铜版画简明教程 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:上海大学出版社

作者:易阳

出品人:

页数:94

译者:

出版时间:2006-9

价格:32.00元

装帧:简裝本

isbn号码:9787562230571

丛书系列:

图书标签:

• 版画
• 機器
• 手工
• 铜版画
• 绘画
• 艺术
• 技法
• 教程
• 手工
• DIY
• 版画
• 艺术创作
• 绘画入门

好的，以下是一份关于《铜版画简明教程》的图书简介，完全聚焦于该书的其他可能涵盖的主题内容，避免提及铜版画本身及其教程的任何细节： --- 艺术的拓扑与形塑：西方古典雕塑的演变与技法深度解析 内容提要 本书并非一部关于平面印刷艺术的指南，而是深入探索西方雕塑艺术史中，从古希腊的理想主义巅峰，到文艺复兴的复兴浪潮，直至巴洛克时期的戏剧性张力之间的宏大叙事。它以雕塑材料的物理特性为切入点，系统梳理了不同时代艺术家如何利用大理石、青铜、木材乃至软石等媒介，实现从自然摹想到精神象征的艺术跨越。全书力图揭示雕塑作品背后隐藏的结构力学、光影捕捉技术以及文化意识形态的深刻联系。 第一部分：基石的构建——古希腊与罗马的形体哲学 本部分聚焦于西方雕塑艺术的源头活水。我们摒弃对古典主义的肤浅赞美，转而剖析其背后的技术逻辑。 1.1 理想化的解剖学：从“僵硬”到“生命力”的过渡 详细分析古风时期（Archaic Period）雕塑（如库洛斯像）的正面性约束和技术局限。随后，深入探讨古典盛期（High Classical Period）雕塑家，如菲狄亚斯和波留克列特斯，如何通过“对立平衡”（Contrapposto）原理，在静态的石材中注入了动态的生命感。书中将借助现代断片分析，探讨早期“比例系统”（Canon）的数学基础及其对人体形态的约束与解放。 1.2 铸造的奇迹：青铜技术的早期应用与损耗 重点考察青铜雕塑在古希腊和罗马时期的技术飞跃。书中将详细阐述失蜡法（Cire Perdue）的早期操作流程，包括模型制作、蜡模的精确刮削以及陶范的合范技术。此外，还会讨论青铜的合金配比如何影响最终作品的耐久度和表面氧化效果，并分析大量珍贵青铜原作失传背后的工艺脆弱性。 1.3 肖像的权力：罗马纪念性雕塑的叙事功能 罗马部分着重于写实主义（Verism）的兴起，探讨雕塑如何从神祇崇拜转向对现世权力的记录。分析奥古斯都时代纪念碑上的浮雕技法，特别是多层次透视法在二维平面上营造三维空间深度的努力。对比帕拉蒂尼山的皇帝胸像，研究其如何通过发型、面部特征的精确刻画，来构建政治话语。 第二部分：断裂与重构——中世纪的象征与文艺复兴的回归 中世纪的雕塑往往被视为古典传统的停滞，但本书强调其在叙事功能和空间布局上的独特贡献。 2.1 光与影的对话：中世纪哥特式建筑中的雕塑集成 分析哥特式大教堂立面上雕塑群的垂直拉伸趋势，以及它们如何与建筑的骨架系统（飞扶壁、肋拱）相互作用。重点研究尖拱造型对人物姿态的影响，以及教会如何利用雕塑对“天国故事”进行视觉化的布道。探讨在光线有限的室内环境中，雕塑表面处理（如彩绘或镀金）对提升象征意义的重要性。 2.2 湿润的肌理：文艺复兴对“可触摸性”的迷恋 聚焦于多那太罗和米开朗基罗，研究他们如何“解放”被建筑束缚的雕塑。书中深入解析大理石的“湿润感”处理——艺术家如何通过不同精细度的凿刻和打磨，使冰冷的石头呈现出皮肤的温度和弹性。特别剖析米开朗基罗对“未完成”（Non Finito）手法的运用，探讨其对材料阻力的主动承认与利用。 2.3 细节的复兴：石膏模型与小尺度雕塑的兴盛 考察文艺复兴时期，由于设计草图和委托需求的增加，泥塑模型（Terracotta）和小型青铜雕像的制作技术如何成熟，它们作为研究人体动态的工具，对大型作品的最终完成起到了怎样的决定性作用。 第三部分：动态的爆发与材料的实验——巴洛克至新古典主义的张力 本部分探讨雕塑如何从静态的完美追求，转向对情感瞬间、动态捕捉的狂热。 3.1 情绪的瞬间捕捉：巴洛克雕塑中的剧场效应 以贝尔尼尼为核心，分析其如何利用多角度观赏性和戏剧性的衣褶处理，打破文艺复兴时期的沉静。书中将详细拆解其作品中高速运动的视觉效果是如何通过对大理石的“切割性”打磨和对光线的精心导引来实现的，探讨其如何将雕塑提升至一个“表演的舞台”。 3.2 物质的转化：木材雕刻的精细技艺与地域差异 尽管大理石占据主流，本章仍关注木雕在特定地域（如西班牙、中欧）的繁荣。对比木材与石材在纤维方向、抗拉伸性和表面吸光性上的差异，分析工匠如何利用木材的自然纹理来增强宗教场景的真实感或神圣感。 3.3 对回归的渴望：新古典主义的技术回归与材料的“纯洁化” 探讨在新古典主义时期，艺术家们（如卡诺瓦）如何有意识地“去除”巴洛克时期的动态痕迹和色彩痕迹，追求大理石的冷峻与均匀。分析他们如何回归到对古典主义的理论原型的模仿，以及这对后续雕塑材料处理理念产生的影响。 结论：雕塑语汇的持续迭代 本书最后总结了从硬质材料到软性材料，从纪念性到个人表达的漫长技术演进史，为读者提供一套理解雕塑艺术的结构化、技术驱动的分析框架。它旨在培养读者对物质媒介与艺术表达之间复杂关系的深刻洞察力。

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这本书的版式设计真的让人有些困惑，信息量很大，但组织得略显松散。我发现自己需要反复查阅目录才能找到特定的内容点。比如，关于如何清洗和保养铜板的细节，被分散在了前期的准备章节和后期的清洁章节里，缺乏一个集中的处理。从内容上看，它似乎试图涵盖所有类型的铜版画——从点刻到平版腐蚀，但结果是，很多关键步骤的处理深度都略显不足。例如，在讨论如何处理水印（Toning）时，篇幅很短，只是简单提到了几种方法，但缺乏对不同水印效果如何与特定图像风格相匹配的深入分析。对于我这种对色彩和纹理变化有较高要求的读者来说，这本书更像是一个框架性的介绍，它告诉你“可以这样做”，但往往没有详细解释“为什么你**应该**这样做”或者“不同做法带来的细微差别在哪里”。所以，如果想把它作为一本唯一的参考书，可能会觉得在关键的艺术决策点上火力不够集中。

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老实说，我期待的是一本更侧重于艺术史梳理或者当代铜版画名家案例分析的读物，但这本书的侧重点显然完全不同，它更像是一本操作手册，一本扎扎实实的“手艺指南”。它的语言风格非常直接、务实，几乎没有空泛的理论阐述，所有的描述都紧密围绕着“如何做”和“为什么这样做”。比如，在讲解如何进行深腐蚀时，作者会详细分析不同酸液的腐蚀速度差异，以及如何通过控制时间来调整线条的深浅和粗细，这种对细节的把控，对于追求精准度的制版人来说，简直是福音。我尤其欣赏它对安全注意事项的强调，在涉及化学腐蚀的环节，旁注了大量关于通风、防护用品选择的提示，体现了作者的专业和负责任。这本书的优点是极高的实用性，缺点可能在于，如果你是想了解铜版画的历史流变或者哲学内涵，这本书可能无法提供你想要的那种深度思考空间，它专注于技术本身，并且把技术讲得透彻。

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这本书的装帧设计很有意思，封面那种泛着点微光的纸张质感，摸上去就让人联想到那些老式的印刷厂。我本来对铜版画这种技术感到有点高深莫测，总觉得需要一套非常专业的设备和环境才能上手。但翻开这本书，它的排版风格非常清新，大量使用了清晰的图示和步骤分解，这点很加分。它没有一开始就抛出一大堆复杂的术语，而是像一个耐心的老师，手把手地引导读者进入这个领域。特别是对于初学者来说，如何正确地准备金属板材、如何调配蚀刻液的浓度，这些基础又关键的环节，作者都处理得非常细致入微。我记得其中有一章专门讲了不同刀具在铜板上刻划时产生的线条变化，配的样图效果对比非常直观，让我立刻就能理解不同工具的特性。这本书的逻辑性也很强，从基础的平版准备到最后阶段的油墨涂布和拓印过程，层层递进，让人感觉每一步都是水到渠成，而不是被生硬地塞入知识点。那种想要立刻动手尝试一下的冲动，是这本书最成功的地方。

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这本书的插图质量是它最值得称道的地方之一，几乎每一页都有相关的视觉辅助，这对于理解复杂的物理过程至关重要。我发现它最棒的一点是，它将现代的材料和技术也融入了进来，而不是仅仅停留在传统的化学腐蚀工艺上。比如，它提到了使用现代的光敏抗蚀剂（Photoresist）来制作复杂的影调，这对于想将摄影技术融入铜版画创作的创作者来说，简直是一本及时的雨露。书中对曝光时间和显影过程的控制给出了非常具体的参数范围，这些是传统书籍中很少会涉及到的实战数据。整体阅读下来，给我的感觉是，这本书的作者显然是一位经验丰富、并且紧跟时代步伐的实践者。它不是一本理论大全，而是一本让你能够立刻带着它进入工作室，边看边操作的实用工具书。它成功地架起了传统工艺与当代创作手段之间的桥梁。

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我是一个有着数十年绘画经验的艺术家，一直想尝试拓展我的版画技能，特别是那种精细、有层次感的铜版画效果。市面上很多入门书籍对我们这种有基础的人来说，内容显得过于基础和重复。然而，这本书在处理一些进阶技巧时，展现出了它独特的价值。它没有停留在简单的划刻层面，而是深入探讨了滚压（Burnishing）和擦印（Wiping）这两项决定最终画面质感的关键技术。作者用非常精准的词汇描述了滚压时对线条边缘的处理，以及在擦印过程中，如何利用布料的纹理来控制油墨在凹槽中的残留量，从而达到那种微妙的灰调层次。对我来说，书中关于如何利用不同硬度的纸张来适应铜版画的压力特性这一点，提供了很多有价值的参考。它不是那种教科书式的冷硬叙事，而是带有一种老匠人之间交流经验的口吻，让人感觉非常亲切，也更容易接受那些经过时间检验的“小窍门”。

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应该叫铜版画概论

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