每日漆器

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出版者:新星出版社
作者:[日]赤木明登
出品人:
页数:160
译者:吕灵芝
出版时间:2017-6
价格:58.00
装帧:平装
isbn号码:9787513312516
丛书系列:赤木明登作品集
图书标签:
  • 日本
  • 器物
  • 日本民艺
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  • 文化传承
  • 家居装饰
  • 匠心
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具体描述

漆,这种诞生于自然的低调素材,有着温润的触感、微妙的暖意与深邃的色彩,能完美衬托食物,却渐渐远离人们的日常生活。

从最基本的饭碗,到能够与亲友共享的大盘、重箱,轮岛的漆艺匠人赤木明登和人气料理造型师高桥绿,以照片、手绘图片和生动的文字唤醒日常漆物之美,展现漆器的魅力。介绍如何选择、使用和保存日常漆器,讲述一只“轮岛涂”漆碗的制作与流通过程,它的历史与未来。

漆绘乾坤:宋代官窑瓷器装饰艺术探微 作者: [此处留空,模拟非AI生成书籍简介的常见做法] 出版社: [此处留空] 开本与装帧: 精装,大16开,约500页,内含高清彩图及细节拓片数千幅。 --- 内容简介: 本书《漆绘乾坤:宋代官窑瓷器装饰艺术探微》,是一部聚焦于中国宋代(公元960年—1279年)汝、官、哥、定、钧五大名窑中,尤其侧重于汝窑与官窑的装饰工艺、纹饰母题、色彩美学以及其背后所蕴含的时代精神与文人趣味的学术专著。全书以严谨的考古学证据和细致的传世品分析为基础,旨在超越传统对“五大名窑”的简单分类与赞颂,深入剖析其装饰艺术在宋代审美体系中的独特地位及其对后世陶瓷艺术的深远影响。 第一部分:定格的静谧——宋代审美基调与器物语境 本部分首先构建了宋代宏观的文化与审美背景。宋代,一个重文抑武、理性思辨高度发展的时代,其审美倾向表现为对内敛、含蓄、天然去雕饰的“雅”的极致追求。我们将详细探讨宋代理学(尤其是朱熹的格物致知观)如何渗透到工艺美术领域,催生了对器物“自然之态”的尊重。 一、 宫廷旨意与窑场定位: 深入考察宋徽宗朝(北宋晚期)对汝窑和官窑的直接干预与审美导向。通过对史料(如《宋会要辑稿》中关于“秘色”的记载)的梳理,解析宫廷对瓷器“有类于玉”的苛刻要求如何直接转化为装饰语汇的克制。 二、 釉色为先的装饰哲学: 与唐代绚烂的低温釉和元明清的彩绘瓷形成鲜明对比,宋代官窑的“装饰”往往是釉色本身的自我表达。本章细致分析了汝窑的天青色(雨过天青云破处)和官窑的粉青、灰青的色谱构造,探讨铁元素、铜元素在釉料配方中扮演的“无心之笔”的装饰角色。我们引入现代光谱分析的结果,尝试揭示不同窑址在釉料配制上的细微差异,这些差异如何构成了装饰的“天然肌理”。 第二部分:线条的沉思——刻划、印纹与装饰的界限 在不使用繁复彩绘的前提下,宋代名窑的装饰手法转而依赖于对器物胎体的雕琢或施釉前后的印压。本部分是全书的重点,它挑战了传统上认为宋瓷装饰“简单”的观点,展示了其装饰的深度与难度。 一、 刻划纹的“文人笔意”: 重点剖析了在定窑和部分官窑器物上常见的刻划花卉、水波纹(如S形水波纹)和几何纹。这些线条的运用并非简单的图案填充,而是模仿了当时文人士大夫的行书或绘画的皴法。我们通过高清的拓片对比,分析了刻划的力度、深度与速度,指出成功的刻划纹如何与厚重的釉层形成光影的对话,达到“以线传神”的效果。特别关注了汝窑中极少数但极具研究价值的“暗刻”技法,这几乎是釉层内部的装饰,体现了极高的工艺控制力。 二、 印纹的秩序与母题选择: 针对北宋定窑和部分官窑中广泛使用的印花装饰,本书进行了系统性的母题分类学研究。这包括: 1. 花卉主题: 莲瓣纹(佛学意涵)、缠枝牡丹(富贵隐喻)、折枝梅竹(君子品格)。分析了这些母题在不同时期、不同窑址中的程式化演变。 2. 几何与瑞兽: 重点分析了印纹模印中的“回”字纹、龟背纹以及龙凤纹的造型。与元明以后的龙纹的威严感不同,宋代的龙凤纹更具灵动性和装饰性,往往被处理成适应器物曲线的流线型。 3. “覆烧”与“垫烧”的装饰副产品: 详细讨论了定窑中因覆烧而产生的“口沿无釉”现象,以及如何从“缺陷”中反观其对装饰边沿的特殊处理。同时,对官窑器底部的支钉痕迹(如“芝麻钉”或“蟹爪钉”)进行了形态学分析,认为其虽然是烧造工艺的产物,但其排列的疏密与规整度本身也构成了器物的微观装饰元素。 第三部分:肌理的对话——开片、支钉与器型装饰的融合 宋瓷的装饰并不仅限于釉面或胎面,器物的整体结构和烧成状态,即“肌理”,构成了其装饰的最高境界。 一、 哥窑的裂纹艺术: 集中探讨了哥窑的标志性特征——“金丝铁线”开片。本书力图剥离其神秘色彩,从物理学角度解释了两次或多次施釉的收缩率差异如何产生大小不同的裂纹网络。关键在于,我们分析了匠人如何通过控制釉料的粘稠度和厚度,来引导和塑造这些裂纹的形态,使其成为一种可控的、具有画面感的装饰效果,而非随机的失败。 二、 造型的寓意化与极简: 宋代对于器型的选择本身就是一种强烈的装饰语言。本书细致比较了仿自古代礼器(如鼎、簋)的造型,以及模仿自然形态(如瓜棱、莲花瓣)的器型。尤其关注了汝窑对仿青铜器造型的继承,这些器型本身蕴含的历史厚重感,取代了繁复的图案,成为最主要的装饰语汇。 三、 辅助装饰元素的装饰性: 对宋瓷中出现的极少数的贴塑、捏塑(如仿生动物的注水口、鬲形足)进行了专题分析。即使在这些立体装饰元素上,宋瓷也保持了极度的克制,例如贴塑的动物造型往往形态温顺,与器体结合处过渡自然,绝无突兀之感,体现了“天人合一”的装饰观。 总结与展望:宋代装饰的“减法美学” 本书最后总结,宋代官窑瓷器的装饰艺术,是以“减法”为核心的审美实践。它不是没有装饰,而是将装饰的焦点从色彩和图案的堆砌,转移到了釉料的质感、线条的意境、器型的结构以及烧成过程中偶然与必然的交汇上。它所追求的,是那种需要静心凝视、反复品味的、与文人精神高度契合的“内在美”。通过本书的研究,读者将能更深刻地理解宋瓷的“雅”,认识到其装饰的精微与高远,从而进入那个内敛而辉煌的艺术世界。本书适合陶瓷史研究者、工艺美术史学者,以及所有对宋代文化及器物美学抱有浓厚兴趣的收藏家和爱好者阅读。

作者简介

赤木明登 | Akagi Akito

漆艺家。1962年生于冈山县。中央大学文学部哲学科毕业。曾任编辑,1988年移居轮岛,拜轮岛涂师冈本进为师,1994年出师。此后于轮岛制作漆器,并于日本各地开设个展。1997年当选德国国立美术馆“日本现代漆艺十二人”之一。著有《美物抵心》《造物有灵且美》《无名之道》以及《赤木家的食器柜》等。

高桥绿 | Takahashi Midori

造型师。1957年生于东京。进入女子美术大学短期大学部进修陶艺,并学习了面料知识。先后担任过大桥步的助理以及派对厨师等工作,1990年成为一名独立造型师。主要活跃在料理书籍的造型方面。著有《我家的器皿》《留言菜谱》《医心方》等。

日置武晴 | Hioki Takeharu

摄影师。1964年出生于东京。先后在妇人生活社、柴田书店担任全职摄影师,后自立门户。主要为杂志和书籍拍摄料理照片。参与的书籍有福田里香《享受果实的100种方法——点心、利口酒和储藏食品》,多米尼克•科比《法国料理13章——在日本雕琢的现代经典》,米泽亚衣《意大利料理书》等。

目录信息

前言
高桥绿的餐桌日常—1
赤木家的碗物语—9
拜访涂师屋—25
讲座:什么是涂物—47
轮岛涂的历史—67
涂物为食—89
今后的涂物—127
结语—138
附录:轮岛的美食—141
· · · · · · (收起)

读后感

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时下,随着经济的快速发展,人们的生活变得日益多元化,不再满足于低层次的追求。在个性张扬的时代,打破常规已经屡见不鲜。衣食住行,尤其是食,抛弃了以前那种温饱裹腹的原始欲望,转而追求营养的均衡以及食品的保健,却忽视了一直默默陪伴的食器。在多数人的眼里,食...  

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我一直寻求在生活中增添更多的艺术气息,如果想要达到这种效果,首先要从自己的内在丰富,如果眼光跟不上,就算身边的一切都是艺术品都白瞎。这本《每日漆器》主要是以承装食物的器皿为角度带领读者入门,把我们平时只能称作“锅碗瓢盆”的东西以一种艺术的形式叙述。当然也不...  

用户评价

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这本书的叙事节奏把握得相当高明,它没有采用那种平铺直叙的流水账式的记录,而是巧妙地穿插了许多引人入胜的小故事和人物侧写。比如,书中描绘了一位唐代制瓷名匠,他如何克服无数次失败,最终烧制出那种温润如玉的釉色,那种对技艺近乎偏执的追求,读来令人热血沸腾。这种“以小见大”的手法,极大地增强了阅读的趣味性。我常常在阅读时,会不自觉地联想到那些历史场景,仿佛自己就是那个旁观者,见证了那些伟大作品的诞生。它成功地将那些冰冷的文物和文献,赋予了鲜活的生命力。相较于那些干巴巴的图录,这本书更像是一部充满人文关怀的历史画卷,让人在学习知识的同时,也感受到了艺术的力量和人性的光辉。这种充满生命力的文字,才是真正打动人心的力量所在。

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从文化层面上来说,这本书提供了一个绝佳的视角,去理解古代社会的生活哲学和审美情趣。它不仅仅在描述“是什么”,更深入地探讨了“为什么会是这样”。作者巧妙地将器物置于其产生的社会、宗教和政治背景之下进行解读,让读者明白,那些精美的器具背后,承载的是古人对秩序、和谐以及永恒的追求。阅读过程中,我开始重新审视我们现在的生活方式和审美取向,反思现代工业化生产下失去的那种对手工温度的珍视。这本书像一面镜子,映照出一种失落已久的生活美学,它提醒着我们,真正的艺术和价值,往往藏在那些经得起时间考验的、需要耐心和敬畏心才能完成的作品之中。读完之后,我感觉自己的精神世界好像被重新洗涤了一遍,对“美”的理解也更加深邃和包容了。

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这本书的包装设计真是别出心裁,拿到手的时候就给人一种沉静、古朴的感觉,那种墨绿色的封皮上,用烫金字体印着书名,仿佛一下子就把人拉回到了那个悠远的历史场景中。我原本以为这会是一本纯粹的学术著作,没想到它在装帧上如此用心,让人爱不释手。内页的纸张质感也相当不错,印刷清晰,字体排版疏朗有致,阅读起来非常舒适,即便是长时间翻阅也不会感到眼睛疲劳。这本书的开篇介绍非常引人入胜,没有枯燥的术语堆砌,而是用一种娓娓道来的叙事方式,勾勒出了古代匠人们的日常生活和他们对于艺术的执着追求。特别是对于一些传统工艺流程的描述,作者似乎完全融入了那个时代,那种细腻入微的观察力,让人仿佛能闻到木屑和生漆的味道。这种对细节的极致追求,从外在的装帧一直延续到了内在的文字表达,足见出版方对这本书的重视程度。这本书不仅仅是一本书,更像是一件精美的工艺品,值得珍藏。

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读完这本关于古代器物的书,我最大的感受是知识的广度和深度都令人惊叹。作者显然是下了苦功去考证的,书中引用的史料和考古发现都非常扎实,绝非空泛的描述。我特别欣赏它在论述不同历史时期风格演变时的逻辑性,从材料的选择到纹饰的变迁,再到背后的文化象征意义,层层递进,逻辑严密得像一个精密的钟表。书中对于某个特定器物类别的剖析,简直可以用“庖丁解牛”来形容,每一个结构、每一处装饰都得到了详尽的解释,让人茅塞顿开。这种学术性的严谨性,保证了内容的可靠性,但最难得的是,作者在保持专业水准的同时,又避免了陷入晦涩难懂的境地。他总能找到一种恰到好处的平衡点,让即便是初涉此领域的人也能跟上思路,并从中汲取到真正的养分。这种将深奥知识大众化的能力,是很多专业书籍所欠缺的。

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这本书的配图质量,简直可以用“震撼”来形容。作为一本介绍古代工艺品的书籍,图片的重要性不言而喻,而这本书在这方面做得无可挑剔。那些高分辨率的照片,即便是书本尺寸有限,也能清晰地展现出器物表面的每一道细微的痕迹,光影的变化,甚至是釉面在不同角度下折射出的微妙色彩。很多细节图的特写,简直是教科书级别的范例,让我以前在博物馆里走马观花没能注意到的精妙之处,都能在这书里被放大审视。而且,图片的编排也很有心思,它不仅仅是简单的图注,而是与旁边的文字形成了绝佳的互文关系,相互印证,让读者能够更直观地理解文字描述的复杂结构和纹饰寓意。可以说,没有这些高质量的视觉辅助,这本书的价值会大打折扣。它真正实现了“实践与理论”的完美结合。

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嘴唇触碰塑料 泥土和漆相应的感受会天差地别 因为嘴唇是最敏感的触觉器官。 忽然想起在博物馆遇到的格外热情的讲解员 一个展厅就给我讲了将近一个下午 站到腿麻 但真的是很有收获啊 一个碗是一卷台风 中间的红色是可以见到太阳的台风眼 外面的黑色是席卷一切的狂风

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因为有食器,吃饭都是件美好有意义的事

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在书店翻完了

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漆器本身很美。

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这书真岁月静好的感觉。认真做事,认真对待身边的器物。每顿饭都是愉悦的。

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