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出版者:上海外语教育出版社

作者:奚永吉

出品人:

页数:1293

译者:

出版时间:2007-7

价格:72.00元

装帧:

isbn号码:9787544602426

丛书系列:外教社翻译研究丛书

图书标签:

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莎士比亚翻译比较美学：一部探索文学巨匠跨越时空的魅力的深度研究 这是一部对威廉·莎士比亚作品的翻译美学进行深入剖析的学术专著，它并非简单罗列不同译本的差异，而是致力于揭示翻译过程中所蕴含的深层美学原则、文化语境的影响以及语言艺术的精妙之处。本书旨在为读者呈现一个多维度、立体化的莎士比亚，引导大家理解为何这位近四百年前的剧作家至今仍能触动全球读者的心灵，其魅力又是如何通过一次次跨越语言与文化的翻译得以传承与再创造的。 一、 译本选择的哲学：何为“好的”莎士比亚？ 翻译从来不是简单的文字转换，而是一次艰难的“异化”与“归化”的博弈。对于莎士比亚这样一位语言大师，其作品的翻译难度更是呈几何级增长。他的十四行诗中精巧的双关语、戏剧中浑然天成的诗化语言、以及那些充满时代烙印的意象与典故，都对译者提出了极高的挑战。本书将着眼于不同时代、不同文化背景下的译者如何回应这些挑战，他们选择了怎样的翻译策略，以及这些策略背后所折射出的对“莎士比亚美学”的理解。 例如，当我们阅读一个中文译本时，我们会看到译者如何处理莎士比亚作品中那些在现代汉语中已不再常用的词汇，如何平衡原文的韵律与汉语的语感，又如何在保持莎士比亚戏剧冲突的张力的同时，使其符合中国读者的审美习惯。本书将对比不同译本在处理这些核心问题上的得失，探讨究竟何种翻译路径最能抵达莎士比亚原著的神韵，又何种译本更能引发当代读者的共鸣。这其中，不仅仅是语言的移植，更是文化与时代的对话，是翻译美学中的一场无声的较量。 二、 语言的魔术与韵律的传承：形式与意义的舞蹈 莎士比亚的作品，其语言本身就是一种独特的艺术形式。五步抑扬格的韵律、巧妙的排比、反问、以及充满张力的戏剧性独白，构成了他语言的独特魅力。翻译的首要任务之一，便是尝试在目标语言中重塑这种语言魔术。本书将聚焦于不同译本在再现莎士比亚语言形式上的努力与成果。 我们会审视译者如何处理莎士比亚的诗歌体与散文体，如何在高难度的十四行诗中保持其音韵的和谐与意义的精准；我们会分析译者如何处理戏剧中的对白，是追求口语化的流畅，还是力求保留其诗意与哲理的深度；更重要的是，我们会深入探讨译者如何通过汉语的声调、词汇选择、句式结构等，来模拟莎士比亚原文的节奏感、音乐性以及戏剧张力。 例如，对于“To be, or not to be, that is the question”这样一句传世名言，不同的译者会给出截然不同的翻译。是“生存还是毁灭，这是一个值得考虑的问题”，还是“生，还是死，这是个问题”，抑或是其他更为诗意化的表达？这些细微的差别，背后反映了译者对莎士比亚哲学思考的理解，以及对汉语表达力的探索。本书将通过大量的实例分析，揭示翻译语言形式与意义之间错综复杂的关系，以及译者如何在这两者之间寻求一种精妙的平衡。 三、 文化语境的穿越：从伊丽莎白时代的伦敦到当代中国 文学作品的产生离不开其所处的时代与文化背景。莎士比亚的剧作，生动地反映了伊丽莎白时代的英国社会风貌、价值观念、宗教信仰以及人文思想。当这些作品被翻译到中国，译者就不可避免地面临着一个巨大的文化鸿沟。如何弥合这个鸿沟，让中国读者能够理解并欣赏莎士比亚作品中的文化内涵，成为翻译美学中一个至关重要的课题。 本书将深入探讨译者在处理莎士比亚作品中的文化意象、典故、社会习俗以及人物的心理特质时所采取的策略。是直接保留原文的文化元素，辅以大量的注释？还是进行一定程度的“文化转换”，使其更易于中国读者理解？例如，莎士比亚戏剧中常常出现的贵族礼仪、封建等级制度、宗教审判等，在现代中国社会已经成为历史概念，译者如何通过恰当的语言和表达，让这些概念重新鲜活起来，并引发读者的思考？ 本书还会关注翻译过程中可能出现的“文化误读”。不同的文化背景会影响译者对原文的理解，从而在翻译中产生意想不到的偏差。通过对不同译本的比较分析，我们可以洞察到文化语境对翻译美学产生的深刻影响，以及译者如何在跨文化的交流中，努力保持莎士比亚作品的纯粹性，同时又赋予其新的生命力。 四、 翻译的再创造：从“忠实”到“创新”的边界 “忠实”是翻译的核心原则之一，但对于莎士比亚这样一位语言的创造者，翻译有时也需要突破“忠实”的束缚，进行适度的“再创造”。这种再创造并非是对原文的背离，而是在理解原作精神的基础上，运用目标语言的独特魅力，将莎士比亚的艺术感染力最大化。 本书将探讨译者如何在保持莎士比亚作品的悲剧力量、喜剧趣味、以及人物塑造的丰满度方面，进行有效的再创造。例如，在翻译莎士比亚的十四行诗时，一些译者可能会在保持其爱情主题和深刻哲思的同时，运用更加现代的汉语诗歌语言，以期引发年轻读者的共鸣。又如，在翻译莎士比亚的喜剧时，译者可能需要根据中国观众的笑点和文化背景，对一些原文的笑料进行恰当的调整，以期达到相同的喜剧效果。 这种“再创造”的边界在哪里？如何界定“好的再创造”与“坏的再创造”？本书将通过大量的实例，深入剖析译者如何在“忠实”与“创新”之间游刃有余，他们是如何在“致敬”莎士比亚的同时，又赋予其作品新的生命。这不仅是对翻译技艺的探讨，更是对文学跨越时空的生命力的探索。 五、 译本的美学评价：谁是最佳的莎士比亚？ 当面对众多优秀的莎士比亚中文译本时，读者常常会感到困惑：究竟哪个译本最为优秀？本书将尝试为读者提供一个相对客观、系统的美学评价体系。这个体系将不仅仅关注译文的语言是否流畅、是否符合汉语语法，更会深入考察译本是否成功地传达了莎士比亚作品的艺术感染力、思想深度以及文化内涵。 我们会从多个维度对译本进行评价，包括： 对原文意象的再现能力： 译本是否成功地捕捉了莎士比亚作品中那些充满诗意和象征意义的意象，并将其转化为读者能够理解和感受的汉语意象。 对人物心理的刻画： 译本是否能够精准地传达莎士比亚笔下人物复杂而深刻的心理活动，让读者能够感同身受。 对戏剧张力的呈现： 译本是否能够有效地还原莎士比亚戏剧的戏剧冲突，使得情节引人入胜，扣人心弦。 对语言艺术的创新： 译者是否在翻译中展现出卓越的汉语驾驭能力，将莎士比亚的语言魅力与汉语的表达方式巧妙地融合，创造出具有独特美感的译文。 对时代精神的呼应： 译本是否能够超越原文的时代局限，引发当代读者的思考，并与当代的文化语境产生有效的连接。 通过对这些维度的细致分析，本书将引导读者理解，评价一个优秀的莎士比亚译本，并非仅仅在于其“忠实”的程度，更在于其能否成为一部独立的、具有高度艺术价值的中文文学作品，能否让中国读者在阅读时，同样感受到莎士比亚那穿越时空的巨大魅力。 结语：莎士比亚的永恒魅力与翻译的无限可能 《莎士比亚翻译比较美学》是一部旨在引导读者深入理解莎士比亚作品翻译奥秘的著作。它不是一本简单的译本评介，而是一次关于文学、语言、文化与美学的深度对话。通过对不同译本的比较分析，我们不仅能更清晰地认识到莎士比亚作品的复杂性与艺术高度，更能体会到翻译作为一种再创造的过程，其所蕴含的巨大能量与无限可能。 这部著作将帮助我们理解，为什么莎士比亚的作品能够跨越时空，在不同的文化土壤中生根发芽，并不断焕发出新的生命力。它将揭示，翻译不仅仅是连接不同语言的桥梁，更是连接不同文化、不同时代的纽带，是让伟大的文学思想得以传承与发扬光大的重要途径。通过对莎士比亚翻译美学的探索，我们得以更深刻地领略这位文学巨匠的永恒魅力，也得以更全面地理解翻译艺术在文学传播中所扮演的关键角色。

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这本书的结构安排非常巧妙，它没有采用线性的时间顺序，而是选择了主题式的螺旋上升。我特别欣赏其中关于“伦理困境与译者选择”的章节。在翻译悲剧性的道德抉择时，译者往往会被迫做出带有强烈个人价值判断的裁剪。作者通过对比几位著名翻译家在处理特定角色（如麦克白夫人或李尔王）临终独白时的处理方式，揭示了译者如何不自觉地将自身的道德观投射到文本中去。这种“作者的缺席”与“译者的在场”的微妙互动，让我对“经典权威性”产生了质疑——原来我们所熟知的莎翁，早已被一代代译者重塑、塑形，甚至在某些层面上被“净化”了。阅读这些对比，就像是观察一个物体在不同光线下折射出的万千侧面，每一个侧面都真实，却都不是全部。

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最让我感到耳目一新的是关于“翻译与舞台实践”的交叉论述。很多文学研究往往将译本视为终结文本，但这本书却将其视为新的起点——即新的“剧本”。作者生动地描述了不同译本在实际搬上舞台时所产生的效果差异。有的译本语言过于诗化，导致演员在台词的节奏把握上极为吃力，张力难以瞬间爆发；而有的译本则过于口语化，牺牲了原作的庄严感。书中引用的舞台导演访谈和演出评论，为理论分析提供了坚实的实证基础。读到这里，我仿佛置身于剧场后台，看到译者、导演和演员们为了一个完美的瞬间而进行的拉锯战。这种从书页到舞台的拓展，使得这部研究不再局限于纸面上的文字游戏，而是真正触及到了文学生命力如何在不同艺术媒介间流转的奥秘。

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作为一个业余的文学爱好者，我常常在想，为什么有些译本读起来让人“如沐春风”，而有些却让人感到“佶屈聱牙”？这本书从一个非常独特的角度——美学的接受心理——来解答了这个问题。它探讨的不再仅仅是译者“做了什么”，而是读者“感受到了什么”。作者构建了一个关于“陌生化”与“熟悉化”的阅读模型，用来衡量不同时代、不同文化背景下的读者，是如何消化莎翁作品中的那些古典意象和双关语的。举个例子，书中详细对比了民国时期与当代网络语境下对莎剧喜剧性桥段的接受差异。我发现，许多我过去认为“翻译腔”过重的地方，其实是译者在努力平衡那个时代读者的接受度与原作的荒诞性之间的产物。这种代际差异的分析，让我对翻译史产生了一种全新的敬畏感——它不仅是语言的转换，更是文化记忆的接力。

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这部作品简直是为我这种常年沉浸在经典文学中，却又对不同译本之间的微妙差异感到好奇的读者量身定做的。我首先被它那种近乎“解剖式”的严谨态度所吸引。作者并没有满足于仅仅罗列不同译本的优劣，而是深入到了文本背后的文化语境和译者自身的审美倾向。记得有一处讨论到《哈姆雷特》中“To be or not to be”的处理，不同译者如何通过对动词时态和语气词的取舍，使得整个哲学思辨的重量感产生了天壤之别。有人选择了直译的力度感，仿佛一把冰冷的铁锤砸向读者；而另一些则更侧重于意译的流动性，试图在汉语的韵律中重建那种犹豫徘徊的内心挣扎。这种对比的呈现，让我对“忠实”这个概念有了更深层次的理解——原来忠实于原文的“精神”和忠实于原文的“文字”之间，存在着如此巨大的张力。读罢这些章节，我仿佛站在了一个巨大的语言十字路口，看着无数条通往同一座文学高峰的小径，每条小径都铺着不同质地的石子，散发着迥异的气味。

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翻开这本书，我立即感受到了作者那股旁征博引、学贯中西的大家气象。这不是一本学院派的枯燥教材，而更像是一场精心策划的文学“辩论赛”。特别是当作者开始分析具体诗歌的格律重构时，那种酣畅淋漓的分析简直让人拍案叫绝。我一直疑惑，那些优美的十四行诗，翻译过来之后，为何总觉得少了一层“回响”？这本书给出了极其详尽的答案：它关乎音步的丢失、韵脚的替换以及语法的强制重组。作者没有停留在现象的描述，而是追溯到了汉语自身的声律特点，探讨了两种语言结构在处理情感强度时的“能量守恒定律”。最令我印象深刻的是关于比喻的翻译部分，比如某个关于“火焰”和“激情”的比喻，在甲译本中被处理成了大气磅礴的史诗风格，而在乙译本中却降格为一种更内敛、更具个人色彩的抒情表达。这种对风格迁移的细致描摹，极大地提升了我对原著文本的感知深度，让我认识到，每一次翻译都是一次新的再创造，甚至是颠覆。

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