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出版者:Konemann

作者:

出品人:

页数:344

译者:

出版时间:1998-6

价格:USD 39.98

装帧:Hardcover

isbn号码:9783895081101

丛书系列:

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铸就未来：孟菲斯设计运动的革命与遗产 作者：[此处可填写真实作者或设定作者] 出版信息：[此处可填写真实出版信息或设定] --- 内容提要 本书深入剖析了二十世纪七十年代末在米兰爆发，并迅速席卷全球的孟菲斯设计运动（Memphis Group）。不同于以往任何一次艺术或设计运动，孟菲斯以其颠覆性的美学、对既有精英主义的反叛以及对大众文化的热烈拥抱，彻底重塑了现代设计语言的边界。 本书不仅追溯了艾托·索特萨斯（Ettore Sottsass）及其核心成员——包括马蒂·费希尔（Martine Bedin）、安妮·伊茨霍（Anne Iizuka）、米歇尔·德·卢奇（Michele De Lucchi）等——如何从意大利的政治、社会动荡中汲取灵感，更细致地考察了他们如何运用鲜艳的塑料层压板、大胆的几何图形、孟菲斯条纹（Bacterio Pattern）以及充满戏谑意味的装饰元素，挑战了包豪斯以来理性、功能至上的现代主义信条。 《铸就未来》并非一部简单的风格回顾录，它是一份对设计哲学进行深刻审视的文本。我们探讨了孟菲斯如何将“实用性”降至次要地位，转而强调情感的表达、幽默感和日常物品的叙事潜力。从家具、灯具、陶瓷到平面设计，孟菲斯的作品成为了一个反叛的宣言，质疑着“好品味”的绝对性，并预示了后现代主义在设计领域的全面胜利。 全书通过大量的历史档案、内部会议记录、当时的杂志评论以及对关键作品的详细图解分析，力求还原孟菲斯运动兴盛、鼎盛以及最终在九十年代初瓦解的完整轨迹。我们审视了孟菲斯对日本“卡哇伊”文化的影响，以及它如何被全球的时尚、音乐和流行文化迅速吸收与再诠释。 最终，本书旨在评估孟菲斯运动留下的深远遗产：它教会了我们如何看待装饰、如何拥抱非理性，以及如何在功能之外，为日常物品注入诗意与个性。孟菲斯，作为一场短暂却猛烈的文化风暴，其回响至今仍在塑造着我们对“新奇”与“设计”的理解。 --- 第一部分：反叛的土壤与哲学的萌芽 第一章：功能至上的黄昏 本章首先描绘了1970年代末欧洲设计界的僵局。战后复兴与现代主义的严格教条（如“形式追随功能”）虽然奠定了工业设计的基础，但也导致了设计语言的枯燥与同质化。意大利设计界，尤其是在米兰，渴望突破这种理性至上的桎梏。本章详述了当时社会氛围对设计的反作用力：能源危机后的焦虑、大众媒体的兴起，以及年轻一代对父辈精英文化的反感。我们将聚焦于索特萨斯在之前的“Studio Alchimia”的探索，以及他对于“设计应服务于生活戏剧，而非仅仅是工具”的理念转变。 第二章：巴别塔的灵感：孟菲斯之名的由来 孟菲斯设计工作室的正式成立伴随着一个具有文化象征意义的举动——以鲍勃·迪伦（Bob Dylan）的歌曲《Stuck Inside of Mobile with the Memphis Blues Again》命名。本章深入探究这一命名的多重含义。它不仅是一种对美国布鲁斯文化和摇滚精神的致敬，更象征着一种“非正统”的、源自民间和流行文化的精神内核。我们将考察索特萨斯、阿诺·艾斯佩里（Andrea Branzi）等创始人如何从各种看似不搭界的文化源头——包括装饰艺术、波普艺术、非西方几何纹样、以及儿童玩具的设计理念中——汲取养分，摒弃单一的“艺术史”叙事。 第三章：宣言的诞生：首展与意识形态的碰撞 1981年9月，在米兰家具展期间，孟菲斯首次亮相。这一展览被设计史学家称为“一次文化地震”。本章将细致分析孟菲斯第一系列作品的面貌：马西莫·伊奥萨（Massimo Iosa Ghini）的“奥芬（Orfano）”书柜、米歇尔·德·卢奇的“图书馆（Biblioteca）”系列，以及索特萨斯本人标志性的“海豚（Delfino）”书架。重点将放在他们如何使用廉价、工业化的材料——如美耐板（Formica）——进行高昂、戏谑的表达，这本身就是一种对传统工艺与材料等级制度的嘲弄。我们还将对比当时主流评论界对孟菲斯的“哗众取宠”、“幼稚”乃至“犯罪”的激烈抨击，以此凸显其革命性。 第二部分：美学解构与材料的狂欢 第四章：色彩的暴动与纹样的解放 孟菲斯最显著的特征在于其对色彩和图案的运用。本章将集中探讨他们如何打破了“设计必须是中性色调以确保永恒性”的铁律。我们将详细分析孟菲斯最具代表性的图案，特别是“巴泰里奥（Bacterio）”图案——一种由索特萨斯设计的，充满随机、混乱美感的线条组合——以及其在不同媒介上的应用。此外，对孟菲斯如何将鲜艳的粉红、电光蓝、翠绿与基础色调并置的理论进行剖析，揭示其如何借鉴了巴洛克式的装饰欲与流行文化的即时性。 第五章：新装饰主义：形式的后现代戏仿 本书深入探讨孟菲斯对“装饰”的重新定义。在现代主义者看来，装饰是多余的赘物；而在孟菲斯看来，装饰是意义和情感的载体。本章将解析他们如何通过将常见的几何形体（球体、棱柱、三角形）以不符合结构逻辑的方式堆叠组合，创造出既陌生又熟悉的对象。我们将探讨皮埃特·克莱因（Peter Shire）那些充满手工感、略微失真的陶瓷作品，以及它们如何挑战了工业化生产的完美标准，强调了设计的“性格”而非“完美”。 第六章：材料的解放：从廉价到高尚 孟菲斯的设计策略中，“材料的诚实性”是一个被颠覆的概念。他们大量使用廉价且易于大规模生产的塑料层压板（如Formica），并让其呈现出大理石或珍贵木材本不该有的、饱和的颜色。本章将分析这一策略背后的社会学意图：通过提升普通材料的地位，孟菲斯试图模糊精英艺术与日常用品之间的界限。我们将对比分析早期现代主义对新材料（如钢和玻璃）的严肃探索，与孟菲斯对塑料的戏谑、享乐主义的使用。 第三部分：商业化、传播与瓦解 第七章：大众媒体中的孟菲斯神话 孟菲斯运动的成功在很大程度上依赖于其出色的自我传播能力和对媒体环境的精准把握。本章关注孟菲斯如何迅速进入国际视野。我们将考察他们的作品如何在《室内设计》（Interior Design）、《Domus》等专业杂志上占据头版，以及它们如何渗透到广告、音乐录影带和电影布景中。这种与大众文化的紧密结合，使得孟菲斯在极短的时间内从一个边缘工作室成长为一个全球性的文化现象，但也为其后来的商业化危机埋下了伏笔。 第八章：超越家具：孟菲斯在平面与建筑中的延伸 孟菲斯的影响力并未局限于实体家具。本章将探讨孟菲斯美学在平面设计领域的影响，特别是其对拼贴、非对称构图和大胆文字排版的偏爱。我们将分析艾尔·坦纳（Alana Tanner）等设计师如何将这些视觉元素应用于杂志封面、海报和品牌识别中。此外，我们也会简要概述孟菲斯成员在建筑设计中所展现的对形式自由的追求，以及他们如何试图将这种后现代的、反传统的思维方式引入更大的空间叙事中。 第九章：风暴的平静：商业化与运动的终结 尽管孟菲斯在文化上取得了巨大成功，但其商业模式面临着巨大的挑战。本章将探讨运动内部的张力：一部分成员倾向于更纯粹的艺术表达，而另一部分则试图迎合日益增长的商业需求。随着核心成员在1980年代中后期将注意力转向个人项目，孟菲斯设计工作室的集体创作模式逐渐瓦解。我们将分析导致这一终结的关键事件，并讨论其解散并非一次失败，而更像是一次“完美燃烧”——其激进的观点已经被主流设计所吸收和消化。 结论：装饰的回归与设计的未来视野 本书最后将对孟菲斯运动的长期影响进行总结。孟菲斯打破了“设计必须是严肃的”这一观念，为后来的趋势（如数字设计中的拟物化倾向、千禧一代对复古风格的偏爱）铺平了道路。它教会了设计师和消费者，物件可以同时具有功能性、情感性和挑衅性。孟菲斯留下的最宝贵遗产，是鼓励设计界拥抱矛盾、挑战权威，并永远记住：设计，归根结底，是关于人类体验的丰富性与复杂性的表达。

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这本摄影集的装帧设计简直是视觉的盛宴，那种厚重而富有质感的封面，仿佛直接把人带回了那个充满革命激情与实验精神的年代。翻开扉页，首先映入眼帘的是那些大胆的几何构图和强烈的黑白对比，那种锐利到仿佛能切割空气的线条感，让人不得不佩服那个时代的艺术家是如何在技术条件的限制下，爆发出如此惊人的创造力。每一页的排版都经过精心设计，图片与留白之间的呼吸感拿捏得恰到好处，既保证了作品的冲击力，又给予了观者足够的思考空间。装帧的细节处理尤其令人称道，比如某些照片采用了高光泽度的纸张，而另一些则使用哑光处理，这种材质上的对比，让观者的触觉和视觉都得到了极大的满足。我尤其喜欢它在重印那些经典作品时的忠实度，色彩的层次和颗粒感都得到了最大程度的保留，仿佛触摸到了原作的温度。坦白说，仅仅是捧着这本书，就已经是一种享受，它超越了一本简单的图录，更像是一件可以把玩的艺术品，展示了书籍设计本身作为一种独立艺术形式的潜力。

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初次接触这本书时，我最深的感受是它所蕴含的那股子“向心力”，那些人物的眼神，那些建筑的结构，都仿佛被某种无形的力量拽向画面的中心，形成一种极具张力的视觉漩涡。这本书的作者似乎对“空间”的理解有着一种近乎偏执的迷恋，他不仅仅是在记录物体，更是在解构和重塑三维空间在二维平面上的表现。当你凝视那些高角度俯拍或者低角度仰拍的作品时，你会清晰地感受到一种透视被夸张化带来的眩晕感，这种处理手法挑战了我们习惯性的观看模式，迫使我们重新审视日常环境中的比例与秩序。书中的一些系列作品，比如对工厂机械或者城市天际线的捕捉，简直就是对工业美学的极致颂扬，那种精确到冷酷的重复性图案，让人联想到某种宏大的、不可抗拒的现代进程。它不是在歌颂田园牧歌式的宁静，而是在高呼现代性带来的速度与力量，那种动感十足的画面语言，即便放在今天来看，也毫不逊色于任何前卫的视觉实验。

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我是一个对历史脉络非常看重的人，但这本书在呈现历史背景时，却采取了一种非常克制和间接的方式。它几乎没有冗长的文字描述去解释当时的政治气候或社会思潮，而是将所有的“论述”都内化到了图像本身之中。你必须通过那些被摄者的衣着、面容，通过那些工业建筑的粗粝感，去自行推断和构建那个时代的氛围。这种“留白”的处理，对我来说，是极富挑战性但也极具回报的。它拒绝喂养你现成的观点，而是要求你成为一个主动的考古学家，去挖掘隐藏在光影背后的时代密码。特别是那些涉及到群体运动的场景，那种密集的、几乎要从照片里涌出来的群像，其视觉冲击力远胜于任何文字描述的“热烈”或“团结”。这表明了艺术的最高境界或许就是“不言而喻”，让作品自己去完成与观者的深度对话。

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这本书最让我感到震撼的，是它对“观看”这一行为本身的解构与重构。它似乎在不停地质问我们：你真的在看吗？那些被收入其中的作品，无一例外地都在挑战视觉的惯性。比如那些被故意裁切掉边缘的人物或物体，那种不完整的呈现方式，反而激发了观者大脑的补全机制，使得想象力被前所未有地调动起来。它把静态的照片变成了动态的思考过程。此外，书中对“运动”的捕捉堪称教科书级别，那些瞬间的凝固，似乎把时间拉伸到了无限长，让你能清晰地分辨出动作的每一个细微过渡。这不仅仅是关于摄影技术的精湛，更是一种对时间本质的哲学探讨。合上书本，我感觉自己的眼睛似乎被“重新校准”了一般，对周围的世界，无论是建筑的线条、行人的步伐，还是光影在墙上的投影，都开始以一种更加敏锐、更加结构化的方式去感知，这种潜移默化的影响，是任何纯粹的理论书籍都无法比拟的。

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这本书的叙事方式非常独特，它不是线性的，更像是一个由无数个闪光点构成的星图，需要读者自己去连接那些看似不相关的片段。我发现，如果你试图按照严格的时间顺序去理解这些作品，反而可能会错失掉很多乐趣。更有效的方法，或许是将每一张图片都当作一个独立的宣言，去感受它在那个特定瞬间所爆发出的情感能量。那些对日常劳动者形象的捕捉，虽然构图严谨，却丝毫没有削弱人物的生命力，反而通过对光影和姿态的强调，赋予了这些普通人一种史诗般的庄重感。这种对“平凡”的提升，是这本书最让我心折的地方之一。它提醒我们，艺术不必总是高高在上，它可以扎根于最泥土芬芳的生活之中，通过独特的视角，将泥土转化为黄金。每一次重读，都会有新的发现，因为你总能从那些熟悉的影像中，捕捉到之前忽略掉的微妙的张力或光线变化。

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