巧妙，既引导了视线，又保持了画面的稳定感。在清代，由于审美风气的缘故，很多作品的墨色层次变化相对单调——要么是极淡的“水墨”，要么是浓到发黑的“焦墨”。这一卷中对淡墨和飞白的应用把握得很好，显示出画家们在有限的条件下对水墨语言深度的挖掘。相比于前些年我看过的某些影印本，这里的对比度和清晰度提升了一个档次，这对于我们这些动手实践的读者来说，简直是福音，省去了反复比对原作照片的麻烦。

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每一次翻阅这套《中国绘画全集》，都像是在跟历史进行一次对话，而这一卷关于清代的卷帙，尤其让我感受到了“盛世气象”背后的艺术张力。我发现了一个有趣的现象，就是清代中期以后，一些不知名的宫廷画师，他们对西洋透视法和光影的理解，虽然是零星且生硬地融入到传统山水构图中的，但这种“杂糅”本身就是研究东西方文化交流在绘画领域的一个侧面教材。书中的几幅界画作品，其建筑的比例处理得极为精准，但一旦进入到自然景物的描绘，那种西洋影响就迅速退化了，仿佛画师们在遵循一个“安全区”，只敢在描绘人工造物时大胆试验。这卷书的编排逻辑似乎有意将这些尝试性作品放在显眼的位置，让我有机会去思考，在僵化的宫廷规范下，艺术的创新是如何以一种“擦边球”的形式得以存续的。总而言之，这是一套不可或缺的研究清代中后期绘画风格演变的重量级参考资料。

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