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出版者:五洲传播出版社

作者:杭间

出品人:

页数:152

译者:

出版时间:2006-8

价格:34.00元

装帧:平装

isbn号码:9787508509624

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好的，这是一本关于世界现代主义建筑的图书简介，完全不涉及中国传统工艺的内容： --- 现代的脉动：二十世纪建筑的革新与思潮 内容简介 本书深入探讨了二十世纪以来，世界范围内席卷建筑领域的现代主义浪潮及其演变历程。它不仅是一部风格的梳理，更是一次对人类居住环境、社会结构与技术进步深刻互动的历史考察。从包豪斯理念的诞生，到结构主义的理性反思，再到后现代主义对宏大叙事的解构，我们试图捕捉现代建筑在追求“新”与“真”的过程中所展现出的复杂张力与思想深度。 第一部分：理想的开端——早期现代主义的奠基（1900-1930） 本部分聚焦于现代建筑如何挣脱历史的桎梏，拥抱工业时代的崭新材料和技术。 一、工业革命的遗产与新材料的解放： 详细分析钢筋混凝土、钢结构和玻璃幕墙如何从工程技术范畴，转化为建筑表达的核心元素。我们将考察亨利·霍布森·理查森（H.H. Richardson）晚期对新材料的探索，以及奥古斯特·佩雷（Auguste Perret）如何将清水混凝土的结构美学提升到新的高度。 二、功能至上与理性主义的诞生： 深入解析阿道夫·路斯（Adolf Loos）在《装饰与犯罪》中对维多利亚时代繁复装饰的批判，及其对简洁、纯粹几何形式的倡导。重点分析维也纳分离派（Vienna Secession）在建筑和室内设计中对清晰线条和标准化组件的运用。 三、包豪斯的教育与实践： 这一章节将详细梳理瓦尔特·格罗皮乌斯（Walter Gropius）在魏玛和德绍建立包豪斯学校的初衷。我们考察其“艺术与技术——一种新的统一”的口号，如何渗透到教学大纲中。重点分析米斯·凡德罗（Ludwig Mies van der Rohe）在巴塞罗那世博会德国馆和范斯沃斯住宅中对“少即是多”（Less is More）哲学的极致演绎，探讨其玻璃与钢铁构成的透明性如何象征着现代社会的开放与效率。勒·柯布西耶（Le Corbusier）的“新建筑五点”——底层架空、自由平面、自由立面、横向长窗和屋顶花园——如何在萨伏伊别墅中得到系统的实现，并讨论其对现代城市规划的深远影响。 第二部分：全球扩散与地域性的张力（1930-1960） 二战前后，现代主义建筑随着政治动荡和人才迁移走向全球，并在不同文化背景下产生了适应性的变化和挑战。 一、现代主义的流亡与美洲的崛起： 探讨欧洲现代建筑大师（如格罗皮乌斯、凡德罗）移居美国后，如何将国际风格（International Style）植入美国的高等教育机构和企业建筑中。分析芝加哥学派后期的继承者，如密斯在皇冠大楼中的设计如何定义了战后摩天大楼的范式。 二、巴西的自然与现代的融合： 重点考察奥斯卡·尼迈耶（Oscar Niemeyer）和卢西奥·科斯塔（Lúcio Costa）如何在巴西，特别是巴西利亚的规划中，将现代主义的清晰结构与巴西本土的曲线美学和对光线的敏感性相结合。分析他们如何利用混凝土创造出雕塑感极强的建筑形态，实现了一种富有情感的现代性。 三、现代主义在亚洲的适应性： 考察日本在战后重建中对现代主义的吸收和转化。分析丹下健三（Kenzō Tange）如何在追求功能性的同时，巧妙地将日本传统建筑的“间”（Ma）的概念和模块化思维融入大型公共项目中，探寻一条不同于西方的现代主义路径。 第三部分：结构的力量与批判的萌芽（1960-1970） 在现代主义达到顶峰并被视为教条之时，一批建筑师开始探索结构本身的戏剧性表达，并对现代主义的社会乌托邦理想提出质疑。 一、结构主义的雄辩： 深入分析结构主义建筑如何将支撑系统提升为建筑的最终美学表达。重点研究菲利普·约翰逊（Philip Johnson）的AT&T大楼（尽管后期被视为后现代早期标志，但其结构表达极具张力）以及日本的代谢派（Metabolism）——如丹下健三和矶崎新（Arata Isozaki）提出的可更换、可生长、模块化的城市理论，探讨技术乐观主义的极限。 二、粗野主义的诚实性： 考察英国的史密森夫妇（Alison and Peter Smithson）以及保罗·鲁道夫（Paul Rudolph）等人如何采用粗粝的、未加修饰的混凝土（Béton Brut），强调材料的“本真性”。分析粗野主义（Brutalism）如何试图通过其笨重、纪念碑式的体量，在战后社会福利住房和大学建筑中体现出一种严峻的公共精神。 三、对“万能药”的反思： 探讨城市规划者和建筑师对战后大规模、同质化城市重建的反思。如简·雅各布斯（Jane Jacobs）在《美国大城市的死与生》中对高速公路和巨型综合体的批评，如何为后来的建筑思潮奠定了批判基础。 第四部分：多元化的反击——后现代与解构的序曲（1970至今） 现代主义的单线叙事被打破，建筑进入了一个更加复杂、充满符号和历史引用的时代。 一、后现代主义的符号学转向： 详细解读罗伯特·文丘里（Robert Venturi）的“少即是乏味”（Less is a Bore），及其对装饰、历史引用和“混合”（Pastiche）的重新接纳。分析其对拉斯维加斯的膜拜，如何挑战了国际风格的纯洁性。探讨菲利普·约翰逊的AT&T大楼如何以其古典的“板条箱”式尖顶，宣告了历史符号的回归。 二、批判性地域主义的崛起： 关注以肯尼斯·弗兰普顿（Kenneth Frampton）为代表的建筑理论家，他们试图在拒绝国际风格的普遍化和后现代的纯粹挪用的中间地带，寻找一种根植于特定地形、气候和文化的现代建筑表达。分析阿尔瓦罗·西扎（Álvaro Siza Vieira）和伦佐·皮亚诺（Renzo Piano）在不同文化语境下的克制与精妙的构造。 三、解构的尝试： 探讨受哲学解构主义影响的建筑师，如彼得·艾森曼（Peter Eisenman）和扎哈·哈迪德（Zaha Hadid），如何通过扭曲、破碎和非欧几里得的几何形式，挑战传统的稳定结构和可读性，预示着信息时代建筑的复杂性与动态美学。 本书以严谨的学术态度，辅以大量珍贵的一手资料和建筑图纸分析，旨在为读者勾勒出二十世纪现代建筑波澜壮阔的图景，揭示其内在的哲学冲突与技术驱动力，理解我们今日所处的建筑环境是如何被这些激进的思想塑造而成的。 --- 关键词： 现代主义、功能主义、包豪斯、国际风格、粗野主义、后现代、结构主义、理性建筑、勒·柯布西耶、米斯·凡德罗、文丘里。

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这本书的叙事节奏掌握得非常老道，它懂得在什么时候需要慢下来细细品味，什么时候又需要快速地拉开视野进行宏观梳理。比如说，在讲解传统织锦的“纬线起花”过程时，文字描述得极其细致入微，仿佛能听见梭子在经线中往复穿梭的清脆声响，让人仿佛身临其境地体会那种枯燥而又精密的重复劳动。但紧接着，它会立刻切换到对整个丝绸之路贸易网络影响的分析，将焦点从一尺织锦瞬间放大到全球贸易的版图上。这种在微观（个体技艺）与宏观（历史脉络）之间的自由切换，使得全书的阅读体验张弛有度，既有足够的深度去扎根传统，又有足够的广度去连接世界，避免了传统工艺题材容易陷入的“细节堆砌”的窠臼。

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这部《中国传统工艺》光是书名就充满了厚重的历史感和对匠心精神的敬意。我原本以为这会是一本严肃、偏学术的图鉴，但翻开后发现，它更像是一部穿越时空的影像志。书中的文字叙述克制而精准，没有过多的煽情，而是用一种近乎考古的严谨态度，去还原每一项工艺从起源到鼎盛的脉络。比如，我印象最深的是关于宋代定窑的白瓷烧制工艺，书中详细描绘了当时的釉料配方调整，以及为了达到那种“泪痕”般的美感，工匠们在窑火控制上所下的苦功。那种对细节的执着，已经超越了单纯的“技艺”，而上升到了一种哲学层面——人与自然、材料之间的对话。 我尤其欣赏它在介绍传统工艺时，能够跳出现有的博物馆陈列视角，深入到工艺背后的社会结构和文化语境中去探讨。它不仅仅告诉你“这个东西怎么做成的”，更重要的是解释了“在那个时代，它为什么会以这样的形式存在”。例如，书中对徽派木雕的研究，就不仅仅停留在榫卯结构的精妙上，而是将其置于明清徽商的崛起和宗族文化的需求背景下进行分析，清晰地展示了商业利益、宗族荣耀与艺术表现之间的微妙平衡。这让阅读体验从单纯的知识获取，升华成了一种对中国传统文化基因的深度解码，感觉像是拿到了一份关于古代生活美学的“使用说明书”。

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我个人对传统建筑中的木构体系特别着迷，而这本书在这方面的阐述，可以说是达到了我阅读过的所有相关资料中的顶尖水平。它并没有将榫卯结构视为仅仅是机械连接，而是将其视为一种空间哲学。书中用了大量的对比分析，将中国传统木构的柔韧性与西方石材建筑的刚性进行了深入的对比，清晰地阐释了“墙倒屋不塌”的中国式抗震智慧。更令人称奇的是，书中对不同地域建筑风格中对同一结构件的微小改动也进行了归类和标注，比如南方抬梁式与北方穿斗式的结构差异，是如何适应当地的季风气候和材料分布的。这种对地域性适应性的精妙洞察，让人不得不佩服古人在因地制宜方面的创造力，也让我对脚下这座城市的一砖一瓦都产生了全新的敬意和好奇心。

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说实话，我拿到这本书的时候，内心是有些忐忑的，担心内容过于陈旧，充满了老旧的黑白照片和晦涩难懂的术语。然而，这本书的视觉呈现简直是令人惊艳的。它的摄影和版式设计是现代的，这一点非常值得称赞。很多页码上印着的高清彩图，色彩的饱和度和光影的捕捉都达到了极高的水准。特别是关于漆器工艺的部分，那种大漆在不同光线下折射出的深邃光泽和层次感，隔着纸张似乎都能感受到那份温润和厚重。这种高质量的图文结合，极大地降低了普通读者接触这些复杂工艺的门槛。它没有刻意去“讨好”大众，但其本身散发出的专业度和美感，自然而然地吸引人沉浸其中，让人愿意花时间去琢磨那些繁复的纹饰和细微的色彩差异。

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这本书最让我感到振奋的地方，在于它对“失传”与“传承”的探讨，并非停留在哀叹，而是充满了对未来的期许。作者似乎很在意如何让这些宝贵的技艺在当代社会找到新的立足点。在介绍某些已经面临断代的工艺时，书中并未一笔带过，而是花了大量篇幅去追踪仍在坚持的民间匠人，记录他们面临的现实困境——市场接纳度、年轻人的学习意愿等。这种近乎田野调查式的写作手法，让书中的内容充满了生命力和紧迫感。读完后，我不再觉得这些工艺只是历史课本上的名词，而是活生生的、需要我们去关注和支持的文化血脉。这种现实关怀，让整本书的厚度立刻提升了一个维度，不再是单纯的文化记录，而更像是一份行动指南的序言。

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编书啊~

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杭先生的工艺美术史观在传统分类学上的发挥和归总。

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