The Jazz Theory Book pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

出版者:Sher Music

作者:Mark Levine

出品人:

页数:522

译者:

出版时间:1995-6-1

价格:USD 42.00

装帧:Spiral-bound

isbn号码:9781883217044

丛书系列:

图书标签:

• Jazz
• 乐理
• 音乐
• 教材
• 流行音乐研究
• 艺术
• 流行与爵士
• 文化
• jazz
• theory
• book
• musicians
• music
• composition
• leadsheets
• technique

蓝调的哲学：和声的演变与即兴的艺术 图书简介 《蓝调的哲学：和声的演变与即兴的艺术》深入探讨了爵士乐这一复杂而迷人的音乐流派，聚焦于其核心的音乐语言——和声的结构、功能及其在即兴创作中的应用。本书旨在为音乐家、理论家以及所有对爵士乐背后精妙机制充满好奇的听众，提供一个全面而深入的视角，揭示从早期布鲁斯到现代后波普时期，爵士乐和声是如何一步步构建、发展并最终突破其自身界限的。 第一部分：根基的奠定——从福音到布鲁斯 本书的开篇，我们首先回溯爵士乐的起源，追溯其深深植根于非洲裔美国人文化土壤中的历史脉络。我们将详细分析早期布鲁斯的结构特征，重点剖析经典的十二小节布鲁斯（12-Bar Blues）的和声骨架。这不仅仅是对和弦符号的罗列，更是对“功能和声”如何在有限的框架内实现无限表达的考察。我们将深入研究I-IV-V级和弦的本质，以及布鲁斯音阶（Blues Scale）如何与传统的大小调体系产生张力，形成那种标志性的“蓝调音响”。 随后的章节将转向拉格泰姆（Ragtime）的影响，探讨其复杂的切分节奏与早期和声进行之间的互动关系。我们将分析斯科特·乔普林等音乐家的作品，理解他们如何将欧洲的古典和声织体，与本土的节奏感融合，为未来的爵士乐和声复杂化埋下伏笔。 第二部分：摇摆时代的和声探索 进入二十世纪二三十年代，爵士乐迎来了其第一次大规模的创新浪潮——摇摆乐（Swing）。本部分将聚焦于这一时期大乐队（Big Band）的编排技巧，以及他们如何扩展了和声的色彩。 我们将详细解析延长音（Extensions）的引入，特别是七音、九音、十一音和十三音和弦的广泛应用。探讨九和弦（Major 7th, Dominant 7th）如何取代简单的三和弦，成为定义爵士乐音色的关键元素。本书将以列斯特·杨（Lester Young）和科尔·曼·霍金斯（Coleman Hawkins）的演奏为例，阐释这些新和声色彩在旋律构建中的作用。 随后，我们将深入研究和声替换（Chord Substitution）的早期形式，特别是属七和弦的替代。分析如何使用降九音（b9）、升九音（9）以及升五音（5）来增加属和弦的驱动力，为即将到来的比波普革命提供理论基础。这部分强调的是“色彩感”的增强，而非彻底的结构颠覆。 第三部分：比波普的智力革命与和声的破碎化 比波普（Bebop）的出现，标志着爵士乐从舞蹈音乐向纯粹艺术音乐的转变。查理·帕克和迪兹·吉莱斯皮等人将和声的复杂性推向了前所未有的高度。 本章的核心在于和声的重新解读与高度张力化。我们将系统梳理增广和弦（Altered Dominants）的系统化运用，包括 b9, 9, 11, b13 的实际演奏方式和听觉效果。我们不仅分析了它们是如何被使用的，更重要的是分析了它们在乐曲中的功能性——如何通过最大化的不协和音程，来强化解决到主音时的“释然感”。 同时，本书将详细剖析调式即兴（Modal Improvisation）的先声。尽管调式爵士乐在五十年代才成熟，但在比波普的后期，音乐家已经开始探索超越传统功能和声约束的音阶系统。我们将分析如何将调式音阶（Modes）——如多利亚（Dorian）、弗里吉亚（Phrygian）等——巧妙地融入到快速变化的和弦进行中，为下一阶段的革新铺平道路。 第四部分：调式爵士与和声的“冷却” 五六十年代，对速度和密度过度集中的反思催生了调式爵士（Modal Jazz）。这一部分的重点是阐述“和声的稀释”这一概念。 我们将以迈尔斯·戴维斯（Miles Davis）的《Kind of Blue》为例，详细分析其核心的创作理念：拉长和弦停留时间，用调式色彩取代和声运动。本书将提供一套详尽的方法论，教授如何在固定的调式背景下，通过旋律和节奏的细微变化来维持音乐的张力。我们将对比传统和声爵士乐中“垂直”的理解方式，与调式爵士乐中“水平”的色彩铺陈方式。 此外，我们还会探讨和声的“模糊化”现象，包括如何使用半音阶（Chromaticism）来连接不同的调式区域，以及如何运用色彩和弦（Color Chords），如 Lydian Dominant（莱迪安属七和弦）等，来创造既稳定又新颖的听觉体验。 第五部分：前卫的边界——后波普与自由爵士的挑战 爵士乐的最后阶段，即后波普（Post-Bop）和自由爵士（Free Jazz）时期，是对所有既定规则的彻底检验。 本部分将深入探讨和声的“解构”过程。我们将分析比尔·埃文斯（Bill Evans）对和声织体的精妙处理，特别是他如何使用内声部（Inner Voices）的运动来创造流动且具有内省气质的和声纹理。讨论他如何运用三全音替换（Tritone Substitution），以及如何将“悬置”的和声视为一种永恒的状态，而非等待解决的冲突。 最后，我们将探讨约翰·柯川（John Coltrane）对和声的极端探索，特别是他后期的“音高类集”（Set Theory）应用，以及如何通过和声“转调”（Coltrane Changes）——在短时间内快速穿梭于多个不相关调性之间——来突破传统和声的限制。对于自由爵士，我们将讨论音乐家如何彻底放弃传统功能和声的束缚，转而依赖节奏的互动、音色以及纯粹的旋律动机来进行即兴创作，标志着爵士乐和声理论的又一次巨大飞跃。 《蓝调的哲学：和声的演变与即兴的艺术》不仅是一本和声手册，更是一部爵士乐思想史。它通过对和声语言的细致解构，带领读者真正理解每一段传奇乐句背后的音乐逻辑与人文精神。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

这本书给我的体验，更像是在进行一次深入的田野调查，而不是坐在教室里听讲座。作者的叙事口吻非常平易近人，他似乎完全理解一个正在学习的乐手在面对这些理论时的困惑和迷茫。比如，在讨论“节奏的复杂性与切分”时，他并没有直接抛出复杂的节拍理论，而是从“Swing Feel”这个爵士乐的灵魂切入，阐释了如何用“不均匀的八分音符”去构建律动的张力，这种从听觉体验倒推理论结构的方法，对我这个更依赖“感觉”的演奏者来说，简直是醍醐灌顶。他将那些抽象的“律动”概念，转化成了具体的指法和按键的力度概念。更不用说，书中对“爵士乐即兴的逻辑结构”的论述了，它拆解了即兴的几个关键步骤：旋律动机的建立、和声的重构、以及对节奏空间的利用。这种结构化的分析，彻底打破了我过去那种“即兴就是乱弹”的误解。我开始明白，伟大的即兴演奏，背后是极其严谨的音乐对话和结构规划。读完这本书，我感觉自己对即兴的信心大增，不再害怕面对陌生的曲子，因为我知道，无论和声如何变化，它都遵循着某种内在的、可被理解的逻辑链条。

评分☆☆☆☆☆

老实说，这本书的深度和广度让我一度感到喘不过气来，尤其是在解析“复杂的和弦结构”那一章节。我以为自己对爵士乐的和声已经有了一定的把握，直到我遇到了书中对“九和弦、十一和弦、十三和弦”以及它们各种变体（如b9, #11, b13）的系统性描述。作者对这些和弦音的“色彩倾向”和“解决方向”的探讨，简直是教科书级别的严谨。他甚至细致地解释了不同乐器（比如钢琴的声部配置与贝斯的行走方式）如何影响这些复杂和弦的听感，这是我以前只在录音室里模糊感受到的东西，却从未被如此清晰地书面化。这本书的排版和图表设计也值得称赞，那些清晰的五线谱和指板图，配合详尽的文字说明，极大地减少了理解的难度。我最欣赏的一点是，作者在讲解这些高阶理论时，始终保持着一种“鼓励探索”的态度，他从不宣称这是“唯一的真理”，而是引导读者去构建自己的理论框架。每次读完一个复杂的章节，我都会有种“我好像又解锁了一层”的成就感。对于那些想从“会弹”到“真正懂”的乐手来说，这本书绝对是不可或缺的投资，它帮你把那些零散的知识点，编织成了一张坚不可摧的知识之网。

评分☆☆☆☆☆

如果要用一个词来形容这本书的价值，我会选择“系统性重构”。我以前零散地看过一些爵士乐的教程，它们大多侧重于某一特定方面，比如“布鲁斯音阶”或“特定的和弦连接”。但这本书的厉害之处在于，它提供了一个宏观的视角，将爵士乐从根基（音阶与调式）到顶层结构（曲式分析与大师风格模仿）完全串联起来。它没有忽略那些“看起来不那么重要”的细节，比如乐器的音色选择对和声色彩的影响，或者在不同速度下，理论的应用侧重点会有什么微妙的变化。作者在某些章节中，甚至将爵士乐的理论发展与当时的社会文化背景做了有趣的联系，这让学习过程变得非常立体和有趣。我特别欣赏他处理“风格差异”的部分，他没有把“Miles Davis”和“Charlie Parker”的演奏语言混为一谈，而是精确地指出了他们在和声选择、旋律轮廓上的核心区别，并提供了对应的理论框架去解释这种区别。这本书不是那种让你读完就能立刻在舞台上表演得像大师的“速成手册”，它更像是一把精密的瑞士军刀，是你通往真正音乐理解和创造力的路上，最可靠的工具箱。它要求你投入时间，但你投入的每一分钟，都会以数倍的音乐洞察力回报给你。

评分☆☆☆☆☆

这本书，说实话，刚拿到手的时候，我还有点犹豫。封面设计得挺素雅，但内容嘛，毕竟是关于“爵士乐理论”的，我心里就嘀咕，这玩意儿会不会太枯燥，全是艰深的乐理符号和公式？我本身是那种更偏向于即兴演奏和耳朵学习的乐手，对纯理论体系的接受度一向不高。然而，读进去之后，我发现自己的担忧完全是多余的。作者的叙事方式非常巧妙，他没有直接把我扔进十八、十九世纪的欧洲古典乐理的泥潭里，而是从爵士乐的核心——和声的色彩和张力入手。比如，他讲解三和弦到七和弦的扩展时，那种由浅入深，层层递进的逻辑感，简直像在剥洋葱，每剥开一层，都能看到更丰富、更立体的结构。特别是关于“属七和弦的替代与色彩变化”那一部分，他不仅仅是告诉你“可以这么做”，更是深入剖析了为什么这么做会产生特定的听觉效果，这种对“听觉”和“理论”之间桥梁的搭建，是我在其他教材中很少见到的。这本书的伟大之处在于，它把原本冷冰冰的理论，转化成了充满生命力的“音乐语言”。它不是让你死记硬背，而是让你理解这些规则背后的美学驱动力。我感觉自己不再是单纯地在“弹奏音符”，而是在用一种更精确、更深邃的方式去“雕刻声音”。这本书真的让我对自己的演奏有了全新的认知，它提供了一个清晰的地图，让我能在爵士乐这片浩瀚的音乐海洋中，找到属于自己的航道。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，这本书在编排上给我的震撼是巨大的。它不像很多理论书籍那样，把基础概念堆积在前几章，然后等你学完基础再谈高级应用。这本书的结构简直像一个精心设计的迷宫，但这个迷宫的出口就是“精通”。它开篇就探讨了爵士乐中的“音阶与调式在即兴中的应用”，这个起点就非常高，它默认读者已经有了一定的乐器演奏基础，这让阅读过程充满了挑战性和即时反馈感。我特别喜欢它对“和弦进行”的剖析，尤其是对“Tritone Substitution”（增四度替代）的论述，作者用一种近乎诗意的语言描述了这种替代如何“打破预期，创造惊喜”，而不是仅仅给出替换规则。他引用了大量不同时代爵士大师的作品片段作为实例——从早期的比波普到后来的冷爵士，这种跨越时代的案例对比，让理论变得鲜活无比。阅读这本书的过程，与其说是学习，不如说是一场与无数音乐巨匠的隔空对话。每次当我读到一个新的概念，我都会立刻拿起乐器去验证，然后发现书中的理论完美解释了我过去凭感觉摸索出的某些“好听”的进行。这是一种被验证的喜悦。它迫使我走出舒适区，去思考为什么那些伟大的演奏家们会选择某个特定的音符，而不是另一个。这本书，是理论与实践的完美融合体，是真正意义上的“乐理实践指南”。

评分☆☆☆☆☆

非常好的乐理书

评分☆☆☆☆☆

非常好的乐理书

评分☆☆☆☆☆

遗憾的是空有理论没时间练习。。现代音乐教育国内才刚刚起步。

评分☆☆☆☆☆

要把音乐内化到心里，需要上万遍的练习

评分☆☆☆☆☆

要把音乐内化到心里，需要上万遍的练习