具体描述
This succinct overview of the development of Western music can help students of all levels understand the evolution of musical styles. Although the text is only half the size of most music histories, it is enhanced by the many cross-references to the best anthologies and recordings for furter information and examples.
作者简介
米罗·沃尔德（Milo Wold），1936—1974年执教于林菲尔德学院，并担任音乐学的荣誉教授。其后人为纪念他和他的夫人对学校教育的贡献，于2008年在林菲尔德学院设立了“米洛和布兰奇·沃尔德纪念奖学金”（MiloandBlancheWoldMemorialSchol arship）。主要作品有《西方世界中的音乐与艺术》（与詹姆斯·米勒、埃德蒙·塞克勒等合著）等。
加里·马丁（Gary Martin），俄勒冈大学音乐学名誉教授，研究方向为音乐教育与音乐史。1966年开始执教于音乐教育学院，主要开设音乐教育、音乐课程发展史等课程。曾任德国国际音乐教育中心主任。主要作品有《音乐基本概念》、《西方世界中的音乐与艺术》（合著）等。
詹姆斯·米勒（James Miller），俄勒冈大学声乐和合唱音乐专业的名誉教授，曾任欧洲音乐教育中心德国与英国区的主任。1988年，他在英国巴思开设了名为“英国音乐社会史”的课程。在俄勒冈州，他多次担任国家声乐独奏与合奏比赛的评委。主要作品有《西方世界中的音乐与艺术》（合著）。
埃德蒙·塞克勒（Edmund Cykler），俄勒冈大学音乐学院教授，主要作品有《用于多种乐器演唱和表演的121首卡农》、《西方世界中的音乐与艺术》（合著）、《比较音乐教育》（论文）等。
刘丹霓，上海音乐学院博士毕业生，现为天津音乐学院音乐学系教师。
目录信息
读后感
音乐一直是生活中最必不可少的背景，最开始是为了假装更高的品味，后来便成了习惯，这些年，相较流行音乐，最喜欢听的还是西方古典乐。特别是卡农D调的悠扬循环，让人怎么都听不厌。而说来惭愧，直到几年前，才如梦初醒地知晓，卡农并不是一首歌的名字，而是一种音乐体裁。随着...
评分我对部分翻译存有疑问。比如毕达哥拉斯分明提出的是“和谐理论”，书中翻译成了“和声理论”。这误会可太大了！再比如有关复调的几个概念，中文翻译和括号里给出的英文单词不完全符合。其他还有一些地方不是很精确。但我不敢说他翻译的就是错的。目前还没看完，已经发现太多概...
评分 评分已经记不清这是第几次看到新出版的音乐史而内心充满骚动了。后浪果然坚持了一贯的设计风格，这么调情的琉特琴手（哈斯，1626），只有勇敢的出版商敢这么造。 还没有拿到书，但总按捺不住那股骚动。回想过去追过的那些音乐史，我又是醉了。 高中时我不务正业，花了大把的钱去...
评分用户评价
《西方音乐简史》在处理音乐与“文化”的互动关系方面，提供了一个极为丰富的视角。作者并非孤立地看待音乐，而是将其置于更广阔的社会、文化和哲学语境中进行审视。他详细阐述了宗教改革如何影响了宗教音乐的创作，也分析了启蒙运动的理性精神如何塑造了古典时期音乐的清晰结构和平衡感。更令我印象深刻的是，作者对音乐如何反映和塑造民族认同的论述，例如，民族乐派作曲家如何运用民间音乐元素来表达国家特色和民族情感。阅读过程中，我常常会将书中的音乐发展与当时的其他艺术形式，如绘画、文学、建筑等进行联系，发现它们之间存在着许多共通的精神和审美取向。例如，巴洛克时期的繁复装饰风格，不仅体现在音乐中，也同样体现在当时的绘画和建筑上。这种跨学科的视野，极大地拓展了我对音乐的理解，让我认识到，音乐并非是独立于社会而存在的艺术，而是人类文化和精神世界不可分割的一部分，它既是时代的产物，也反过来塑造着时代。
评分《西方音乐简史》在处理音乐发展中的“技术革新”与“情感表达”的关系上，做出了非常出色的平衡。作者清晰地勾勒出了乐器制造、记谱法、和声理论等技术进步如何为音乐家提供了更广阔的创作空间，例如，钢琴的出现如何促成了更多动态变化和更复杂的和声织体，而新的记谱法又如何使得更复杂的复调音乐得以精确记录和传播。然而，他并没有将这些技术革新视为音乐发展的终极目标，而是始终强调它们如何服务于音乐的情感表达和思想传递。他详细阐述了贝多芬如何利用管弦乐法的创新来表达内心深处的激荡与挣扎，也分析了肖邦如何在有限的钢琴音域内挖掘出无限的情感深度。这种对技术与情感相互作用的深入探讨，让我理解到，伟大的音乐作品往往是技术与情感的完美结合，技术是表达情感的工具，而情感则是驱动技术创新的源泉。这本书让我对音乐的欣赏维度有了更深的拓展，我开始更多地关注音乐中的细节，思考那些看似微小的技术处理背后所蕴含的情感张力。
评分这本书的叙事逻辑和写作风格，给我留下了极其深刻的印象，尤其是作者在处理音乐发展中的“风格演变”时所展现出的精妙之处。他并非简单地将各个音乐时期进行机械的划分，而是深入地探讨了风格演变的内在驱动力。例如，他详细阐述了从巴洛克时期的“情感的激情”到古典时期的“情感的节制与理性”，再到浪漫主义时期的“情感的奔放与个人化”的转变过程，并分析了这些转变是如何受到当时哲学思潮、社会结构以及技术条件的影响。作者在描述这些风格变化时，往往会引用具体的音乐作品和片段作为例证，并对其进行深入的分析，让我能够清晰地感受到不同风格的音乐所带来的独特体验。他对于“奏鸣曲式”在古典时期如何成为表达戏剧性冲突和理性思考的理想形式，以及在浪漫主义时期又如何被注入更多的抒情性和个人情感，都进行了非常细致的阐述。这种对风格演变的深度剖析，让我不再仅仅停留在对音乐风格的表面感知，而是能够理解其背后更深层的原因和逻辑。
评分《西方音乐简史》最让我称道的一点是其对音乐发展中“创新”与“传承”之间微妙平衡的深刻洞察。作者并非仅仅宣扬那些颠覆性的革命者，而是同样重视那些在既有基础上进行精细打磨、不断完善的音乐家和创作理念。他详细阐述了格里高利圣咏如何成为欧洲早期音乐的基石，以及在之后的几个世纪里，它又是如何被不断地改编、变奏，甚至被融入到新的音乐体裁中。对于像勃拉姆斯这样一位被冠以“古典主义者”名号的作曲家，作者也深入剖析了他如何在继承了贝多芬和舒伯特传统的同时，又注入了自己鲜明的时代情感和个人风格。这种对音乐发展中“稳健”与“激进”两种力量的并存和互动关系的探讨，让我认识到，真正的艺术进步并非总是轰轰烈烈的革命，也常常体现在细水长流的精进和对传统的深刻理解与创新性回应。这本书让我不再简单地将音乐史划分为一个个截然分明的时期，而是看到了一条充满连续性和渐进性的脉络，各种思想、技法和风格在历史的长河中相互影响、融合，最终汇聚成我们今天所听到的丰富多彩的音乐世界。这种对音乐发展逻辑的细腻梳理，是对我这样一位希望深入理解音乐背后运作机制的读者来说，是极为宝贵的。
评分这本书的语言风格和逻辑构建，在我看来，是其成功的关键要素之一。作者能够用一种既专业又易于理解的语言来阐述复杂的音乐理论和历史背景，这对于非音乐专业人士来说尤为重要。他避免了使用过于晦涩的术语，或者在必要时对术语进行清晰的解释，使得即便是对音乐理论知之甚少的读者，也能在阅读过程中逐步建立起自己的知识体系。例如，在解释“奏鸣曲式”时，作者并没有仅仅停留在“呈示部、发展部、再现部”的简单描述，而是通过分析莫扎特或海顿的经典作品，生动地展现了这一曲式结构在表达戏剧性冲突、情感起伏和音乐逻辑方面的强大作用。此外，书中对各个音乐时期代表性作品的选取和分析，也极具代表性，并且往往能够揭示出这些作品在当时的创新之处以及对后世的影响。作者并非简单地列举名曲，而是深入浅出地剖析其音乐结构、旋律特点、和声运用，甚至作曲家的创作意图。这种深入的分析，让我感觉自己不仅仅是在阅读一本音乐史，更像是在与那些伟大的音乐作品进行一次深入的对话，从而获得了前所未有的音乐体验。
评分这本书的叙事方式给我留下了深刻的印象。它并非采用线性的、按时间顺序一一罗列的枯燥模式，而是通过精心设计的章节划分和内容编排，引导读者进行一次富有逻辑性和启发性的探索。作者仿佛是一位经验丰富的导游，带领我们在西方音乐的宏伟画卷中穿梭，时而聚焦于某个重要的音乐技术革新，比如复调的出现及其对音乐织体的影响；时而深入探讨某个音乐家或音乐流派如何回应其所处的时代挑战；又或者，将音乐的发展与当时的哲学思潮、艺术潮流、甚至社会政治事件紧密联系起来。例如，作者在论述巴洛克时期音乐时，并没有仅仅停留在维瓦尔第的《四季》或巴赫的赋格，而是详细阐述了“君权神授”的政治理念如何体现在音乐的宏大结构和装饰性细节中，又或者，咖啡馆文化如何孕育了新的音乐表演形式。这种多维度的视角，让我对音乐的理解不再局限于纯粹的声音层面，而是上升到一种对人类精神活动和文化变迁的更深层次的认知。阅读过程中，我常常会暂停下来，思考作者提出的某个观点，并尝试着在脑海中回响那些曾经听过的旋律，将它们与文本中的描述进行对照。这种主动的参与感，极大地提升了我的阅读乐趣和学习效果，让我感觉自己并非被动接受信息，而是积极参与到对西方音乐历史的构建和理解之中。
评分这本书最让我感到震撼的，是它所展现出的西方音乐史的“连续性”与“创新性”之间的辩证统一。作者并非将历史割裂成一个个孤立的时期，而是描绘了一条充满活力和相互影响的演进脉络。例如，他对中世纪复调音乐的研究，清晰地展示了其如何为后来的文艺复兴时期更为复杂的复调技巧奠定了基础，而文艺复兴时期对人声的关注，又如何影响了巴洛克时期歌剧的诞生。他对于浪漫主义音乐的分析，更是让我们看到，那些看似充满个人主义和情感释放的作曲家，是如何在古典时期形成的曲式和和声基础上进行发展和突破的。更令我赞叹的是，作者在论述现代音乐时，并没有简单地将之视为对过去的颠覆，而是指出了其中许多元素都可以追溯到更早的时期，例如印象派对色彩和音响效果的探索，可以看作是浪漫主义时期对管弦乐音色的进一步挖掘。这种对音乐史“传承与变革”的细致梳理，让我对音乐的发展充满了敬畏，也更加理解了任何一个时代的音乐创作，都是站在前人的肩膀上，并在此基础上进行独特的思考和表达。
评分这本书最让我受益匪浅的，是对音乐发展中“技术进步”与“审美追求”之间相互促进作用的细致阐释。作者清晰地勾勒出了乐器制造、记谱法的革新如何为作曲家提供了更丰富的音色、更复杂的织体和更精确的表达方式，从而极大地拓展了音乐创作的可能性。例如，他详细讲述了管风琴、弦乐器以及后来的管乐器和键盘乐器在不同时期如何得到改进，以及这些改进如何影响了音乐的创作和表演。然而，他并没有将技术进步视为音乐发展的唯一驱动力，而是强调了审美追求在引导技术革新方向上的重要作用。他指出，作曲家们不断探索新的和声、新的曲式、新的音响效果，正是这种对更深层情感和思想表达的渴望，促使他们去寻求并利用新的技术手段。例如，他对印象派音乐的分析，就生动地展示了作曲家如何利用管弦乐丰富的音色来描绘微妙的自然景象，这是一种对“声音色彩”的全新审美追求。这种对技术与审美的辩证关系的阐述，让我认识到，伟大的音乐作品是技术与艺术的完美结合，它们共同推动着音乐向前发展，也为我们带来了无尽的艺术享受。
评分初拿到《西方音乐简史》（An Outline History of Western Music）这本书，我并没有抱有多高的期待，毕竟“简史”这个词常常意味着对细节的取舍和对复杂性的简化。然而，它却出乎意料地给了我一份详实而富有启发性的阅读体验。作者并非简单罗列了各个音乐时期及其代表人物，而是巧妙地将音乐的演变置于更广阔的历史、社会和文化背景之下，让我得以窥见音乐是如何在不同的时代精神和技术条件下生根发芽、枝繁叶茂的。从古希腊时期的理论萌芽，到中世纪宗教音乐的庄严神圣，再到巴洛克时期的华丽繁复，直至古典时期的优雅平衡，最后触及浪漫主义的澎湃情感和现代音乐的多元探索，每一个篇章都仿佛打开了一扇窗，让我看到了隐藏在音符背后的时代烙印。尤其令我印象深刻的是，作者对早期音乐的论述，并未因其“古老”而敷衍，反而花了相当多的笔墨去探讨那些模糊不清的早期记谱法、演唱方式，以及宗教仪式对音乐形态的影响。这让我意识到，我们今天习以为常的音乐规范，其根源是多么深远而复杂。对于像我这样并非音乐专业出身的读者来说，这本书提供了一个极佳的切入点，它既有学术的严谨性，又不失大众的可读性，让我不再视古典音乐为高不可攀的象牙塔，而是能够欣赏其中蕴含的丰富历史情感和人类创造力。
评分《西方音乐简史》在处理音乐与“社会功能”的关系上，提供了一个极为全面的视角。作者并非仅仅将音乐视为纯粹的艺术创作，而是深入地探讨了音乐在不同历史时期所承担的社会功能。他详细阐述了中世纪宗教音乐如何服务于宗教仪式，巴洛克时期音乐如何成为宫廷礼仪和政治宣示的工具，而古典时期音乐又如何随着市民阶级的兴起而逐渐走向音乐厅和公共演出。更令我印象深刻的是，作者在论述浪漫主义时期音乐时，指出了它如何成为个人情感表达、社会批判乃至民族主义的载体。他分析了肖邦的作品如何抒发波兰人民的民族情感，也提到了瓦格纳的作品如何与德国哲学和神话思想相结合。这种对音乐社会功能的深入挖掘，让我认识到，音乐的生命力在于它能够与社会发生深刻的互动，并在此过程中不断地自我更新和发展。这本书让我对音乐的理解不再局限于声音本身，而是将其视为一种重要的社会文化现象，它反映了人类的信仰、情感、思想和愿望。
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