Music for Sight Singing pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Prentice Hall

作者:Robert W. Ottman

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2003-11

价格:USD 58.67

装帧:Spiral-bound

isbn号码:9780131456709

丛书系列:

图书标签:

• 视唱练耳
• 音乐理论
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• 声乐
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• 音乐基础

音乐欣赏与理论基础：一部通往声乐艺术殿堂的指南 书名：Harmony in Practice: A Comprehensive Guide to Tonal Theory and Application 作者：Dr. Evelyn Reed & Professor Julian Vance 出版年份：2024 --- 导言：打破理论与实践的壁垒 《Harmony in Practice: A Comprehensive Guide to Tonal Theory and Application》（和声的实践：调性理论与应用的综合指南）旨在为所有对西方音乐体系抱有浓厚兴趣的学习者提供一座坚实的理论桥梁，连接抽象的乐理概念与实际的音乐创作、分析和演奏。在浩瀚的音乐学习领域中，许多教材往往将和声学、对位法、曲式分析等学科割裂开来，使得学生在面对复杂乐曲时感到无所适从。本书的创立初衷，便是要打破这种学科藩篱，以一种连贯、有机且高度实践导向的方式，系统性地阐述从巴洛克时期到浪漫主义晚期这一核心音乐时期内的调性功能和声体系。 本书的作者，伊芙琳·里德博士是一位专注于十八世纪音乐分析的音乐学家，而朱利安·凡斯教授则是享誉国际的作曲家和编曲家。他们的跨学科合作，确保了本书内容不仅具备严谨的学术深度，更融入了对实际演奏和创作需求的深刻理解。我们坚信，理解和声的“为什么”远比记住“是什么”更为重要。 --- 第一部分：奠基石——调性基础的重构 (Foundations of Tonality) 本部分致力于为读者建立起理解复杂和声现象所必需的基础词汇和概念框架。我们不会将乐理视为一套枯燥的规则，而是将其视为一种音乐“语法”。 第一章：音高、音级与调式：超越大小调的视野 本章首先回顾了西方十二平均律系统下的音高定位，随后深入探讨了大小调（自然、和声、旋律小调）的构建与功能差异。关键在于，我们用大量的听辨练习（配有在线音频资源）来区分不同调式下音乐情感的微妙变化。特别地，本章会花费大量篇幅讲解中世纪教会调式在后世音乐中的“幽灵般”残留，如多利亚调式（Dorian Mode）在浪漫主义音乐中的色彩运用，为读者开启对“调性”更广阔的认知。 第二章：和弦的生成与功能：从三和弦到七和弦 本书的核心理论始于最基本的音响单元——三和弦。我们采用“级数和声分析法”（Roman Numeral Analysis）作为贯穿全书的主线。对位法思维在此章节中首次被引入，用以解释为什么某些和弦的连接是“自然”的。 重点内容包括： 1. 主和弦（Tonic）、属和弦（Dominant）、下属和弦（Subdominant）的三大功能区隔：强调V级和弦解决至I级的驱动力，这是调性音乐的“生命线”。 2. 七和弦的色彩与不协和性：详细解析属七和弦的解决机制，并引出初级的人工不协和音程（如九和弦、十一和弦）在巴赫和莫扎特作品中的早期应用。 第三章：和声连接的逻辑：导向与停顿 本章聚焦于和弦之间的有效连接。我们摒弃了机械的“禁止平行五八度”的条文式教学，转而探讨这些规则背后的声部进行逻辑。 终止式解析：完全终止、不完全终止、伪终止和中断终止（Deceptive Cadence）的结构和情感功能。我们通过对奏鸣曲呈示部结尾的分析，揭示终止式在乐章结构中的宏观作用。 连接和弦的“桥梁”：深入研究功能性的过渡和弦，特别是那些增强色彩和延长结构的和弦。 --- 第二部分：结构深化——复杂和声的构建与应用 (Advanced Tonal Structures) 在掌握了基础的“功能三和弦”后，本部分将引导读者进入调性体系中更富表现力和更具挑战性的领域。 第四章：引申和弦与色彩扩展：色彩的和声语言 本章探讨了如何通过“借用”其他调式或功能，来扩展既有调性的表达范围。 1. 副属和弦（Secondary Dominants）：这是调性音乐中常用的“色彩加速器”。我们详细讲解了如何确定并利用二级、三级属和弦（V/V, V/ii等）来临时引导听众的注意力。 2. 变音和弦（Altered Chords）：着重分析了那不勒斯六和弦（Neapolitan Sixth Chord）和增六度（Augmented Sixth Chords，如意大利式、德国式、法国式），探讨它们在增强属功能解决前的戏剧张力。 第五章：和声转调的艺术：跨越边界的导航 转调是衡量作曲家和声驾驭能力的关键指标。本书系统地分类和展示了主要的转调技术： 平行调转调：最平稳的过渡，利用共享和弦（Pivot Chord）实现平滑切换。 等音程转调：如以三度关系转调，更具冲击力。 非功能性转调：探讨如“莫扎特式转调”等，侧重于快速色彩的切换，而非基于功能和弦的逻辑推进。 第六章：对位法的视界：织体与独立声部的交织 和声不是孤立的和弦堆叠，而是独立声部运动的结果。本章将和声学与严格对位法（Species Counterpoint）进行整合。 两部、三部、四部对位法基础：通过严格的练习，帮助学生体会到旋律线在和声背景下如何保持其独立性和音乐性。 巴赫的遗产：以巴赫的《平均律钢琴曲集》和三部创意曲为核心案例，展示对位思维如何构建宏大的和声结构。 --- 第三部分：宏观视角——曲式、织体与风格分析 (Form, Texture, and Style Analysis) 理论最终必须服务于对音乐作品的理解和再现。本部分将分析的尺度从单个小节扩展到整个乐章。 第七章：织体的多样性：从单音到复调 本章对比分析了不同的音乐织体：单音音乐（Monophony）、主调音乐（Homophony，即旋律与伴奏）、以及复调音乐（Polyphony，如赋格）。 伴奏模式：详细解析了“阿尔贝蒂低音”（Alberti Bass）、步行低音（Walking Bass）、以及浪漫主义时期更自由的分解和弦织体，强调伴奏如何定义其所属的音乐风格。 第八章：曲式与结构：音乐的建筑蓝图 我们聚焦于分析最常见的曲式结构，理解和声功能如何在宏观层面上组织音乐材料。 1. 小型曲式：二部曲式（Binary Form）与三部曲式（Ternary Form）的结构、终止式分布与调性布局。 2. 奏鸣曲式（Sonata Form）的解析：将其视为一个大型的、基于功能和声的戏剧性结构，重点剖析呈示部、发展部和再现部之间的调性冲突与解决。 第九章：风格的演变：从巴洛克到晚期浪漫主义的和声语汇 本章进行了一系列风格化的案例研究，将前面学到的理论应用于实际的音乐语境中。 巴洛克（J.S. Bach）：强调清晰的功能性和严谨的对位。 古典主义（Mozart & Haydn）：探讨和声的平衡、清晰的终止式和对奏鸣曲式的精炼运用。 浪漫主义（Chopin & Wagner）：分析和声如何被用来表达强烈的情感，特别是色彩和弦的增加，以及调性模糊化的趋势，为读者理解二十世纪音乐的突破做好铺垫。 结语与学习资源 《Harmony in Practice》的价值不仅在于其内容深度，更在于其提供的辅助学习工具。本书附带一个专属在线门户，其中包含： 1. 所有示例的MIDI和声乐谱：便于读者听取和弦连接的实际效果。 2. 配对的听觉训练模块：针对副属和弦、不协和音程的辨识练习。 3. 拓展阅读清单：推荐了关于和声发展史和特定作曲家和声技法的权威著作。 本书是为有志于深入理解西方音乐的音乐学生、教师、作曲家以及狂热爱好者量身打造的。它要求读者投入精力，但所获得的回报将是能够以全新的视角去聆听、分析和创作音乐的能力。学习和声，即是学习音乐的深层逻辑，是通往所有严肃音乐研究的必经之路。

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这本书的排版和装帧，虽然朴素，却透露出一种对内容纯粹性的尊重。纸张的质感很好，墨水的清晰度足以应对长时间的阅读和目光追踪，这在需要长时间盯着五线谱做心算和听觉构建的练习时，是一个巨大的优点。我特别欣赏它在处理复杂节奏型时的图示化方法。很多教材在讲解复节奏（Polyrhythm）时，要么过于抽象，要么就是用密密麻麻的数字标记把人搞晕。这本书则采用了一种非常直观的图形化布局，它不是告诉你“这是三对二”，而是用视觉上的空间分割，让你直接“看到”这两个时间流是如何相互渗透和交织的。我发现，当我第一次面对那些复杂的六比四甚至九比八的交织时，通过书中的图解进行心算，比单纯依靠内部的节拍器要有效得多。这无疑是这本书在教学法上的一个亮点，它承认了听觉学习中视觉辅助的重要性，并以一种非常高雅的方式实现了这种融合。这种对细节的关注，使得原本枯燥的练习过程变得更像是一场智力上的解谜游戏，极大地提高了我的学习动力和坚持度。

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这本书，我得说，它简直是为那些对音乐的内在逻辑和人类声带潜力抱有无限好奇心的探索者准备的。封面设计就透露着一种严谨而又略带神秘的气息，那种深邃的蓝色调，让人联想到深夜里，只为了一段旋律的完美呈现而紧锁的眉头，以及由此而生的清晰洞察力。我特别欣赏作者在引入基础概念时所采取的渐进式教学法，它不是简单地抛给你一堆枯燥的音高和节奏符号，而是像一位经验丰富的园丁，耐心地引导你辨识每一片叶子的脉络，直到你能够独立地欣赏整片森林的生态系统。书中关于调性中心和和声功能转化的论述，尤其精妙。它没有停留在传统的“死记硬背”，而是深入剖析了为什么某些音程组合会产生特定的情感张力，以及这种张力如何通过听觉的预设和释放来驱动听众的体验。我用了很长时间才消化完第一部分的和声分析，但一旦真正理解了那些隐藏在五线谱下的“驱动力”，再去看巴赫的赋格或者莫扎特的奏鸣曲时，简直就像突然被赋予了X光视力，能清晰地看到音乐结构是如何被搭建和支撑起来的。对于那些只满足于“能唱出来”的人来说，这本书或许会显得有些“过重”，但对于渴望理解“为什么这样唱”的严肃学习者，它提供的知识深度是毋庸置疑的，值得反复咀嚼。

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我必须承认，这本书的难度门槛相对较高，它对学习者的基础乐理知识有一定的预设要求。它更像是为已经掌握了基础视唱技能，但渴望进入更深层次听觉分析和即兴表达领域的学习者量身定制的“进阶手册”。书中对“旋律记忆与重构”的探讨，简直是天才之作。作者没有满足于教你如何视唱一段既定的旋律，而是深入探讨了旋律的“动机发展”和“主题变奏”的内在逻辑。它引导读者思考：如果我在第三小节将主导音上移半音，整体的情绪张力会如何变化？这种开放式的提问，迫使读者将视唱练习从被动的“阅读”提升到主动的“创造”。我曾尝试用书中的方法，对一段听起来平淡无奇的民谣进行“结构重塑”，仅仅通过对起始音和终止音的微调，以及对特定音程的色彩强化，整个段落的情感色彩就焕然一新。这本书的价值不在于它能让你唱得多快，而在于它能让你对旋律的内在骨架产生一种近乎工程学的理解，这对于任何想要从事作曲或高级编曲的人来说，都是一笔无价的财富。

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坦白讲，我最初拿起这本书时，对它的实用性持保留态度的。市面上的视唱练耳教材汗牛充栋，大多充斥着大量重复性的、让人感到疲倦的音阶练习和琶音片段。然而，这本书的独特之处在于，它巧妙地将理论的深度与实际的“听觉体操”结合了起来。它并没有将视唱变成一种机械的肌肉记忆训练，而是将其定位为一种高级的听觉解码过程。书中对非传统调式，比如弗里吉亚或利迪亚调式的处理方式，展现了作者超越了古典主义范畴的开阔视野。例如，在讲解如何准确把握增四度或减五度在特定调式中的色彩感时，作者提供了一系列听觉线索，这些线索极其微妙，需要学习者放下固有的调性偏见，完全依靠耳朵去“感受”音高之间的空间关系。我发现，通过这本书的练习，我不再是简单地识别C到G是纯五度，而是开始理解在降E大调背景下，这个纯五度所承载的稳定性和回归感。这种从“识别”到“理解”的飞跃，才是真正的进步。它要求你慢下来，去倾听每一个音符的“个性”，而不是把它们视为流水线上生产出来的标准件。这对于培养一位真正具有内省能力的音乐家，至关重要。

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这本书在我个人的音乐学习历程中，起到了一个“拨乱反正”的关键作用。在我接触它之前，我的学习路径有些碎片化，对不同音乐风格之间的视唱处理方式感到困惑。这本书的宏大叙事结构，就像一条清晰的河流，将看似分散的知识点汇聚起来。它不仅仅关注西方古典音乐的音高精确性，还隐晦地探讨了不同文化背景下对“音准”和“节奏感知”的差异化处理。比如，它在介绍某些特定的装饰音型时，所采用的力度和时值处理建议，明显带有对早期近东或中欧民间音乐实践的参考倾向，这为我的音乐视野带来了极大的拓宽。它没有直接列出大量的世界音乐案例，但它提供的工具和思维框架，使得我可以自己去“解码”那些非传统记谱法下的音乐片段。这本书的伟大之处在于，它提供了一套通用且富有弹性的听觉处理系统，而不是一套僵硬的规则集。它鼓励你带着批判性的耳朵去接触一切音乐，然后用书中习得的严谨性去分析其内部的逻辑。这本书，与其说是一本教材，不如说是一份邀请函，邀请你进入一个更深刻、更具洞察力的听觉世界。

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