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《国画形式美学的展开:大学中国画艺术形式与技巧的专业训练系统》主要内容：中国画教学理论研究，始终难以避免一个两难的尴尬处境：一方面，我们有全国八大美术学院的中国画系，有些美术学院的办学历史至少有80年之久，至于各种艺术学院，或师范大学艺术院系的中国画系科，更是各展所长、群芳争艳，这是指“教”的培养体制方面；另一方面，则是每年毕业的本科生、研究生中，不乏出类拔萃的佼佼者。有些五六十年以前美院的毕业生，现在已是画坛大师、泰斗级人物。既有人才的辈出，当然也可以代表“学”的成功率或曰效果方面的成绩。既如此，则当代中国画教学本身，好像应该不存在什么疑问，有“教”有“学”，还有什么可赘言的?
但如果从科学的立场上看：我们对当代中国画教学的现状又非常不满意。它也有几个同样重要的指标：比如，大量的大学中国画教学活动过程，其实质是画家个人绘画技术经验传授的过程。不但是关于“学术”的中国画学、画史、画论这些纯理论的课目，越是专业程度高的美院中国画系，反而越不重视，即使是单纯的技法、临摹、创作等实践类课程，在教育过程中也是凭个人经验而为之——个人经验当然有它合理的构成要素，但在大学的授课过程中，只考虑教师个人个性化技法经验而忽视作为通用性的“基础性技法规则”，这显然是太接近于职业技术学院或专业画院师徒授受的类型，而缺乏作为大学应有的风范与综合能力培养的教学目标。其实，真正的大学层面的中国画教学，即使是技法的教学，也必须以“学科”理论作为前导，按规范、原则、原理讲解与示范，而不是以个人理解或个性技法经验简单传授为基准。由是，真正的中国画教学在大学层面被确立，应该以一整套具有教育学意义(它包括教学思想、课程大纲、教材与教学法、教师教案、教学效果测评体系等内容)的有形体系来体现。但在目前，仅仅以名画家来充任教师，忽视或轻视教师的教育学知识的培养与运用的现实情况下，这一整套规则的确立有着特殊的困难。
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《国画形式美学的展开》这本书，给我带来的最大触动，是它彻底颠覆了我以往对国画“意境”的浅薄理解。作者没有将“意境”仅仅看作是一种模糊的氛围，而是将其归结为具体的“形式美学”的运用。书中对“用笔”的分析，让我看到了线条的生命力，它不仅仅是描绘物象的轮廓，更是传递艺术家情感的载体，如同书法一般，充满了力量、韵律和节奏感。我尤其赞赏作者对“墨”的运用所进行的深入阐释。他不仅仅讲解了墨色的浓淡干湿，更将其上升到“墨分五彩”的境界，通过墨色的变化来表现物象的质感、体积、光影以及微妙的情感变化。书中对“构图”的论述也十分独到，它强调了“虚实相生”、“疏密有致”等原则，以及如何通过画面元素的巧妙安排，来引导观者的视线，营造出引人入胜的视觉体验。例如，南宋马远“残山剩水”的构图，如何通过极简的形式，却能引发观者无限的想象。这本书让我明白，中国画的美，不仅仅在于描绘的“像”与“不像”，更在于其形式语言所承载的深层文化意蕴和哲学思考。
评分《国画形式美学的展开》这本书，无疑是一次对中国画形式美的深度挖掘与系统梳理。作者并没有将“形式”仅仅理解为外在的技巧，而是将其视为承载中国画精神内涵的重要载体。书中对于“笔墨”的探讨，让我对“笔”和“墨”的相互关系有了更深的理解。笔的力度、速度、方向，墨的浓淡、干湿、枯润，如何通过巧妙的组合，创造出不同的视觉效果和情感表达，作者通过大量的实例，如王蒙的“解索皴”的苍劲，董其昌的“米点山水”的浑厚，都进行了生动的展示。我特别欣赏书中对“构图”的分析，它并非僵化的法则，而是根据画面的内容和主题，灵活运用“虚实”、“疏密”、“开合”等关系，来达到最佳的审美效果。比如，南宋马远的“一边之景”，是如何通过巧妙的构图，将有限的画面空间延伸至无限的想象之中。书中还深入探讨了“色彩”在国画中的运用，虽然国画以水墨为主，但色彩的运用同样讲究，如何运用“墨分五彩”，如何运用烘染、设色来达到“以色助墨”的效果，作者都进行了细致的讲解。这本书不仅仅是艺术理论的书写，更像是一次与古代中国画大师的对话，让我得以窥见他们创作的智慧与心法，也为我自身在艺术上的探索提供了宝贵的启示。
评分国画形式美学的展开，这本书如同一扇窗，让我得以窥探中国传统绘画背后那深邃而严谨的审美逻辑。初翻开，就被其精炼的语言和清晰的脉络所吸引。作者并非简单地罗列各种技法，而是深入剖析了“形式”在国画中的多重含义，从笔墨的“皴法”变化万千，到构图的“虚实相生”的辩证关系，再到色彩的“墨分五彩”的晕染奥秘，都进行了细致入微的阐释。尤其是在谈及“气韵生动”这一中国画的灵魂时，作者更是结合了大量古代绘画作品的实例，如顾恺之的《洛神赋图》中的人物动态，张择端的《清明上河图》中市井的生机勃勃，以及八大山人的孤寂高洁，一一解读其形式语言如何传递出画家内心的情感与哲学思考。书中对“勾、皴、擦、染、点”等基本笔墨技巧的讲解，并非枯燥的技术说明，而是上升到了对笔墨精神性的探讨，如同书法一样，每一笔都蕴含着生命的力量与情感的流露。我尤其欣赏作者在分析构图时，反复强调的“意境”二字，它不是简单的画面安排，而是通过形式语言来营造一种能够引发观者情感共鸣的氛围。例如，留白的处理，如何让画面“无声胜有声”，如何通过有限的画面空间展现无限的想象空间，这些都让我对传统国画有了全新的认识。这本书不仅适合对国画有兴趣的初学者，对于资深爱好者和研究者来说，也无疑是一本值得反复研读的案头之作，它开启了我对国画形式美学的深度探索之旅。
评分《国画形式美学的展开》这本书，以一种前所未有的深度，剖析了中国画形式美的精髓。作者并没有将“形式”局限于表面的技法，而是将其上升到一种哲学的高度，将其视为画家精神世界的物化表达。书中对“皴法”的讲解，让我明白了为何同样的景物，在不同的画家笔下会呈现出截然不同的风貌。作者通过对“披麻皴”、“斧劈皴”、“雨点皴”等各种皴法的细致解读，以及它们如何与笔墨的力度、速度、方向相配合，来表现山石的质感、肌理和体积感，都展现了国画在表现形式上的强大生命力。我尤其喜欢书中关于“气韵”的阐释，它并非可遇不可求的神秘力量，而是通过对笔墨的精妙运用，对物象的深刻理解，以及画家内在情感的注入，所最终达成的艺术境界。书中大量引用古代画论，如宗炳的“山水画论”，谢赫的“六法论”，并通过现代的视角进行解读，让我得以领略中国画理论的深厚底蕴。同时，书中对历代名家名作的深入分析，如吴镇的“梅花”，黄公望的“富春山居图”，都从形式美的角度，揭示了它们之所以能够流传千古的奥秘。这本书为我打开了一扇通往中国画精神世界的大门，让我对中国传统艺术有了更深层次的理解和感悟。
评分《国画形式美学的展开》这本书，如同一个精密的探针，深入到中国画艺术的肌理之中，挖掘出其形式美的内在逻辑。作者并没有满足于简单的描述性介绍，而是致力于揭示“形式”如何成为中国画表达情感、传递思想、构建意境的关键。书中对“骨法用笔”的解读，让我深刻理解了中国画线条的生命力，它不仅仅是描绘物象的轮廓，更是艺术家情感的宣泄和精神力量的体现。从书法中汲取的“力”与“韵”，在国画中得到了淋漓尽致的展现。我特别欣赏书中对“笔墨”的综合性论述，它不仅仅是“用笔”和“用墨”的简单叠加，而是二者相互依存、相互作用，共同构建出画面的层次、质感和韵味。通过对历代名家如董源、巨然、郭熙、李唐等人的作品分析，作者展示了不同时期、不同风格的画家是如何运用笔墨来表现山水的雄浑、秀丽、宁静等不同意境的。书中对“构图”的分析也同样精彩，它不是僵化的视觉安排，而是根据画面的内在需求，灵活运用“虚实相生”、“疏密有致”、“藏露结合”等原则，来营造引人入胜的视觉体验。这本书为我提供了一个全新的视角来欣赏中国画，让我看到了在水墨丹青之下，隐藏着如此深邃的艺术智慧和文化内涵。
评分初读《国画形式美学的展开》，我便被其严谨而富有洞察力的分析所折服。作者并非简单地介绍国画的分类或历史发展，而是将焦点聚集在“形式美学”这一核心概念上，并将其作为理解中国画的钥匙。书中对于“意境”的阐释，让我明白这并非虚无缥缈的词汇，而是通过具体的笔墨、构图、色彩等形式元素有机组合而成的。例如，对留白的运用，作者深入分析了其在营造空间感、引导视线、激发联想等方面的作用，并引用了如范宽《溪山行旅图》中“云气”的处理，来展现留白如何赋予画面无限的生命力。此外，书中对“疏密”关系的探讨也十分精彩，它不仅仅是画面元素的多少，更是一种节奏的把握，是观者视觉与心灵的互动。那些看似简单的“点”和“线”，在作者的解读下，都充满了生命力和情感的张力。我尤其喜欢书中对“韵”的论述，它是一种超越技法的生命律动，是画家内在精神的流露。从古代画论的经典阐释，到现代国画创作的案例分析，作者都一一梳理，并从中提炼出形式美的内在逻辑。这本书为我打开了国画的另一个维度，让我看到，在水墨丹青的背后，蕴含着如此丰富而深刻的艺术思想和哲学智慧，这是一种对形式的极致追求，也是一种对精神的深度表达。
评分《国画形式美学的展开》这本书，以其独特的视角和深刻的洞察力，为我开启了一段探索中国画形式美学的奇妙旅程。作者并没有将“形式”仅仅理解为外在的技巧，而是将其视为承载中国画精神内涵和哲学思想的重要载体。书中对“笔墨”的阐释，让我深刻理解了中国画线条的生命力，它不仅仅是描绘物象的轮廓，更是艺术家情感的宣泄和精神力量的体现。从书法中汲取的“力”与“韵”，在国画中得到了淋漓尽致的展现。我特别欣赏书中对“构图”的分析，它并非僵化的法则，而是根据画面的内容和主题，灵活运用“疏密”、“虚实”、“开合”等关系，来达到最佳的视觉效果和情感表达。书中对“色彩”的运用也进行了深入的探讨，虽然国画以水墨为主，但色彩的运用同样讲究，如何运用“墨分五彩”，如何运用烘染、设色来达到“以色助墨”的效果，作者都进行了细致的讲解。书中引用了大量古代画论和名家名作，如《宣和画谱》中的论述，以及宋元时期山水画的经典作品，并通过现代的视角进行解读，让我看到了中国画形式美学发展的脉络和内在逻辑。这本书为我提供了理解中国画的钥匙，让我能够更深入地欣赏和品味其中的艺术魅力。
评分《国画形式美学的展开》这本书，其内容之丰富，角度之新颖，着实令我眼前一亮。不同于许多流于表面的艺术普及读物，作者在书中对中国画形式美的理解，已经触及到了哲学和文化层面。他没有停留在对“形似”的简单描摹，而是着力挖掘“神似”的内在规律，并将其归结到形式的运用上。书中关于“骨法用笔”的论述，让我深刻理解了为何中国画的线条不仅仅是勾勒物象的轮廓，更是传达力量、速度、情感的载体，从龙门石窟的佛教造像线条到宋元山水画的精谨笔法，都体现了这种对线条生命力的追求。而对“应物象形”的解读，也并非简单的模仿自然，而是强调了在写实的基础上，融入画家对物象的理解与情感，从而达到“画中有我”的境界。尤其是在论述“传移模写”时，作者并没有将其视为简单的复制，而是阐释了它作为一种传承与创新的重要途径，如何在学习前人技法的同时，融入个人的时代精神和审美趣味。书中对“墨”的运用，更是达到了出神入化的境界，不仅仅是黑白灰的层次，更是通过墨色的浓淡干湿，来表现物象的质感、空间感乃至情感的起伏。我常常在阅读时，仿佛能听到墨在宣纸上挥洒的声音，看到画家运笔时的心神合一。这本书就像一位循循善诱的老师，引导我一步步走进国画那博大精深的形式世界，让我对中国传统艺术的理解不再停留在表面，而是深入到其精神内核。
评分《国画形式美学的展开》这本书，以其独特的视角和深刻的见解，为我重新打开了对中国画的认知。作者并没有停留在对“笔墨技法”的简单罗列，而是将“形式美学”置于核心地位，深入探讨了形式在传递中国画精神内涵中的作用。书中对“意境”的阐释，让我明白了国画的意境并非空洞的概念，而是通过“虚实相生”、“留白”、“韵味”等形式语言巧妙地营造出来的。我特别欣赏作者对“勾、皴、擦、染、点”这些基本笔墨技巧的细致分析，他不仅阐述了这些技巧如何表现物象的质感和形态，更重要的是，揭示了它们背后所蕴含的哲学思考和情感表达。例如，他分析了“皴法”的运用，如何将观者的视线引向画面的深处，如何通过墨色的浓淡变化来营造空间感和体积感。书中引用了大量古代画论和名家名作，如张彦远《历代名画记》中的论述，以及宋元时期山水画的经典作品，并通过现代的视角进行解读，让我看到了中国画形式美学发展的脉络和内在逻辑。这本书为我提供了理解中国画的钥匙，让我能够更深入地欣赏和品味其中的艺术魅力。
评分《国画形式美学的展开》这本书，是一次对中国画形式美的系统性梳理与深度挖掘。作者并非简单地罗列技法，而是将“形式”提升到艺术本体的高度，探讨其如何承载中国画的精神内涵和哲学思想。书中对“笔墨”的解读，让我看到了中国画线条的独特魅力，它既是勾勒物象的工具，更是传递艺术家情感和生命力的载体。从书法中汲取的“力”与“韵”，在国画中得到了完美的融合。我特别欣赏作者对“构图”的分析，它并非僵化的法则，而是根据画面的内容和主题，灵活运用“疏密”、“虚实”、“开合”等关系，来达到最佳的视觉效果和情感表达。书中对“留白”的处理，更是让我体会到“无声胜有声”的意境，如何通过“少即是多”的哲学，来拓展画面的空间和意蕴。书中大量引用古代画论，如谢赫“六法论”中的“传移模写”、“应物象形”，并结合现代的视角进行解读，让我看到了中国画在传承与创新中的内在逻辑。这本书为我打开了一扇通往中国画艺术精神世界的大门，让我对中国传统艺术有了更深层次的理解和感悟。
评分启发很多。可是作者为什么隔几行就要说“国画教师切记blabla……”
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