中国现代戏剧序跋集（上下） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:北京广院

作者:周靖波　主编

出品人:

页数:778

译者:

出版时间:2003-4

价格:52.00元

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isbn号码:9787810850636

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《江山如画：中国古代山水画的审美变迁》 内容简介： 本书旨在深入探讨中国古代山水画自魏晋发轫至清代成熟的漫长发展历程中，其审美观念如何随着社会思潮、哲学思想及艺术技法的演进而发生的深刻变化。通过对历代代表性画家及其作品的细致剖析，本书勾勒出一条清晰的脉络，展现了“以形写神”到“师法自然”，再到“胸中丘壑”的审美递进。 第一章：魏晋风骨与山水初醒——“气韵生动”的理论基石 中国山水画的独立地位的确立，是伴随着魏晋时期士人阶层精神解放的时代洪流。本章首先考察了顾恺之“传神论”对后世山水画的启示意义，尽管其主要精力集中于人物画，但其对“精神”和“气韵”的强调，为山水画的哲学深度埋下了伏笔。我们着重分析了宗炳的《画山水序》，这是中国艺术史上第一篇系统的山水画理论文献，提出了“卧游”的理念，使山水从客观描摹转向了主体精神的寄托。 本章重点剖析了早期山水画在风格上的朴拙与意蕴上的深邃。画家们尝试将儒家的伦理秩序感与道家的超脱洒脱融入对自然景象的描绘中，早期山水画虽受人物画影响，形制尚未完全成熟，但其确立的“寄情山水，以景言志”的文化内核，成为此后数千年发展的主导方向。 第二章：隋唐气象与“格物致知”——山水画的规范化与宏大叙事 隋唐时期，随着国力的强盛和佛教艺术的繁荣，山水画开始走向独立与成熟。李思训、李昭道的青绿山水代表了盛唐时期对宇宙秩序和皇家气象的歌颂。本章探讨了唐代画家如何将矿物颜料的运用推向极致，创造出富丽堂皇、气势磅礴的画风，这与唐代积极入世的时代精神是高度契合的。 然而，唐代山水画的转折点在于王维的出现。王维将禅宗思想引入山水画，强调“诗中有画，画中有诗”。他倡导的“水墨为上”并非仅仅是技法的革新，更是审美趣味从外在的华丽转向内在的空寂。本章详细梳理了王维的“不着色”山水如何为五代和宋代的文人山水奠定理论基础，即：绘画不再是再现可见之景，而是表达不可言说的禅意与空灵。 第三章：五代十国与北宋巨制——“卧游”的极致与“可游、可居”的理想 五代十国是山水画的黄金时代，代表了程式化和写实性在不同地域的极致发展。荆浩、关仝、李成，以及南方的董源、巨然，共同构建了中国山水画的南北两大体系。 北宋时期，特别是范宽的《溪山行旅图》和郭熙的《早春图》，将山水画推向了前所未有的高峰。本章的核心在于分析宋代理学兴起对山水画的影响。画家们不再满足于简单地描绘自然，而是试图在山川的结构中探求“理”——即宇宙万物的根本法则。郭熙的“可行、可望、可游、可居”的理论，将审美体验与人居环境、人生哲学紧密结合起来，山水画真正成为士人安顿精神的理想“第二自然”。我们尤其关注北宋“院体”与“文人画”的张力与融合。 第四章：南宋的转向与元代的抒情——“以书入画”与主体精神的凸显 南宋时期，由于国土沦丧，山水画的审美倾向发生重大变化，从北宋的雄伟转向了“意境”和“笔墨趣味”。马远、夏圭“一角半边”的构图，将画面的空间压缩，凸显了画家的主观情感与孤独情怀。这种对“虚”的处理，是宋人审美由“全景式”向“局部特写式”的重要转变。 元代，随着蒙古人的统治，汉族文人正式将山水画推向了纯粹的抒情领域，形成了“元四家”的鼎盛局面。本章深入探讨了赵孟頫“复古”思潮下对笔墨语言的自觉强化，以及黄公望、倪瓒等人如何将山水视为个人品格的象征。特别是倪瓒的“板桥风”，对空寂和萧瑟的极致追求，标志着山水画彻底脱离了客观物象的束缚，成为纯粹的文人精神符号。 第五章：明清画派的流变与笔墨的成熟——集大成与个性化表达 明代吴门画派（沈周、文徵明）在继承元代文人传统的基础上，强调对前人笔墨范式的继承与融会。董其昌提出的“南北宗论”，虽然在后世引起诸多争议，但其客观上确立了文人画（南宗）的正统地位，并强调了“以书为画”的审美标准，即笔墨的精熟与意境的幽远高于形似。 清代，山水画的风格趋向多元化。以“四王”（王时敏、王鉴、王翚、王原祁）为代表的娄东派，致力于对元明诸家笔墨的“集大成”，强调“熟读唐人诗，熟玩晋人书，熟看六朝画”的精研路径。与此同时，以石涛、八大山人为代表的“个法”画家，则以奇崛、叛逆的姿态，反思并打破了传统的程式化束缚，他们的作品充满了对历史的沉思和个体生命体验的强烈表达，为中国山水画的古典阶段画上了浓墨重彩的句号。 结语：山水精神的当代回响 本书总结了中国山水画从魏晋的理论萌芽到清代的流派纷呈，始终围绕着“天人合一”的哲学母题，并最终聚焦于“笔墨”这一核心的艺术语言。山水画的美学价值，在于它提供了一种在动荡现实中，精神可以栖居的理想境界。

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坦白说，这本书的阅读过程是需要耐心的，它不像小说那样拥有直击人心的叙事钩子，它需要你静下心来，进入一种“慢阅读”的状态。但一旦你沉浸其中，那种回馈是丰厚而持久的。我最喜欢的是那些充满个人情感色彩的片段，比如对某个演员的赞美，对某个排练场景的追忆，或是对家庭生活因戏剧投入而产生的矛盾的幽默记录。这些细微的人间烟火气，让那些高屋建瓴的理论探讨变得温暖而可信。它让我意识到，伟大的艺术创作从来不是空中楼阁，而是由无数个在深夜灯下伏案疾书、在简陋剧场中挥汗如雨的个体所共同铸就的。这套书，与其说是一部学术资料集，不如说是一部关于“戏剧人”的精神档案，它完整地保留了那个时代艺术灵魂的原始温度与热度。

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我对这套书的结构和收录的文本广度感到非常惊喜。它并非仅仅罗列了那些耳熟能详的大师级作品的序跋，更将许多被历史烟尘略微遮盖住的“边缘”剧作家的心声也一一呈现出来。这使得整部作品的立体感瞬间增强。我特别留意了那些针对特定演出或特定时期改编文本所写的跋文，它们往往更具现场感和即时性，透露出排练场上的烟火气和创作者面对观众时的忐忑与期盼。例如，有几篇是关于早期话剧进入民间剧团后的适应性调整的讨论，这让我看到了艺术在落地生根过程中必须面对的现实困境。这种将“学院派”的理论探讨与“民间化”的实践经验相结合的编排方式，极大地丰富了我对中国现代戏剧发展历程的认知。它不再是教科书上冷冰冰的年代划分，而是一系列鲜活、充满生命力的思想碰撞的记录。我甚至可以想象，当时的剧场里，台前幕后是如何一番番激烈的讨论与磨合。

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从收藏和研究的角度来看，《中国现代戏剧序跋集》的价值是无可替代的。它为研究者提供了一个独特的视角——不是直接去分析剧作的结构，而是去解析剧作者是如何自我定位、自我辩护和自我期许的。每一次序的撰写，都是一次对自身创作意图的郑重声明；每一次跋的补缀，都是一次对历史进程的诚恳回应。我注意到一些关于外国戏剧引进和改编的序跋部分，它们清晰地勾勒出了早期中国戏剧人如何在全球文化浪潮中保持文化主体性的艰难探索过程。他们如何吸收、如何消化、如何反哺，这些都在这些看似附属的文字中得到了最直接的体现。这种对“本土化”历程的细致梳理，对于理解中国现代性建构的复杂性，提供了宝贵的语料支撑，绝非普通戏剧史著作所能比拟。

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这套书的文字魅力，在于其特有的“半成品”气质。序和跋，本质上都是对一个完整作品的补充说明和情感投射，它们天然地带有一种未尽之言的张力。在阅读过程中，我常常忍不住要对照着去想象这些序跋所指向的“正文”是什么样子，从而构建起一个属于我自己的完整戏剧图景。很多作者在写跋时，语气已经从创作初期的激昂转为对时间流逝的慨叹，或是对后辈的殷切期盼。这种跨越时空的对话感是极其迷人的。特别是那些流亡作家或长期处于政治压力下的剧作家的文字，其用词的谨慎与内涵的丰富形成了强烈的反差，需要读者付出极大的心力去揣摩字里行间潜藏的深意。我甚至觉得，如果把这些序跋单独抽离出来看，它们本身就是极具文学价值的散文或杂文，记录了那个时代知识分子群像的心灵侧写。

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这部《中国现代戏剧序跋集（上下）》简直是打开了一扇通往那个风云变幻的年代的窗户。我带着一种近乎朝圣的心情去阅读这些文字，它们不仅仅是零散的序言和跋文，更像是一部浓缩的史诗。每一篇文字背后，都能感受到创作者在那个特定历史节点上的挣扎、希望与呐喊。尤其是一些早期的作品，文字里流淌着一股冲破旧制、拥抱新生的原始力量，那种对戏剧艺术的执着与信仰，即使跨越了时间的鸿沟，依然能强烈地感染到今天的人们。我尤其欣赏作者对文本背后社会背景的细腻捕捉，那些看似轻描淡写的句子，实则蕴含着对时代脉络深刻的洞察。读完之后，我感觉自己不仅仅是了解了一批剧作，而是真正“进入”了那个戏剧的黄金时代，亲历了那些知识分子如何用舞台作为武器，去质问、去疗愈、去重塑民族的精神面貌。这种阅读体验是极其充实且具有启发性的，它迫使我反思当下我们所处的文化语境，以及戏剧在其中扮演的角色。

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