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出版者:Little Brown

作者:Gilot, Francoise; Lake, Carlton

出品人:

页数:352

译者:

出版时间:1990-11

价格:148.00元

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isbn号码:9781853812330

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尘封的画室：马蒂斯与蓝色时期的巴黎 一、序章：蒙帕纳斯午后的光影 巴黎，二十世纪初的艺术熔炉。空气中弥漫着颜料、烟草与咖啡的复杂气味，那是蒙帕纳斯——波西米亚精神的摇篮。在这个被新旧思潮激烈碰撞的年代，一位名叫亨利·马蒂斯的年轻画家，正试图从印象派的碎影中挣脱出来，寻找一种属于自己的、更原始的色彩语言。 本书将带领读者深入探访马蒂斯在1901年至1904年间，那个被称为“蓝色时期”的至暗与转折。这不是一部枯燥的艺术史编年，而是一次沉浸式的、跟随艺术家心灵轨迹的漫游。我们将避开那些光芒万丈的“野兽派”胜利，转而关注那些被阴影和忧郁浸染的岁月。 二、蓝色的重量：贫困、丧失与情绪的调色板 马蒂斯的蓝色时期，并非一开始就如此命名。这个标签，是后世评论家为他贴上的，因为它主导了这一时期作品的情绪基调：深沉、忧郁，近乎于一种形而上的悲伤。 我们首先要理解那个时代的马蒂斯：一位在律师事务所工作、需要为生计奔波的普通人。他与妻子阿美莉住在狭小、光线不足的公寓里，时常为下一笔房租发愁。这种物质上的窘迫，与他内心对色彩解放的渴望形成了强烈的反差。 2.1 丧失的阴影： 这一时期的创作深受个人生活变故的影响。马蒂斯的一位挚友，另一位画家雅克·蒂亚松（Jacques Thieulot），在1899年因自杀离世。这次打击对敏感的马蒂斯造成了持久的影响。我们将在书中细致考察几幅关键作品，如《蓝色裸女》的早期草稿，它们不再仅仅是对人体形态的描摹，而是成为承载哀悼与内在痛苦的媒介。蓝色，成为一种心理上的保护色，一种对外界喧嚣的隔绝。 2.2 室内与肖像的压抑： 与同时期许多画家热衷于描绘巴黎的活力不同，马蒂斯的室内场景显得异常空旷和凝滞。《红色的室内》尚未诞生，取而代之的是一系列沉重的、缺乏光线的肖像画。他的妻子阿美莉的形象，被包裹在阴影之中，嘴角下撇，眼神中流露出对未来不确定的焦虑。我们分析了马蒂斯如何刻意压低高光部分，使画面呈现出一种类似于“失焦”的质感，仿佛人物被困在回忆或梦境之中。 三、塞尚的回响与对古典的挣扎 蓝色时期并非完全的孤立。艺术史的洪流从未停止冲刷着马蒂斯的画室。这一时期，他对保罗·塞尚的“色块构成”理论产生了浓厚的兴趣，但尚未完全吸收，反而形成了一种奇特的融合：既有塞尚的厚重感，又有他个人对线条的执拗。 3.1 塞尚的结构课： 我们详细研究了马蒂斯在学习塞尚笔记时的临摹工作，特别是那些关于几何形体在自然界中的隐秘结构。马蒂斯试图用简化的几何体来捕捉人物的重量感，但这时的形体依然是扁平的、缺乏后野兽派作品中那种自由的律动。他用浓稠的油彩堆砌，使得画面具有一种雕塑般的质感，这是他未来对平面化探索的早期胚胎。 3.2 罗马与古典的对话： 为了逃离巴黎的阴霾，马蒂斯曾在短暂的时间内（尽管不是他生命中的主要阶段）研究古典大师。我们考察了他对卢浮宫藏品的临摹。有趣的是，他临摹的对象并非盛期的古典主义，而是那些带有早期朴素气息的作品。这说明，在蓝色时期，马蒂斯寻求的不是精湛的技巧，而是一种更原始、更少被学院派污染的表达方式。他像一个寻求根源的朝圣者，试图在古老的画布上找到支撑自己摇摇欲坠的信念的力量。 四、转折点：南方的召唤与温暖的预兆 蓝色时期并非一个封闭的循环，它必然引向爆发。这种转折的信号，出现在1903年夏末秋初。 4.1 科利尤尔的第一次触动： 马蒂斯决定逃离巴黎的寒冷与压抑，前往法国南部的科利尤尔（Collioure）。这次旅行，如同久旱逢甘霖。尽管他仍然带着蓝色时期的忧郁底色，但地中海的阳光开始以一种不容忽视的强度渗透进他的视野。 我们对比了他在巴黎完成的几幅室内静物与他在科利尤尔完成的早期风景画。前者是封闭的、蓝灰色的，后者开始出现刺眼的黄和绿色。这不是完全成熟的野兽派，但色彩的“饱和度”开始失控。例如，他开始用纯净的绿色来描绘阴影，而不是传统的黑色或深蓝。这标志着他开始相信眼睛所见的光线，而非内心所感知的忧郁。 4.2 艺术品的市场初探： 值得注意的是，蓝色时期也是马蒂斯开始尝试将其作品推向市场的阶段。他并非完全不顾及商业，只是其作品的“非主流”性质使得销售异常艰难。我们揭示了几次重要的展览，包括1904年在独立沙龙的展出，那里的评论家们依然对他的蓝色调感到困惑和不悦。这种市场上的冷遇，反过来巩固了他坚持自我道路的决心。 五、终章：蓝色的遗产——通向光明的桥梁 《穿土耳其长袍的女人》是蓝色时期结束的标志，但《蓝色裸女》依然是这座桥梁上最沉重的石块之一。 蓝色时期是马蒂斯艺术生涯中必要的“洗礼”。它教会了他如何去“感受”色彩的重量，而不是仅仅“观看”色彩的亮度。如果没有这种对沉重、对内在情绪的深刻体验，他后来的色彩爆炸——那种纯粹的、无拘无束的快乐——将缺乏必要的张力与深度。 本书将以一个充满希望的姿态结束，预示着在不久的将来，一位“野兽之王”将从这片忧郁的蓝色海洋中破茧而出，用他自己的阳光和火焰，彻底重塑二十世纪的艺术版图。我们聚焦于马蒂斯如何艰难地挖掘出了艺术的本质，而非仅仅记录了他生命的某段插曲。这是关于艺术灵魂如何在逆境中淬炼的故事。

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这本书的排版布局简直是教科书级别的示范，它成功地平衡了视觉冲击力与阅读的舒适度。很多画册为了追求大图的震撼效果，常常牺牲掉文字部分的留白，导致眼睛非常疲劳，但这里的排版师显然深谙人机工程学与美学平衡之道。每一个章节的过渡都处理得非常自然，有时候，一幅小小的素描会被放置在一整页的留白之中，反而突显出其精神上的重量感，这种“留白即是叙事”的技巧运用得炉火纯青。更让我惊喜的是，作者在配图中加入了一些极为罕见的早期手稿和信件的扫描件，那些潦草的字迹和修改痕迹，无声地诉说着艺术家创作时的真实状态，这种“幕后花絮”的展示，极大地满足了粉丝的好奇心。我喜欢这种不炫技，但处处体现专业素养的编辑方式，它让阅读过程变成了一种享受，而不是一项任务。

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坦白说，我对这位艺术家的某些创作阶段一直持保留意见，总觉得后期的一些作品显得过于程式化，缺乏早期的灵气。然而，这本书通过对艺术家后期创作动机的深入挖掘，成功地挑战了我的固有偏见。原来，那些看似重复的母题背后，隐藏着他对“永恒”和“本质”的更深层次的哲学思考，这已经超越了单纯的视觉表达，更像是一种精神上的回归。作者引用了大量艺术史学家的观点，但并未让评论淹没主体，而是巧妙地将其作为佐证，来支撑他对艺术家内心世界的全新解读。读完之后，我不得不承认，我对这位艺术家的理解进入了一个新的维度。它不是一味地赞美或批判，而是提供了一个更复杂、更具思辨性的框架，去重新审视那些我们以为已经看透的作品。这对于任何一个希望深化自己艺术鉴赏能力的读者来说，都是一次宝贵的智力训练。

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这本画册简直是视觉的盛宴，每一页都仿佛能闻到油彩和松节油混合在一起的独特气味。我尤其喜欢那些早期作品的选辑，铅笔素描的线条充满了年轻的躁动与不安，那种对形式的探索欲简直要冲破纸面。色彩的运用尤其大胆，尤其是那些立体主义时期的作品，几何图形的解构与重组，让原本熟悉的物体变得既陌生又熟悉，每一次凝视似乎都能从中发现新的联系。装帧设计也极为考究，纸张的质感和印刷的精度都达到了收藏级的标准，使得那些微小的笔触细节也能清晰可见。它不仅仅是一本艺术书籍，更像是一扇通往艺术家内心世界的窗户，展现了他如何在不同的创作阶段进行自我颠覆与超越。对于任何对现代艺术史感兴趣的人来说，这本书都是一个不可多得的参考资料，它用最直观的方式阐释了艺术如何随着时代和艺术家的心境而演变。我花了整整一个周末，沉浸在这些跨越数十年的创作历程中，那种精神上的充实感是无与伦比的。

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我发现这本书在装帧上选用了一种非常耐旧的无酸纸，这对于经常翻阅和研究的读者来说，是一个巨大的福音。纸张的微黄色泽非但没有显得老旧，反而为那些冷峻的现代主义作品增添了一丝历史的温度感。书脊的装订非常坚固，即使多次完全摊开来观察那些跨页的巨幅作品，也丝毫不用担心页码松脱的问题，这点对于经常需要将书平放在工作台上对照参考的学习者来说，至关重要。此外，附带的索引和术语表制作得极为详尽，各种风格流派的界定、关键展览的梳理，都一目了然，使得它不仅是一本欣赏类的画册，更是一部可以长期信赖的案头工具书。在我众多的艺术书籍中，这本书的物理品质和信息密度都名列前茅，绝对物超所值，值得反复摩挲和研究。

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初读此书时，我原本以为这会是一本枯燥的艺术理论分析集，但事实完全出乎意料。作者的叙事手法极其高明，他并没有采用传统的编年史叙事，而是巧妙地将艺术家的私生活片段与他创作理念的成熟阶段穿插叙述，使得人物形象立体丰满得惊人。那种对生活细微之处的敏锐捕捉能力，比如对某个特定光线的偏爱，或者对某位缪斯眼神的描摹，都细腻地渗透在了对画作的解读之中。读到某一段描述艺术家在某个特定时期如何挣扎于色彩饱和度的权衡时，我仿佛也感受到了那种创作时的焦灼与狂喜。这种深入骨髓的代入感，远超我阅读过的任何一本艺术家传记。它不是在告诉你“应该”如何欣赏作品，而是在引导你“如何感受”作品背后的心跳。对于那些只停留在表层欣赏色彩和形状的读者，这本书无疑会打开一扇全新的理解之门，让人明白伟大的艺术是如何从日常的琐碎中提炼和升华出来的。

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手拿德语版 慢慢阅读 细细品味

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something even better than criticism

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Intense.

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脆弱可憐的天才

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脆弱可憐的天才