木版画教程

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出版者:河北美术
作者:孙世亮
出品人:
页数:232
译者:
出版时间:2009-5
价格:45.00元
装帧:
isbn号码:9787531026020
丛书系列:
图书标签:
  • 木版画
  • 美术
  • 版画
  • DIY
  • 木版画
  • 版画
  • 绘画
  • 艺术
  • 手工
  • 教程
  • 技法
  • 设计
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具体描述

《木版画教程》讲述了:木版画艺术语言所呈现与生俱来的“刀味”“木味”痕迹,以不可掩饰的刀、版相触的直接性美感,一直是画家们所乐道的。这种带有原始性的质朴之美,多年来吸引着很多画家在版上辛勤刀耕。其中有着困惑、迟疑,也有当慢慢地揭起压印在木版上的画面时所带来的成功的喜悦。

好的,这是一份关于《中国古代陶瓷艺术史》的详细图书简介,完全不涉及《木版画教程》的内容: 《中国古代陶瓷艺术史:从新石器时代到明清的流光溢彩》 作者: 历史与艺术研究集体 出版社: 翰墨轩文化出版社 装帧: 精装典藏版,附高清彩图集与重要器型图录 页数: 1280页(正文1000页,图录280页) 定价: 398.00 元 --- 内容简介:跨越万载的泥土与火焰的史诗 《中国古代陶瓷艺术史》并非仅仅是一部器物鉴赏手册,它是一部深度剖析中国数千年文明进程的宏大叙事。本书以严谨的考古学证据为基石,结合社会学、美学及技术史的视角,全面梳理了中国陶瓷艺术自萌芽之初,直至清代晚期发展成熟的完整脉络。 这部巨著,旨在为读者提供一个立体、多维度的认识平台,理解陶与瓷如何从最基本的生存工具,蜕变为代表国家审美、技术巅峰和文化输出的艺术瑰宝。 第一部分:史前曙光与礼器初探(新石器时代至夏商周) 本书首先将读者带回陶瓷艺术的源头。我们详尽考察了仰韶文化、马家窑文化中那些充满生命力的彩陶图案——那些几何纹样与抽象动物的组合,如何折射出早期氏族社会对自然力量的敬畏与想象。随后,重点转向了龙山文化的蛋壳黑陶,探究其“薄如纸、黑如漆”的制造技术,这不仅是技术的飞跃,更是礼仪制度初现端倪的物证。 进入夏商周三代,陶器逐渐让位于初步的原始青瓷。本部分深入分析了周代礼器制度对早期瓷器造型和装饰的影响,探讨了原始青瓷釉色从不稳定的灰绿到初步稳定的过渡,以及它如何承担起王室与贵族阶层的祭祀与宴飨职能。 第二部分:战汉雄风与南北交融(秦汉至魏晋南北朝) 秦汉时期,陶瓷史迎来了一次重要的技术革新——铅釉的广泛应用与印纹硬陶的成熟。本书详细描摹了汉代“明器”中那些充满生活气息的陶楼、陶俑,它们是研究汉代社会经济结构最直观的史料。同时,我们对汉代青瓷的崛起进行了专题研究,分析了其在技术上如何承接吴越地区的传统,并在全国范围内推广。 魏晋南北朝时期,文化大碰撞的特点在陶瓷上体现得淋漓尽致。我们探讨了佛教艺术对陶瓷造型的深刻影响,如佛像的塑制与莲花纹饰的繁复化。同时,北方“南青北白”的格局如何形成,以及越窑青瓷技术在这一动荡时期的保护与发展,构成了本部分的核心论点。 第三部分:盛唐气象与五代遗韵(隋唐五代) 唐代是中国陶瓷艺术的第一个高峰期。本书用大量篇幅聚焦于长沙窑的创新精神——其大胆的釉下彩绘,引入了中亚、西亚的元素,展现了开放包容的大唐气象。同时,邢窑的白瓷如何被誉为“类雪似月”,确立了唐代南青北白的并驾齐驱之势。 更为关键的是,本书对唐三彩的烧制工艺进行了细致的复原性分析,剖析其三色釉料的化学反应机制,并将其置于唐代贵族丧葬文化的语境中进行解读。五代时期,局部地区的审美进一步成熟,尤其对越窑和定窑的过渡性发展进行了精微的梳理。 第四部分:宋代极致的文人审美(宋代) 宋代是陶瓷美学登上顶峰的时代。本书摒弃了单纯的“五大名窑”罗列,而是将其置于宋代文人士大夫阶层审美趣味的变迁之中。 汝窑: 探讨其“雨过天青云破处”的釉色是如何通过对铁元素精确控制而达成的,以及其“香灰胎”的秘密。 官、哥窑: 重点分析了“开片”这一非完美之美,如何被提升至与玉石品鉴相媲美的哲学高度。 定窑: 研究其覆烧法带来的经济效益与技术限制,以及其覆烧痕迹对后世的启示。 钧窑: 深入剖析其铜元素在还原气氛中产生的窑变效果,这种不确定性如何与宋人“天人合一”的哲学观相契合。 南方瓷窑: 龙泉窑的厚釉青瓷、景德镇的影青(青白瓷)如何开始崭露头角,预示着中国陶瓷的重心南移。 第五部分:世界影响与技术革命(元明清) 元代是陶瓷史上的一次结构性变革。本书强调,元青花(青花瓷)的出现,是高岭土的成熟使用、进口钴料的稳定供应以及景德镇官窑制度的建立这三大因素的合力结果。我们详细对比了不同时期(至正期、洪武期)钴料的产地差异及其对色泽的影响,并探讨了元青花在伊斯兰世界引发的巨大反响。 明清两代,景德镇完全确立了其“瓷都”的霸主地位。 明代: 从永乐宣德时期的雄浑大气,到成化斗彩的精巧细腻,再到嘉靖万历的彩绘爆炸式发展,本书梳理了从“官窑”到“民窑”相互影响、技术相互渗透的复杂生态。 清代: 康熙、雍正、乾隆三朝的制瓷业达到了空前的繁盛。我们不仅关注五彩、粉彩的化学配方革新,更深入探讨了官窑的“督陶官”制度(如康熙朝的臧英选、雍正朝的唐英)在保证质量和推陈出新中所起到的关键作用。书中特别设立章节,分析了清代彩瓷中对西方绘画技法(如光影处理)的吸收与本土化改造。 结语:泥土的文明回响 最后,本书对历代陶瓷的造型演变、纹饰母题(如龙凤、花鸟、山水)的内涵变化进行了总结性的对比分析,并辅以详尽的图录,标注出关键器型的时代特征与尺寸数据。 《中国古代陶瓷艺术史》以其详实的考据和深邃的文化洞察力,成为研究中国工艺美术史、古代物质文化史,乃至中外贸易史的必备参考书。它带领读者亲手触摸那被火焰淬炼了千年的泥土,聆听它们诉说的文明回响。 目标读者: 艺术史研究者、博物馆学专业人士、资深收藏家、对中国传统文化有浓厚兴趣的普通读者。

作者简介

目录信息

绪论木板画教程
上篇木版画艺术发展史
第一章 中国木版雕印术和传统木版画的发展
第一节 木版雕印术溯源
一、中国古代早期的刻、印文化
二、雕印术的发明
第二节 唐、五代时期的木版画与僧俗文化
一、现存最早的唐代雕印木版画
二、五代时期的雕印木板画
第三节 宋、辽、金、元时期雕印术的广泛应用
一、蓬勃发展的雕印业
二、早期独立出来的挂幅木版画
三、取材广泛的雕印书籍插图
第四节 兴盛的明、清时期木版画
一、盛况空前的明代刊印业
二、各地域流派与刻工诸家
三、十竹斋与萝轩的豆版、拱花木版水印艺术
四、清初期木版画与精美的殿版版画
五、雕印业的著名商号与木版水印艺术
第五节 丰富多彩的民间雕版印刷艺术
一、民间木版画的概念辨析
二、各地区的民间木版画
第二章 外国木版画的发展历史
第一节 欧洲木版画的诞生
一、欧洲早期木版画与中国文化的传入
二、15世纪初期欧洲的木版画
第二节 文艺复兴时期的木版画艺术
一、丢勒与他的创世之作
二、文艺复兴时期的其他木版画家
三、明暗套色木版画的出现
四、16世纪后期至17世纪木版画的衰落
第三节 18世纪木版画在欧洲的复兴及日本浮世绘的兴起
一、毕维克和他的木口木刻艺术
二、勃莱克的凸印版画
三、日本浮世绘版画艺术
第四节 19世纪欧洲的木版画艺术
一、法国画家与木刻版画
二、纳比派画家的木版画
第五节 20世纪的现代木版画艺术流派
一、野兽派画家的木版画
二、表现主义画家的木版画艺术
三、现实主义画家柯勒惠支、麦绥莱勒
四、苏联画家的木版画
五、遍及世界的木版画艺术
第三章 中国创作版画艺术的发展
第一节 战争时期的新兴木版画
一、国统区的木版画
二、解放区的木版画
第二节 新中国的新兴版画艺术
一、中国版画家的木版画作品
二、中国的木版画创作群体
三、 当代中国木版画艺术现状木版画教程
下篇木版画的制作
第一章 油印木版画的工具、设备、材料
第一节 木版画的工具、设备、材料
一、印制设备
二、制版材料
三、制版工具
四、印制材料
第二节 黑白木版画技法
一、黑白版画的形式特点
二、木面木刻技法
三、黑白木刻画的练习
四、木口木刻技法
第三节 油印套色木版画技法
一、多版套色制版及印刷
二、绝版套色制版及印制
第四节 油印综合制版技法
一、凹凸兼印技法
二、立粉法
三、拼用技法
第二章 水印木版画的制作
第一节 水印版画的设备、材料、工具
一、印制设备
二、印制材料
三、印制工具
第二节 水印版画的印制
一、画稿与刻版
二、拓印程序
第三节 粉印版画的印制
一、制版技法
二、拓印技法
三、作品的存放木版画教程内容涉及的历史背景与人物注释作品欣赏
主要参考书目
后记
· · · · · · (收起)

读后感

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用户评价

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说实话,我购买这本书的时候,内心是抱着一丝怀疑的态度的,毕竟市面上关于版画的教程汗牛充栋,很多都停留在理论的宏大叙事上,对实际操作的指导往往敷衍了事。然而,《木版画教程》成功地避开了这个陷阱,它将复杂的雕刻过程分解成了若干个极易消化的微小步骤,这种结构上的精妙处理,极大地降低了学习的挫败感。我特别欣赏作者在“墨的艺术”这一章节中所投入的笔墨。他们不仅仅是罗列了油性墨和水性墨的特性,更深入探讨了不同季节、不同湿度对墨层干燥速度的影响,以及如何通过添加媒介剂来调整墨色的透明度和流动性,这对于追求特定视觉效果的进阶学习者来说,简直是宝藏信息。我在尝试套色印刷时,经常遇到套不准的问题,这本书里针对“定位标记法”的讲解非常到位,图例清晰地展示了如何设计和使用辅助定位线,让我告别了过去那种全凭感觉的盲目尝试。总而言之,它提供了一种系统化的、可复现的创作路径,而不是零散的技巧拼凑。

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坦白说,我是一个对“效率”要求很高的学习者,我最担心的是一本教程会用大量篇幅描述如何用极其耗时费力的方式完成工作。然而,《木版画教程》的效率导向设计令人称赞。它在介绍传统手工拓印流程的同时,也详尽地对比了不同类型的手工拓印工具(如肋骨压具、棕刷等)在拓印速度、墨层均匀度和对纸张损伤程度上的差异。最实用的部分在于,它提供了一套行之有效的“快速打样流程”,允许学习者在不完全雕刻完成的情况下,通过局部沾墨和拓印,快速验证构图和刀法是否达到预期效果,大大缩短了从设计到成品之间的试错周期。我过去在尝试复杂构图时,经常因为一个细微的笔触失误而导致整版报废,但书中介绍的“分块雕刻与临时拼版”的方法,真正解决了大型作品中校准和修复的难题。这本书在提供深厚技术基础的同时,也为追求创作效率的现代艺术家提供了极具前瞻性的解决方案。

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我是一位平面设计师,最近想拓展一下艺术创作的维度,希望能将版画的质感融入到我的数字作品中,所以需要一本既有深度又不失前沿视野的教程。《木版画教程》在这方面展现出了令人赞叹的平衡感。它并没有固步自封于传统木刻的范畴,而是花了不少篇幅探讨了“非木质材料的替代性应用”,比如PVA板、泡沫板等现代材料在模拟木版肌理上的潜力,这对于现代工作室环境非常友好。更让我眼前一亮的是,书中关于“拔染技术”(Lift-off Technique)的探讨,详尽地阐述了如何利用化学试剂在印刷后的纸张上创造出微妙的、富有光影变化的纹理,这种对印刷“后处理”的重视,在很多入门书中是看不到的。此外,书中对不同版材的收缩率和形变规律也有科学的分析,这对我日后进行多版套色或大型画面的制作具有极强的指导意义。这本书的视角是立体的,它既尊重了历史的雕刻传统,又积极拥抱了当代材料科学的进步。

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这本书的语言风格异常沉稳、考究,读起来很有老派匠人的那种扎实感。它不是那种轻快的“十分钟学会做版画”的快餐指南,而是更像一本博物馆里的典藏工具书。内容深处,蕴含着对“慢艺术”的推崇。例如,在讨论雕刻刀具的保养时,作者用了足足一页纸的篇幅来讲解如何通过正确的打磨角度和油石选择来维持刀刃的“锋锐度”,并阐述了锋利度与雕刻者手感之间的哲学联系,强调耐心是最好的工具。这种对细节的执着,潜移默化地影响着读者的创作态度。此外,书中收录的几个不同风格的大师作品分析章节,不仅仅是简单的图片展示,而是深入剖析了艺术家是如何利用木材本身的纹理走向来引导观者的视线,以及如何通过控制刀痕的疏密来实现画面的空气感和景深。这些深入的艺术赏析和技术解析的结合,让这本书的价值远超一本单纯的“操作手册”。

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这本《木版画教程》简直是为我这种零基础的爱好者量身定做的启蒙读物!我一直对那种带着朴拙美感的版画情有独钟,但总觉得技术门槛太高,望而却步。这本书的编排极其清晰,从最基础的材料准备——什么纸张最适合吸墨,哪种刀具握持感最好——都讲得细致入微,仿佛旁边有一位经验丰富的老匠人在手把手地教你。尤其让我惊喜的是,它没有一味地堆砌理论,而是大量采用了图文并茂的步骤解析。比如,在介绍“线刻”技巧时,作者不仅展示了不同角度刀具刻出的线条粗细和深浅变化,还贴心地标注了力度控制的要点,我按照书中的指示,第一次尝试就能刻出相对干净利落的线条,而不是新手常犯的锯齿状边缘。对于如何处理阳刻和阴刻的细节差异,以及如何确保油墨均匀分布在雕刻面上,书中的“故障排除”部分简直是救星,很多我原本以为是自己操作失误的问题,原来是工具或材料没选对。读完前几章,我已经跃跃欲试,准备开始我的第一个创作项目了,这本书的实操性远超我预期的水平。

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很好的专业书籍。

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很好的专业书籍。

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