钢琴即兴伴奏新编 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:江苏南京师范大学

作者:冯德钢

出品人:

页数:232

译者:

出版时间:2006-8

价格:45.00元

装帧:

isbn号码:9787811014082

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《乐海拾遗：旋律与和声的自由漫步》 一、 缘起与理念 世间万物，莫不遵循某种内在的律动与和谐。《乐海拾遗：旋律与和声的自由漫步》一书，便是献给那些对音乐充满热爱，渴望在旋律与和声的海洋中自由翱翔的灵魂。我们深知，对于许多音乐爱好者而言，乐谱如同一条船，它承载着作曲家思想的精髓，但有时，我们也渴望能弃舟登岸，于广阔的音乐之海中，随心所欲地探索。本书并非为了提供一套固定的“秘籍”，而是旨在开启一扇门，引领读者走向一个充满无限可能性的音乐空间，在那里，旋律不再是束缚，和声不再是僵化的规则，而是等待着我们去发掘、去创造的鲜活生命。 本书的创作理念，源自对音乐本质的深刻洞察。我们认为，音乐的魅力不仅在于其结构上的严谨与逻辑，更在于其情感的表达与个性的释放。无论是初次接触音乐的门外汉，还是已在乐器上浸淫多年的资深人士，都有权利去触碰音乐最自由、最本真的灵魂。我们希望通过本书，打破“专业”与“业余”之间的壁垒，让更多人能体会到即兴创作的乐趣，理解和声的逻辑如何服务于情感的表达，旋律的走向如何勾勒出内心的风景。 本书的核心价值在于“启发”与“引导”，而非“传授”与“规定”。我们不提供任何具体的曲目或固定的伴奏模式，因为音乐的生命在于变化与创新。我们相信，每一个个体都有其独特的音乐语言，而本书的目标，便是帮助读者找到并磨砺自己的语言，使其在音乐的画布上挥洒自如。 二、 结构与内容梗概 《乐海拾遗》的结构设计，力求循序渐进，由浅入深，确保读者在享受音乐探索的同时，也能稳固地建立起扎实的理论基础。 第一部分：倾听音乐的脉搏——理解和声的呼吸 在这一部分，我们将深入浅出地剖析和声的奥秘。不再是枯燥的音程、音阶的罗列，而是着眼于和声在音乐中的“呼吸感”。我们将从最基础的三和弦开始，探讨它们如何构成音乐的骨架，以及不同三和弦之间是如何通过“解决”来产生张力与释放。 和弦的“色彩”与“情绪”： 我们将跳出“大三和弦明亮，小三和弦忧伤”的简单定义，更深入地探讨不同和弦在不同语境下所能传递的 nuanced（细微的）情绪色彩。例如，属七和弦的焦灼感，增六和弦的戏剧性，以及减七和弦的神秘莫测。我们会通过大量的音乐范例（而非乐谱，更多是启发式的描述和听觉引导）来体会这些和弦的“情绪签名”。 和声的“运动”与“逻辑”： 和声并非静止的块状，而是具有内在的运动趋势。我们将重点讲解和声进行中的“趋势性”与“惯性”，例如，属功能和弦倾向于解决到主和弦，而下行五度进行所带来的稳定感。但同时，我们也鼓励读者去打破常规，去探索那些“非典型”的和声进行，理解它们为何能产生出人意料的效果。 从旋律看和声： 很多时候，优美的旋律本身就蕴含着丰富 Thus、暗示着和声的可能性。我们将引导读者如何从旋律的走向、音符的选择中，去推断出与之相匹配的和声。例如，一个向上进行的旋律，其背后的和声可能是怎样的进行？一个音符的持续，又暗示着和声的哪些变化？ 第二部分：编织旋律的锦缎——即兴的自由艺术 本部分将是本书的核心，我们将专注于旋律的即兴创作。这并非是枯燥的音阶练习，而是通过一系列富有启发性的方法，激发读者的创作潜能。 节奏的魔法： 旋律的生命力很大程度上取决于其节奏。我们将探讨不同的节奏型如何赋予旋律不同的个性和动感，从简单的切分音到复杂的附点节奏，以及如何通过节奏的组合来制造新颖的音乐线条。 动机的“变形记”： 任何一段精彩的即兴旋律，往往都源自一个或几个简单的音乐“动机”（motif）。我们将教导读者如何识别、捕捉并对动机进行各种“变形”，包括音高上的增减、节奏上的变化、倒影、逆行等，以此为基础构建出丰富多样的旋律。 旋律与和声的“对话”： 在即兴创作中，旋律与和声是相互依存、相互促进的。我们将演示如何让旋律在既定的和声框架内自由驰骋，同时，又如何通过旋律的走向反过来启发和声的变化，形成一种动态的、富有生命力的“对话”。 情感的“具象化”： 音乐的终极目的是情感的表达。我们将引导读者如何将抽象的情感转化为具体的旋律元素，例如，快乐的情绪可能体现在上行旋律和跳跃的节奏，而忧伤则可能通过下行旋律和舒缓的节奏来体现。 第三部分：即兴伴奏的“舞台”——理论与实践的融合 这一部分将是理论与实践相结合的桥梁，我们将把前面所学的和声与旋律即兴技巧，应用于实际的伴奏场景。 “骨架”与“血肉”： 在即兴伴奏中，我们可以将和弦进行视为音乐的“骨架”，而旋律的即兴则像是为这副骨架添上“血肉”。我们将讲解如何为一首简单的旋律或一段和弦进行，添加不同风格、不同情感色彩的伴奏织体。 “空位”的填补与“留白”的艺术： 即兴伴奏并非意味着每时每刻都要填满音符。我们将探讨如何利用“空位”（silence）来制造呼吸感和张力，以及如何通过简洁的伴奏来突出旋律的表现力。 风格的“变奏”： 不同的音乐风格，其伴奏的手法和和声的运用方式截然不同。我们将尝试性地介绍一些基础的风格元素，例如，如何通过一些简单的节奏型和和声变化，在爵士、流行、古典等不同风格之间进行切换，以应对不同的音乐情境。 “倾听”与“回应”： 最好的即兴伴奏，是与音乐“对话”的结果。我们将强调“倾听”的重要性，如何敏锐地捕捉旋律的情感走向、节奏的细微变化，并以此为依据进行即兴的回应。 第四部分：灵感的“土壤”——持续探索与个性发展 本书的最后一章，将回归到更广阔的视野，鼓励读者将即兴伴奏视为一个持续的探索过程。 从模仿到创造： 任何一位伟大的音乐家都始于模仿，但最终走向创造。我们将建议读者如何从模仿大师的作品中汲取养分，并在此基础上发展出自己的独特风格。 音乐的“多米诺骨牌效应”： 理解了基本的音乐原理，许多音乐的“奥秘”便会像多米诺骨牌一样，接二连三地被揭示出来。我们将鼓励读者将本书所学的知识，迁移到其他乐器、其他音乐形式的探索中。 “乐趣”至上： 我们始终坚信，音乐的探索之路，最重要的是保持内心的乐趣。即使遇到困难，也要以轻松的心态去面对，将每一次尝试都视为一次学习和成长的机会。 三、 读者群体与学习建议 本书适合所有对音乐充满好奇、渴望自由表达的音乐爱好者。无论您是： 钢琴初学者： 厌倦了枯燥的指法练习，希望快速体验弹奏的乐趣。 已掌握基础乐器的演奏者： 想要在演奏的同时，尝试为自己或他人进行即兴伴奏。 音乐爱好者： 希望更深入地理解音乐的构成，并能在日常生活中，用音乐来表达情感。 音乐教育者： 寻求新的教学思路，激发学生的音乐创造力。 学习建议： 勤于倾听： 广泛地聆听各种风格的音乐，用耳朵去感受和声的色彩、旋律的线条。 勇于尝试： 不要害怕犯错误，每一次弹奏都是一次练习。 享受过程： 将音乐探索视为一种乐趣，而不是一种负担。 循序渐进： 按照本书的章节顺序，逐步深入。 多加实践： 理论知识需要通过大量的实践来巩固和内化。 四、 结语 《乐海拾遗：旋律与和声的自由漫步》是一场关于音乐的探索之旅，我们邀请您一同踏上这段充满惊喜的旅程。在这里，没有僵化的规则，只有无限的可能性。愿本书能成为您在音乐海洋中，最可靠的启明星，指引您发现属于自己的那片璀璨星空。让我们一起，在旋律与和声的自由漫步中，找到音乐最动人的灵魂。

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这本关于室内乐演奏技巧的理论专著，实在让人耳目一新。作者对不同时期、不同风格的室内乐作品进行了深入的剖析，尤其是在巴洛克时期合奏的织体构建和古典主义时期奏鸣曲式结构的处理上，提供了许多独到的见解。书中详细阐述了如何通过细腻的力度变化和音色控制来凸显对位线条的清晰度，这一点对于苦于把握室内乐平衡的演奏者来说，无疑是醍醐灌顶。我特别欣赏作者在分析莫扎特和贝多芬室内乐时，那种既尊重历史语境又鼓励现代诠释的平衡态度。书中对室内乐排练中的“沟通艺术”也有专门的探讨，强调了倾听在音乐合作中的核心地位，而不仅仅是技术层面的配合。配图和乐谱摘录都非常精准，使得复杂的理论讲解变得直观易懂。这本书的深度和广度，超越了一般的演奏指南，更像是一部关于音乐合作哲学的论文，值得反复研读。

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我最近读完了一本关于二十世纪先锋派作曲技法的书籍，内容涉及了大量的序列主义、偶然音乐以及电子音乐的早期实践。这本书的编排非常大胆，从勋伯格的十二音体系的系统性介绍开始，逐步过渡到梅西安的色彩和弦，最后探讨了约翰·凯奇对音乐本体论的颠覆。书中对那些看似随机实则严谨的作曲手法，做了非常细致的数学和逻辑推导，尽管有些部分需要较高的乐理基础才能完全消化，但其拓宽音乐思维的价值是无可替代的。尤其是关于“声音景观”和“非传统乐器”使用的章节，让我对音乐的边界有了全新的认识。作者的笔触犀利而充满思辨性，很少使用空泛的形容词，而是用精确的术语和大量的案例来支撑观点。这本书无疑更适合那些希望从根本上挑战传统音乐观念的创作者和理论家，它提供的是一种思考工具，而非一套现成的模板。

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对于那些热衷于学习早期键盘乐器演奏历史的爱好者来说，这本书简直就是一份宝藏。它详尽地梳理了羽管键琴（Clavichord）和古钢琴（Fortepiano）在十八世纪中叶从意大利到德奥地区的演变脉络。书中不仅有关于不同乐器制作工艺的详细图解，比如琴槌的包皮材料、音板的木材选择对外在音色的影响，更有大量关于当时键盘乐器演奏技巧的文献考证。作者通过对卡尔·菲利普·埃马努埃尔·巴赫教学法手稿的细致解读，还原了当时“情感表达”在演奏中的核心地位，这与我们今天强调的机械精确性形成了鲜明的对比。我尤其喜欢其中对“装饰音”处理方式的讨论，它不再是僵硬的规则，而是融入情感语境的即兴表达。读完后，我仿佛能听见那些古老乐器在沙龙中发出的，那种既精致又带着温暖气息的独特音色。

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这本书的叙事风格极其流畅且充满人文关怀，它聚焦于十九世纪浪漫主义时期钢琴家群体的社会生态和心理状态。它没有过多地探讨技术难点，而是通过大量的书信、日记摘录，构建起一个饱含激情的艺术家群像。比如，书中对李斯特的“明星化”现象进行了社会学的剖析，探讨了音乐如何开始从私人领域走向公共舞台，以及“炫技”背后隐藏的文化需求。另外，对于肖邦在巴黎沙龙中的“隐秘的英雄主义”的描述，也描绘得入木三分，他如何在有限的场合下，将民族情感和个人忧郁融入作品。作者的文笔极具画面感，读起来仿佛身临其境，感受那个时代音乐家们面对创作、面对听众、面对自我时的复杂心绪。这本书更像是一部精彩的传记合集，它让我们看到音乐家作为“人”的挣扎与辉煌。

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这是一部极具操作性的和声与配器实践指南，内容主要围绕十九世纪晚期到二十世纪初的管弦乐配器法展开，目标读者显然是那些需要快速提升配器实战能力的作曲系学生。书中对不同声部组合时，尤其是在高低音域的交错融合时，可能出现的“浑浊”或“空洞”问题，提供了非常具体且经过验证的解决方案。作者详尽地列举了瓦格纳、马勒和德彪西作品中那些令人惊叹的配器法宝，例如如何利用低音单簧管和低音提琴的特定音区来营造“黑暗”的音响背景，或者如何使用弦乐的弱音器来模仿室内乐的质感。整本书的结构非常清晰，每一章都围绕一个核心的配器挑战展开，并提供了大量的范例分析，强调了“听觉的逻辑”而非僵硬的规则。对于希望写出具有色彩层次感和复杂音响效果作品的作者来说，这本书的价值不可估量。

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看是看了，可是没怎么练。。。呜呜呜，死桂电有没有琴房！！！

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