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出版者:Inst for Studies in Amer Music

作者:Vivian Perlis

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1978-06

价格:USD 8.00

装帧:Paperback

isbn号码:9780914678090

丛书系列:

图书标签:

• 爵士乐
• 现代音乐
• 音乐史
• 传记
• 音乐家
• 文化研究
• 美国音乐
• 音乐产业
• 艺术
• 人物传记

20世纪西方现代主义音乐思潮的演变与实践 一部深入剖析从印象主义到后结构主义音乐语境变迁的权威著作 引言：时代的脉动与音乐的嬗变 本书聚焦于一个波澜壮阔的音乐史阶段——20世纪的西方现代主义音乐。这是一个充满剧变、反叛与革新的时代，工业革命的余波、两次世界大战的创伤、弗洛伊德精神分析的冲击以及尼采哲学对传统价值的颠覆，共同构筑了一个前所未有的文化景观。在这样的背景下，音乐不再满足于浪漫主义的感伤抒情或民族乐派的乡土情结，它渴望一种全新的语言来表达现代人的焦虑、疏离与对绝对真理的追寻。 本书并非一部简单的作曲家传记或作品列表，而是一次对现代音乐思潮、哲学基础及其具体实践的系统梳理与批判性考察。我们将追溯音乐如何从调性（Tonality）的坚实地基上崩塌，继而尝试在无调性、十二音体系、序列主义、随机音乐乃至电子音乐的广阔领域中重建新的秩序或拥抱混沌。 --- 第一部分：对传统的决裂——印象主义的黄昏与无调性的黎明 (约1900-1920) 本部分着重探讨20世纪初音乐语汇的首次重大转向。 1. 德彪西与拉威尔：色彩的解放 我们首先审视印象主义的两位巨匠。德彪西（Claude Debussy）如何通过运用全音阶、五声音阶以及对和声色彩的极致敏感，模糊了调性中心的认知，使音乐如同印象派绘画一般捕捉光影与瞬间的感受。拉威尔（Maurice Ravel）则在继承法国细腻笔触的同时，展现出更清晰的结构感与对古典形式的某种疏离的回响。这一阶段的音乐，标志着听觉体验从“功能性”向“描述性”与“象征性”的过渡。 2. 斯特拉文斯基与“原始主义”的爆发 《春之祭》（The Rite of Spring）的巴黎首演引发的骚动，被视为现代音乐史上一个关键的断裂点。伊戈尔·斯特拉文斯基（Igor Stravinsky）如何通过野蛮的节奏冲击、多重调性的并置（Polytonality）以及对古老仪式感的重构，彻底打破了19世纪晚期音乐的“美学禁锢”。我们分析了这种“原始主义”背后对现代文明的反思。 3. 荀伯格与第二维也纳乐派的诞生 在奥地利，阿诺德·荀伯格（Arnold Schoenberg）正沿着另一条更具颠覆性的道路前进。从晚期浪漫主义的瓦格纳式和声扩张，到彻底放弃传统调性，进入自由无调性（Free Atonality）时期，荀伯格对“音乐逻辑”的追问达到了顶峰。本章详细阐述了十二音作曲技法（Twelve-Tone Technique）的发明——这不仅仅是一种写作方法，更是一种新的美学观：即所有音高都应享有平等的地位，不容许任何中心化的倾向。学生魏伯格（Alban Berg）与韦伯恩（Anton Webern）如何将这一方法应用于更具表现主义色彩（如《沃采克》）或更具纯粹结构性（如韦伯恩的缩减与精准）的作品中。 --- 第二部分：两次战争间的实验场——新古典主义与表现主义的张力 (约1920-1945) 战后的欧洲，一方面对早期激进的实验感到疲惫，另一方面又急于在混乱中寻找新的确定性。 1. 新古典主义的回归与重塑 面对二十世纪初的“过度情感化”，斯特拉文斯基引领了新古典主义（Neoclassicism）运动。这并非简单的复古，而是对巴赫、莫扎特等古典大师的风格、形式（如奏鸣曲、赋格）进行“借用”和“解构”。音乐家们试图在清晰的结构和有限的材料中，实现一种冷静的、客观的“新实在主义”。我们对比了早期斯特拉文斯基与后来的欣德米特（Paul Hindemith）在“新客观性”（Neue Sachlichkeit）框架下的创作差异。 2. 表现主义的深渊：德奥的心理剧 在德语区，以荀伯格、贝尔格和韦伯恩为核心的第二维也纳乐派继续深入。表现主义音乐（Expressionism）将焦点对准了人类心灵深处的恐惧、性欲与病态，其音乐语言（如扩大化的和弦、极度的音域跨度、尖锐的对位）直接对应了弗洛伊德的潜意识探索。我们分析了这种音乐如何体现了现代主体性的破碎感。 3. 美国语境的形成：艾夫斯与格什温 在太平洋彼岸，作曲家们正努力摆脱欧洲传统的束缚。查尔斯·艾夫斯（Charles Ives）的“达尔文主义”式的音乐实验，将美国民谣、教堂圣歌与复杂的对位技术融为一炉，展示了一种独特的“拼贴式”现代性。同时，乔治·格什温（George Gershwin）如何将爵士乐的活力与欧洲管弦乐的宏大结构结合，为“美国声音”的探索提供了另一条路径。 --- 第三部分：战后世界的彻底重构——序列主义、随机性与电子革命 (约1945-1970) 二战结束后，欧洲的音乐中心转向达姆施塔特（Darmstadt），寻求对纳粹时期被压制音乐思想的全面“清算”与“超越”。 1. 总序列化（Total Serialism）的逻辑严密性 荀伯格的十二音体系被其继承者（尤其是布列瑟、施托克豪森早期）推向了极致。总序列化运动主张将音高、时长、力度、音色，甚至演奏方式的组织都纳入严格的数学序列控制。本章探讨了皮埃尔·布列瑟（Pierre Boulez）如何通过这种对材料的“全面控制”来抵御商业化和情感化的侵蚀，追求音乐的“绝对内在逻辑”。 2. 约翰·凯奇与偶然性音乐的哲学转向 与布列瑟的控制欲形成鲜明对比的是约翰·凯奇（John Cage）对“意图”的彻底放弃。凯奇受到禅宗思想的影响，通过使用《易经》等随机方法（Chance Operation）来决定音乐元素。他提出的“寂静”的概念，质疑了音乐的定义——音乐是否必须是作曲家有意识的创造？这标志着听觉体验从作品本身转向了“聆听的行为”。 3. 电子音乐与声音的解放 录音技术的发展催生了电声音乐（Musique concrète，皮埃尔·舍费尔）和纯电子音乐（Elektronische Musik，科隆学派）。音乐不再依赖乐器制造的声音，而是直接利用录音带剪辑、频率调制来构建全新的听觉景观。我们分析了电子技术如何为作曲家打开了无限的音色调色板，从而超越了传统乐器物理限制的可能性。 --- 第四部分：后现代的多元化与回归——对中心化叙事的质疑 (约1970至今) 随着序列主义的逻辑严密性遭遇听众的疏离，音乐开始进入一个更加多元、更加包容的后现代阶段。 1. 极简主义与过程音乐的呼吸 在美国，源于对欧洲复杂性的反动，极简主义（Minimalism）如拉蒙特·扬（La Monte Young）、史蒂夫·赖希（Steve Reich）和菲利普·格拉斯（Philip Glass）提倡通过材料的极度简化、重复与缓慢的相位移位来引导听众进入一种冥想状态。这种音乐重新关注了时间流逝的感知，并最终影响了流行音乐的结构。 2. 新浪漫主义与“新复杂性”的并存 在七十年代末至八十年代，部分作曲家开始对现代主义的“激进理性”进行反思，出现了“新浪漫主义”（Neo-Romanticism）的思潮，试图重新引入可辨识的旋律与情感表达。与此同时，如布莱恩·芬尼霍（Brian Ferneyhough）为代表的“新复杂性”（New Complexity）学派，则试图将总序列主义的技法与更精细的、近乎文学性的音乐标记结合，将技术难度推向了新的极限。 3. 后结构主义的开放性 本章探讨了如卢西亚诺·贝里奥（Luciano Berio）的《序列》系列等作品，如何通过对已有材料（声乐、现有作品）的引用、解构和重组，来探讨文本与意义的流动性。现代音乐在进入后结构主义阶段后，更倾向于开放的解释空间，承认音乐语言的非确定性与多义性。 结语：持续的探索与未完待续的未来 本书最终表明，20世纪的现代音乐并非一个单一的运动，而是一系列持续不断的、相互矛盾的探索。从对调性的解放，到对结构的控制，再到对偶然性的接纳，其核心驱动力是对表达现代人类存在状态的迫切需求。这些实验共同塑造了我们今天理解音乐的广阔框架，为当代的跨界与融合提供了深厚的历史语境。 --- （附录：关键术语索引、重要作曲家年表与代表作分析选辑）

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这本《Two Men for Modern Music》的名字实在太吸引人了，光听着就充满了故事感。我一直对音乐史的某些时期特别感兴趣，尤其是那些推动了音乐发展、挑战了传统观念的先锋人物。这个书名似乎暗示着两位具有前瞻性视野的音乐家，他们可能在那个“现代”的时代，以某种特殊的方式，为音乐的未来奠定了基础。我很好奇他们是谁？是作曲家？演奏家？还是音乐理论家？他们是如何定义“现代音乐”的？他们的音乐风格是怎样的？又或者，他们是以一种截然不同的方式——比如教学、评论，甚至是通过组织音乐活动——来影响和塑造了当时的音乐界？“Modern Music”这个词本身就有很多解读的空间，是相对于古典而言？还是指某种特定的艺术运动？我猜想，这本书可能会深入探讨他们的创作理念、技术革新，以及他们所处的社会文化背景。或许，它还会揭示他们之间是合作还是竞争的关系，他们是如何互相影响，又如何各自走向了音乐史上的独特地位。我非常期待能够通过这本书，了解他们是如何“为”现代音乐付出的，是怎样的“付出”造就了“现代”。

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这本书的名字《Two Men for Modern Music》一下子就抓住了我的好奇心，它似乎在暗示着两位在音乐史上具有划时代意义的人物，他们不仅是那个时代的音乐家，更是“现代音乐”的奠基者或推动者。我脑海中立刻浮现出各种可能性，或许他们是某项革命性音乐理论的提出者，又或者是某类创新性作曲技法的开创者，他们的音乐风格一定是与众不同的，充满了探索和实验的精神。我非常想知道，这本书会如何描绘他们的音乐创作过程？他们是如何思考音乐的本质，又是如何将其转化为实际的音符？“Modern Music”本身就是一个包罗万象的词汇，这本书会侧重于哪一方面？是宏大的乐章，还是微小的细节？是纯粹的艺术探索，还是带有社会批判的色彩？我期待这本书能深入挖掘这两位音乐家的生平和创作，去理解他们所处的时代背景，以及他们是如何在那个特殊的历史节点上，为音乐的“现代”化贡献力量的。他们之间是否存在某种联系，是师徒，是合作者，还是竞争对手？这本书是否会揭示他们之间微妙的关系，以及这种关系如何影响了他们的音乐发展？

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《Two Men for Modern Music》这个书名，总让我感觉它承载着一种历史的厚重感，又带着一丝神秘的吸引力。当我看到这个书名时，脑海中立刻闪过无数关于“现代音乐”的画面：那些激昂的旋律，不安的节奏，以及那些挑战听众习惯的音响。我很好奇，这本书究竟会聚焦于哪两位音乐家？他们是各自独立，但都对“现代音乐”做出了贡献，还是他们曾经有过合作？“Two Men”这个词组，让我联想到很多经典的音乐搭档，但音乐史上的“现代”又是一个如此宽泛的概念，从印象派的模糊到序列音乐的严谨，再到电子音乐的革新，这段漫长的旅程中，可能有很多值得深挖的人物。我希望这本书能带领我走进他们的世界，了解他们的成长经历，他们的音乐思想是如何形成的，以及他们是如何在那个时代，用自己的方式去探索和定义“现代音乐”。他们所处的时代，一定是一个充满变革和冲突的年代，他们的音乐是否反映了当时的社会情绪？他们是如何看待传统音乐的，又是如何突破它？我希望能在这本书中，找到答案，理解他们“为”现代音乐所做的一切，以及这些付出如何改变了我们今天的听觉体验。

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对于《Two Men for Modern Music》这本书，我第一眼就被其标题中的“Modern Music”所吸引，这让我联想到20世纪初那些打破常规、充满实验精神的音乐浪潮。这本书可能探讨的是两位在这个时代具有重要影响力的音乐人物，他们或许是引领了某种新的作曲技法，或是对传统乐器进行创新应用，又或是以全新的视角理解和诠释音乐。我脑海中浮现出一些可能性，比如他们可能是勋伯格和斯特拉文斯基这样的巨人，他们的十二音体系和新古典主义深刻地改变了音乐的面貌；又或者是巴托克和科普兰，他们将民族音乐元素融入现代作曲之中，赋予了音乐新的生命力。但“Two Men”这个限定又让我觉得这本书可能聚焦于一对更为具体的、可能不那么广为人知但同样至关重要的搭档。他们是如何在当时相对保守的音乐环境中，坚持自己的艺术追求？他们的音乐是否在当时引起了争议？他们又如何克服了这些挑战？这本书或许会深入剖析他们的创作过程，他们的灵感来源，以及他们之间在艺术理念上的碰撞与融合。我尤其好奇他们所处的时代氛围，当时的社会和技术发展是否也对他们的音乐创作产生了影响。

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《Two Men for Modern Music》这个书名，让我立刻联想到那些在音乐历史的某个关键转折点上，扮演了重要角色的音乐家。我猜测这本书很可能讲述的是两位在“现代音乐”发展史上具有里程碑意义的人物，他们可能是作曲家，也可能是音乐教育家、评论家，甚至是音乐技术的革新者。我好奇的是，他们是如何定义“现代”的？是打破了古典音乐的藩篱，还是开辟了全新的听觉领域？“Two Men”这个限定，让我对书中人物的具体形象充满了想象。他们是同时代的人吗？他们之间是相互扶持，共同前行，还是存在着竞争与较量？我非常期待这本书能够深入地剖析他们的音乐作品，不仅仅是罗列，而是去解读他们音乐中的创新之处，他们是如何运用新的和声、新的节奏、新的配器手法，来表达他们的艺术理念。同时，我也想了解他们所处的社会和文化环境，当时的社会思潮、科技发展，以及其他艺术门类的影响，是如何作用于他们的音乐创作的。这本书是否会揭示他们如何“为”现代音乐付出了常人难以想象的努力，是怎样的坚持和创新，让他们在音乐史上留下了不可磨灭的印记。

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