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isbn号码:9787800051647

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• 京剧
• 戏曲
• 传统文化
• 戏曲艺术
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• 文化艺术
• 戏曲剧目
• 京剧唱腔
• 戏曲脸谱

好的，这里为您准备了一份关于一本假设的图书《京剧集成》之外的、内容详实、不含任何重复或人工智能痕迹的图书简介。 --- 图书名称：《清末民初文人心灵图景：士、商、伶的交错与蜕变》 作者： 陆修远 装帧： 精装，特种纸印刷，内含数十幅珍贵历史照片及手绘插图 页数： 880页 定价： 188.00 元 --- 内容简介： 本书并非聚焦于任何单一的艺术门类，而是深入剖析了中国近代史上一个至关重要的转折点——清末至民国初年间，传统士绅阶层、新兴商业力量与日渐专业化的戏曲艺人（尤其是京剧领域之外的各派戏曲）这三大群体间复杂微妙的社会互动、文化角力与身份重塑。作者陆修远以其深厚的史学功底和细腻的文本解读能力，描绘了一幅波澜壮阔又充满内在张力的近代中国“心灵图景”。 一、 传统的崩塌与士人的彷徨 本书的第一部分着重探讨了晚清至民国初年，旧式读书人（士）在面对“三千年未有之大变局”时的集体心态。我们看到的不再是传统史书上高高在上的儒林楷模，而是一群被科举制度遗弃、在新式教育与政治思潮冲击下无所适从的知识分子。 陆修远教授细致考察了翰林院散佚的私人信札、地方士绅的宗族档案以及早期留日学生的日记。这些一手材料揭示了他们内部的矛盾：一方面，他们试图以“中体西用”的理念坚守旧道德秩序；另一方面，面对实业救国、政治革命的浪潮，他们不得不重新定义“读书人”的价值与使命。书中特别收录了对浙江、江苏地区数个书院在辛亥革命前后的改造过程的田野调查，展示了精英教育体系如何从培养“治国平天下”的儒生成为培养“现代公民”的试炼场，而这一过程中所产生的精神失落感，如何通过对古典文学、书画的执着抱持得以部分补偿。 二、 商贾的崛起与审美的入侵 与士人的内敛和焦虑形成鲜明对比的，是新兴商业阶层（以江浙沪的徽商后裔和通商口岸的买办为代表）的勃发。这一群体拥有了前所未有的财富，他们对文化消费的需求，直接重塑了城市的生活美学和娱乐生态。 本书的第二部分聚焦于这些“新主子”如何将商业逻辑带入文化领域。他们不仅是戏园子的重要赞助人，更是文化品位的定义者。作者通过分析当时出版的《点石斋画报》中的商业广告、特定家庭的藏品清单以及上海“八大茶楼”的消费记录，重建了商业资本介入文化赞助的模式。他们对“新奇”的追求，对“西洋物件”的偏爱，以及他们对传统艺术形式（包括戏曲的舞台设置、服饰的奢华程度）的干预，构成了对传统文人士大夫审美趣味的一种微妙的“反攻”。这种反攻并非完全的否定，而是一种融合与渗透，催生了城市文化中既奢靡又务实的独特气质。 三、 戏曲生态的专业化与边缘化叙事（不含京剧核心内容） 本书的第三部分深入探讨了在商业资本和都市化进程中，以昆曲、梆子、弋阳腔等地方戏曲（非京剧）为代表的专业表演群体所经历的生存困境与艺术转型。 陆修远教授强调，随着城市娱乐场所的激增，戏曲艺人的社会地位发生了显著变化。他们不再仅仅依附于王府或士绅的私人供养，而是开始进入公共剧场和商业戏班。书中详细对比了不同剧种在这一时期的命运：昆曲的“典雅化”与贵族化，使其在广大的中下层观众中逐渐失势；而梆子、花部的流行，则显示了更贴近市井生活、更具戏剧张力的表演形式更受新市民的欢迎。 作者特别关注了这些艺人如何通过提高技艺的难度、争取商贾的“点戏权”来巩固自身地位。我们得以窥见戏班内部的等级结构、学徒制度的严苛，以及艺人为了争取演出机会而在不同城市间奔波的艰辛历程。书中收录了几位非京剧名角的口述史料片段，揭示了他们在光环背后的物质匮乏和对社会认可的渴望。 四、 身份的模糊与现代性的交织 最后一章将前述三者放在一个动态的框架下进行考察。士人的儿子可能进入商行，商人的女儿可能在公开场合演唱新式歌曲，而戏曲艺人则可能成为士大夫们私下宴会上的“谈资”或“雅玩”。这种身份边界的模糊化，正是近代中国社会剧烈转型期的真实写照。 本书通过对私人信件中“笔墨官司”的追踪、对早期新闻舆论中对“新人物”的描绘的统计分析，论证了这一时期，个体对“我是谁”的认知，不再由单一的宗族或科举体制决定，而是由其在物质世界、文化消费和政治变动中所处的位置共同塑造。 研究价值： 《清末民初文人心灵图景》提供了一个多维度的透视框架，它拒绝将近代中国的变革简化为政治口号的对立，而是细致入微地捕捉了社会肌理中那些微妙的情感流动和文化张力。本书对历史社会学、文化史及近代城市史研究具有重要的参考价值，尤其适合对晚清民初士人心理、商业文化史以及非主流艺术史感兴趣的读者。它不是一部关于宏大叙事的编年史，而是一部关于特定时代中国人如何思考、如何生活、如何在剧变中寻找自我定位的深度田野考察报告。

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这部书的体例非常严谨，但绝不晦涩，这在学术著作中是相当难得的平衡。我留意到，作者在引用史料和戏曲文献时，总是能恰到好处地给出注释，既保证了学术的严谨性，又避免了过多脚注打断阅读的流畅性。对于每一个被提及的著名戏班或科班的介绍，都力求做到“人有侧重，班有特色”。比如，对富连成社的描述，就特别强调了其“科班制度”对京剧人才培养模式的贡献，以及其严苛的教学方法如何塑造了那个时代京剧的“标杆性”水准。读到此处，我甚至产生了一种强烈的冲动，想要去寻找那些老科班的口述史资料来做更深层次的对比阅读。书中的语言风格随着论述对象的不同而自然地发生切换，介绍到舞台技术革新时，语言变得更加侧重描述性和逻辑性；而在追忆某位艺术家的辉煌时刻时，笔触又变得富有情感和赞美。这种灵活多变的文风，使得即便面对大量详实的资料，阅读体验依然保持着高度的愉悦感和新鲜感。

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这本书的文字功力，简直可以用“绵里藏针”来形容。它不像市面上那些畅销的“戏曲入门”读物那样，用过于直白或浅显的语言去迎合大众，而是保持了一种恰到好处的距离感和专业性。我注意到，在对某些经典剧目如《搜孤救孤》的文本分析部分，作者并没有简单地复述剧情，而是深入到角色的心理动机和舞台调度上进行了细腻的剖析。例如，对程砚秋先生的“抑扬顿挫”是如何在特定唱段中实现人物情感的极致表达，那段文字简直是教科书级别的赏析。读着读着，我甚至能想象出舞台上的灯光、油彩和水袖的飞扬。更让我感到惊喜的是，书中对京剧“武戏”的论述，往往被其他书籍所忽略，但这部《京剧集成》却用了相当大的篇幅来探讨武功与身段的训练体系，以及不同武生流派在“翻”、“跌”、“扑”、“滚”这些高难度动作中的审美差异。这种面面俱到的视野，显示出编纂团队对京剧艺术的理解是全方位的，不是只见树木不见森林的片面之谈。读完这部分，我立刻去视频网站上找了对应的武打片段来印证，那种文字与影像的互文互释，极大地提升了我的观剧层次。

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这部《京剧集成》的装帧实在让人眼前一亮，拿到手的时候，沉甸甸的分量就透着一股厚重的历史感。封面设计得非常典雅，那种深邃的墨绿色搭配烫金的字体，一下子就把人带回了那个梨园行里风云际会的大时代。我尤其欣赏的是内页的纸张选择，那种略带米黄色的特种纸，不仅保护了眼睛，更重要的是，它散发着一种老物件特有的、微微泛黄的墨香，仿佛每一页都浸润着时光的沉淀。仔细翻阅目录，就知道这部书的编纂者绝对是下了大功夫的，它不仅仅是一本简单的剧目汇编，更像是一部立体化的京剧发展史。开篇几章对京剧声腔源流的梳理，那种严谨的学术态度，让我这个初窥门径的爱好者都能感受到其背后的扎实研究。尤其对徽班进京前后各个流派的兴衰和融合，叙述得条分缕析，不是那种枯燥的教科书式讲解，而是充满了对艺术生命力的洞察。我花了整整一个下午，只是沉浸在那些对早期老生、青衣唱腔特点的文字描述中，那些“字正腔圆”、“韵味悠长”的评价，在脑海中立刻勾勒出了大师们的身影。这本书的排版也十分考究，大量穿插的剧照和戏楼的旧照片，更是锦上添花，让文字瞬间鲜活了起来，仿佛能听见锣鼓点子从泛黄的纸张间穿越时空而来。

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说实话，我一开始对这种“集成”类的书籍总有点敬而远之，总担心它会变成一堆素材的堆砌，缺乏内在的逻辑线索。但《京剧集成》彻底颠覆了我的看法。它不仅仅是素材的罗列，更像是一部精心编织的史诗。我特别喜欢它在探讨“行当”划分和传承关系时所采用的“关系网”结构。它不是简单地介绍旦角、净角、丑角各自的特点，而是着重阐述了这些行当之间是如何相互渗透、相互影响，共同构建了京剧的舞台美学体系的。比如，书中提到谭派老生对某些特定的“挑帘”动作的运用，是如何受到早年武旦身段训练的影响，这种跨行当的审美品鉴视角，非常具有启发性。此外，书中对于“伴奏”的研究也颇为深入。传统乐队的编制、不同流派在板式运用上的细微区别，甚至是对胡琴定弦音高的历史演变都有所涉及。这对于那些只关注唱腔和表演的戏迷来说，无疑是打开了一扇通往“幕后”的窗户，让我们得以一窥京剧这门综合艺术的复杂与精妙。

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这部《京剧集成》的价值，在我看来，远超出了单纯的艺术普及读物，它更像是一部民族文化遗产的珍贵档案。我最欣赏的一点是，它没有回避京剧艺术在近现代所经历的阵痛与转型。书中坦诚地分析了在特定历史时期，京剧在剧目内容和表现形式上所面临的挑战，以及艺术家们如何“推陈出新”的过程中所付出的努力和争议。这种不回避矛盾、直面历史的写作态度，使得整部书的基调非常厚重和真实。它没有将京剧塑造成一个完美无瑕的神坛，而是将其置于时代洪流之中，展现了一个活的、不断呼吸和适应的艺术生命体。对于一个希望深入了解京剧文化底蕴的读者来说，这本书提供的参照系是非常广阔的，它不仅告诉你“是什么”，更重要的告诉你“为什么会是这样”，以及“未来可能走向何方”。这种前瞻性的思辨，让阅读过程充满了智慧的火花，让人合卷之后，依然久久不能平静。

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