具体描述
《视觉艺术用光:在艺术与设计中理解与运用光线》教您如何运用光线在广大的视觉艺术媒介中创造或逼真或奇幻的效果？《视觉艺术用光:在艺术与设计中理解与运用光线》是细致、集中探讨这一问题的第一本著作，为动画制作者、数码插画家、画家、摄影师及其他任何视觉艺术领域的艺术家提供了不可或缺的指导。《视觉艺术用光:在艺术与设计中理解与运用光线》包括阐释教学重点的微型教程；囊括数百幅示意图、插画、电视电影截屏和剧照；视觉艺术专业学生与从业者的实用参考书。
作者简介
理查德•约特（Richard Yot）是一名图像制作专家，擅长利用数码技术手段制作具有手绘风格的插画。他是当今英国最顶尖的新锐数码插画师之一，其独特的风格吸引了许多艺术机构的注意。他的客户包括了迪斯尼、HMV媒体集团、英国电视第4频道等。
目录信息
第一部分 用光基础
第一章 基本原理 10
第二章 光的照射方向 18
第三章 自然光 24
第四章 室内光与人造光 40
第五章 阴影 52
第六章 我们是怎样认知物体表面的 64
第七章 漫反射 72
第八章 直接反射 80
第九章 半透明性与透明性 90
第十章 色彩 100
第二部分 人物与环境
第十一章 光线与人物 118
第十二章 环境中的光线 126
第三部分 创造性用光
第十三章 构图与场景设计 140
第十四章 气氛与象征 148
第十五章 时间与地点 156
术语汇编 164
图片鸣谢 168
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读后感
光到底有多复杂？想必对于摄影师和画师来说，都是一个无法绕开的课题。想要了解光，观察肯定是第一位的，但想要更深入地了解光的世界，理论的研究是必不可少的。本书从绘画、摄影以及影视创作的案例中去解读光的运用。实用，易懂，剖析了从绘画到摄影等艺术门类的用光问题，任...
评分光到底有多复杂？想必对于摄影师和画师来说，都是一个无法绕开的课题。想要了解光，观察肯定是第一位的，但想要更深入地了解光的世界，理论的研究是必不可少的。本书从绘画、摄影以及影视创作的案例中去解读光的运用。实用，易懂，剖析了从绘画到摄影等艺术门类的用光问题，任...
评分光到底有多复杂？想必对于摄影师和画师来说，都是一个无法绕开的课题。想要了解光，观察肯定是第一位的，但想要更深入地了解光的世界，理论的研究是必不可少的。本书从绘画、摄影以及影视创作的案例中去解读光的运用。实用，易懂，剖析了从绘画到摄影等艺术门类的用光问题，任...
评分看似很普遍的常识，个中见解却十分深入，如果之前能发现这本书，就不用花那么多时间去验证和考究一大堆光影问题了，之前浪费太多时间了，不过见到此书后总算明确了自己推理出的一些结论是正确的，这样就更深刻的印在脑子加以运用了，呵呵
评分大家在进行产品渲染的时候，绝大部分时候只用默认灯光材质预设，结果就是做出来的效果图非常糟糕。因为他们除了拖一拖材质，转一转角度之外其他根本不了解。想要表现好的产品质感，必须要去分析产品结构，设置合理的布光，调整明暗层次关系。老师在课堂上说只需要自学即可，但...
用户评价
这本画册的装帧设计简直是一场视觉盛宴！硬壳精装，触感厚实，拿在手里就能感受到它沉甸甸的品质感。内页的纸张选择也极其考究，那种微哑的光泽，让色彩的过渡显得既细腻又真实，即便是印刷的图像，也仿佛捕捉到了原作的那种光影层次。我特别留意了一下排版，设计者显然对“留白”有着深刻的理解，文字与图像的间隔恰到好处，既保证了阅读的舒适度，又让每一幅作品都有足够的空间去呼吸、去诉说。特别是那些对经典作品的局部放大特写，那种细节的呈现，简直让人忍不住想伸手去触摸画布上的笔触痕迹。翻阅的过程本身就是一种享受，你会发现，这不仅仅是一本图册，更像是一件精心雕琢的艺术品，体现了制作者对“美”的极致追求。如果单从工艺和审美角度来看，它已经远远超出了我对一本普通书籍的期待，绝对是值得收藏的佳作，光是把它放在书架上，都能提升整个空间的格调。
评分这本书的选材角度非常独特，它似乎避开了那些铺天盖地的、人尽皆知的“超级名作”，转而挖掘了一些在特定领域内做出突破性贡献的作品。我注意到其中有几幅涉及早期摄影技术的试验性作品，那种粗粝的、带有颗粒感的质地，与后来的玻璃底片时代的作品形成了鲜明的对照。这种对比的编排，让读者能够清晰地感受到媒介技术对艺术表达的塑造作用。更让我惊喜的是，它收录了一些非常小众的、关于中世纪手稿插画中光线符号化的处理方式，那是一种与现代自然主义完全不同的光线表达逻辑。通过这些看似不连贯的片段，我反而构建出了一个更宏大的艺术史脉络：光，在不同的历史阶段，承载了不同的文化意义和表达功能。这种策展式的选品能力，比单纯的“名作集锦”要高明得多，它提供了一种全新的、更具思辨性的阅读体验。
评分我最近沉迷于研究不同流派的画家是如何处理阴影和高光的，这本书里的案例简直是教科书级别的示范！那些十七世纪荷兰大师的作品，光线仿佛是从一个看不见的窗户斜射进来，精准地打在人物的侧脸和静物上，那种戏剧性的对比，强烈地带动了画面的情绪。我对比着书里的高解析度图像，试着去解析那种“空气感”是如何被营造出来的，是颜料的堆叠厚度，还是笔锋的干湿程度？书中虽然没有直接给出长篇的理论分析，但通过对不同时期、不同地域大师作品的精选和并置，形成了一种无声的对话。比如，当你看完伦勃朗那种厚重、温暖的室内光，再翻到印象派户外那种斑驳、跳跃的光斑时，那种跨越时空的对比冲击力，让人对光线的理解瞬间立体了起来。这对我自己的创作思考带来了极大的启发，它强迫你去超越“是什么”的层面，而去深究“为什么是这样”。
评分对于一个非专业出身的艺术爱好者来说，这本书的阅读门槛似乎有点高，但它提供的线索又极其诱人。它没有用晦涩难懂的术语来堆砌篇幅，而是用大量的视觉证据引导你进行自我探索。我特别欣赏它在某些跨界合作案例上的展示，比如，其中似乎有一组关于舞台布景灯光设计的早期草图，那些用彩色铅笔标注的色温和角度，其严谨程度不亚于工程蓝图。这让我意识到，艺术创作中那些看似随性的光影效果，背后往往蕴含着极其精密的计算和预设。它激起了我强烈的求知欲，让我想要去追溯那些艺术家和设计师背后的技术依据和美学理论。总而言之，这本书像是一把精密的钥匙，它为你打开了一扇通往更深层次视觉理解的大门，但你必须自己走进去，去亲自发掘其中的宝藏。
评分读完这本书，我感觉自己对“环境”这个概念的感知力被极大地强化了。这不再仅仅是关于艺术作品本身，而是关于作品所处的那个“场域”。书中对建筑内部照明，尤其是巴洛克时期教堂照明的图片分析，非常到位。那种利用天窗和反射面来引导视线，从而达到宗教神圣感的营造手法，简直是空间设计的高级范例。我甚至开始反思我们日常生活中对光线的利用是否过于扁平化和功利化了。书中收录的那些户外场景，无论是清晨雾气弥漫的山谷，还是黄昏时分城市街角的霓虹倒影，都提醒着我们，光影是环境的灵魂。它教会你如何去“观察”环境，而不是仅仅“看到”物体。这种对氛围和情绪捕捉的细致入微，让我对如何通过环境元素来烘托主题有了更深层的领悟。
评分摄影布光方面
评分目测想读在读和读过的很多是培训班同学，日期好密集…= =
评分很棒的一本书，透彻
评分比《Color and Light》更基础、概括，而且非常易懂。读完特别想写个画师（摄影师）探案系列，通过有限画面中环境光的反常来推知真相……
评分1、要注意光的辐射（就是物体反射光源带有自身颜色）对周围环境的影响——一般高光部分饱和度降低，但受到辐射作用时，饱和度甚至提高了（木条百叶窗的例子）2、白平衡：日常生活中的大多数光源都是带有某种色调的，大脑十分善于对它们过滤。3、光是一种电磁波，是能量的放射。能量减弱增强时，光色也会发生变化（波长决定光色）。所以太阳下山的过程，也是能量衰减的过程，是从白到黄到红的（月球也是）（开尔文温标）（日落后的紫色可能是阳光很微弱时和天光混合产生的）4、菲涅耳效应——近处水面看得到底，远处有强烈反射。（玻璃杯也是，两侧角度最为倾斜反光最强）5、透明物体折射反射（水反射墙面）都会产生焦散（光线随物体表面曲度变化）（半透明物体里的漫发射会破坏折射和焦散）6、丁达尔效应（通过胶体<包括云雾烟尘>产生光束）
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